Musiques du monde - Playlist "fete de la musique" et entretien avec Poirier Dj et producteur de Montreal

Pop liquide et folk et déclaration d’amour à Joni Mitchell. Le 1er groupe invite est Frànçois & The Atlas Mountains pour la sortie de Âge Fleuve Liquide, voilà comment on pourrait traduire l’odyssée musicale de Frànçois & the Atlas Mountains (F&AM). Il n’y a qu’à jeter un œil à son parcours de vie. Ayant grandi à Saintes sur les rives de la Charente, Frànçois a traversé la Manche pour poser ses valises au Royaume-Uni en 2003, dans la ville portuaire de Bristol. Assistant de français au départ, il finit par glisser vers la scène musicale indépendante qui fera office de laboratoire artistique et émotionnel pour le jeune homme. Une puissante inspiration créatrice : dessin, cinéma d’animation, musique... « Tu te pointais dans des lieux, tu prenais une guitare, un instrument de fortune, un instrument que tu as acheté à la brocante, et tu faisais une espèce d’arte povera de la pop », raconte le musicien à propos de ses années Bristol. Fragilité, pudeur, délicatesse… Une voix qui rappelle aussi d’illustres contemporains, de Devendra Banhart à Vincent Gallo dont les inflexions vocales ressurgissent parfois derrière le timbre si singulier du français. Comme dans Fleuve des âges, morceau presque éponyme de son dernier album Âge fleuve. Un disque souriant et feutré, dernière mouture de la maison InFiné et sixième album studio de F&AM, ce disque souriant et feutré n’a rien à envier aux précédents. Pêle-mêle, Malik Djoudi et sa pop envoûtante, Thomas de Pourquery, le jazzman que tout le monde s’arrache, et la Britannique folk Rozi Plain sont venus prêter main-forte à F&AM. Trois collaborations délicieuses qui se marient à merveille avec les 10 titres qui composent l’album. Mais ce n’est pas tout… L’album s’est construit durant quatre longues années, marquées par la pandémie, où il aura reformé son groupe et navigué entre deux labels, Domino d’abord, avant de se tourner vers InFiné. Puis le décès de son père viendra tout bouleverser et redémarrer la machine désirante du souvenir, qu’il traduit à sa manière : « Depuis que j’ai perdu mon père pendant la pandémie, il y a cette question de l’origine qui s’est mise à ressurgir avec les souvenirs. » L’issue ? Âge Fleuve, donc. ► Titres interprétés au grand studio Pas lents dans la neige Live RFI Adorer, extrait de l’album Le Fil Live RFI Line Up : François Marry (chant guitare), Colin Russeil (batteur) et Laure Sanchez (bassiste) Son : Benoit Le Tirant + Camille Roch, Benoît Le Tirant ► Album Age Fleuve (InFiné 2025) Bandcamp - YouTube - Site À lire aussiÀ lire sur RFI Musique Puis, nous recevons Haïm Isaacs pour la sortie de Joni Mitchell in Jerusalem Ce sont les chansons de Joni Mitchell revisitées avec tendresse par Haïm Issacs. Né à new York, grandi à Jérusalem, il a découvert Joni Mitchell chez sa voisine de palier à 15 ans. Son frère dit qu’il est né ce jour-là. La nuit, il rêvait d’elle. Le jour, arpentant les collines de Jérusalem, de Jéricho à Bethléem, il a chanté ses chansons comme des songlines aborigènes. À Paris, il célèbre la chanteuse américaine en 4tet. Après 4 années de tournée, les musiciens sont rentrés en studio. Le fantasme de l’éternité, gravant la musique dans la pierre, est merveilleusement impitoyable. Joni Mitchell In Jerusalem est l’album qu’il aspirait à faire depuis 20 ans. ► Titres interprétés au grand studio : Slouching Towards Bethlehem Live RFI Little Green, extrait de l’album Chelsea Morning Live RFI Line Up - Jules Lefrançois (percussions et chœurs), Yann-Lou Bertrand (contrebasse et chœurs), Maurao Basilio (violoncelle, oud), Haim Isaacs (chant et ShrutiBox) Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch ► Album Joni Mitchell in Jerusalem (Haïm Isaacs/ L’Autre Distribution 2025) Site - Vidéos Réalisation Hadrien Touraud

#SessionLive avec avec le groupe franco-burkinabé Kananayé et le percussionniste français Roscius pour la sortie No Fala B. Nos premiers invités sont le groupe Kananayé pour la sortie de l’album Kananayé Dans les rues du Burkina Faso, résonne à tout bout de champ « ka nana ye », qui signifie « c’est pas facile », tout en sous-entendant que ça va aller. Avec l’album Kananayé, dont le titre reprend cette philosophie populaire, ça ne peut qu’aller. Son multiculturalisme fondateur, ses paroles conscientes, ses traditions enchevêtrées et son ancrage contemporain sont même des propriétés indispensables par les temps qui courent, alors que l’optimisme est devenu une vertu de survie. C’est pas facile, mais ça va aller. À condition de s’en donner les moyens bien sûr, en enjambant les frontières quand d’autres veulent les fermer. Clotilde Rullaud, Abdoulaye Traore, Achille Nacoulma, Seydou Diabate et Boubacar Djiga, les auteurs de Kananayé, s’y emploient. Kananayé a été enregistré par Peter Soldan aux Dada Studios à Bruxelles, par Kaskade au Studio Hanou à Bobo-Dioulasso, puis mixé et masterisé à New York. Il est formé de sept compositions originales, en plus d’une reprise du traditionnel américain Sea Lion Woman que sublima Nina Simone. De la ballade à la transe, raffinées et lumineuses, ces chansons se projettent dans les musiques actuelles tout en étant profondément enracinées. Le projet tisse les fils de plusieurs traditions et tresse les pratiques rurales séculaires avec les tendances des grandes métropoles modernes. Tantôt vibrant, poignant ou festif, toujours solaire, l’album respire la joie que ses participants éprouvent de jouer ensemble. Mais le groupe est aussi foncièrement militant, puisque ses cinq membres proclament leur multiculturalisme et célèbrent la beauté des métissages. Ils revendiquent aussi la liberté des artistes du monde entier de se déplacer, de se rencontrer et de créer, à une époque où la délivrance des visas est entravée par des politiques nationalistes. Décidément, « ka nana ye » ! C’est pas facile, mais ça va aller. ► Titres interprétés dans le grand studio Sea Lion Woman / Were Were MoussoGaribou,Faso de NousLine Up : Seydou 'Kanazoe' Diabate (balafon, percussions, voix), Clotilde Rullaud (voix, flûte), Abdoulaye 'Debademba' Traore (guitares), Boubacar Djiga (kunde, percussions) et Achille Nacoulma (batterie, percussions, voix) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch ► Album Kananayé (TZIG'ART - Believe – Socadisc 2024) Bandcamp - YouTube Puis, nous recevons le percussionniste et compositeur Roscius, de son vrai nom William Serfass pour la sortie de No Fala B Le multi-instrumentiste William Serfass sort No Fala B sous le nom de Roscius (son nom quand il compose de la musique instrumentale). No Fala B c’est le titre d’une histoire d’amour. Un deuil s'ensuit souvent d'un coup de cœur, celui-ci, composé à coup de baguettes. Entre palindrome et anagramme, on peut comprendre « ne parlant pas le B » en mi-portugais-brésilien, mi-anglais. No Fala B comme miroir de BALAFON, cette percussion chromatique faite main au Burkina Faso à l'aide de « bois de sang » ou de « bois de cœur ». Instrument au centre de cette pièce musicale d'une heure, divisée en 13 morceaux instrumentaux, percussifs et cinématographiques. B, c’est donc la représentation de ce qui nous est étranger. On ne le comprend pas, on ne sait pas en jouer de manière traditionnelle, mais on en tombe quand même amoureux. On l’écoute, on se l’approprie. « No Fala », comme un coup de gueule, un coup de poing, c'est politiquement engagé, et avec B, on traverse les mondes, les genres, les styles, dans une acoustique vivante, on recherche, on expérimente, parfois, on trouve quelque chose, quelqu’un, c’est dur et fragile, comme la communication sans les mots. À moins que B soit en fait le prénom d’une personne… Dont on ne parle pas la langue… Après une décennie passée entre Londres et des tournées internationales, à collecter des...

#SessionLive avec deux poètes de la chanson française : Mathieu Boogaerts pour Grand piano et Albin de la Simone pour Toi là-bas. Notre premier invité est Mathieu Boogaerts pour la sortie de Grand Piano. Note d’intention par Mathieu Boogaerts : Mathieu Boogaerts, « Grand piano » ? C'est le titre de mon neuvième album, et c'est un oxymore : « Figure de style qui vise à rapprocher deux termes que leurs sens devraient éloigner ». « Grand » car je l'ai voulu ainsi : franc, épais, puissant, plus de matière, de volume que ses prédécesseurs... Plus âgé ? Une batterie, une basse électrique, une basse synthétique, une guitare électrique, une guitare acoustique, un synthétiseur, un saxophone, une flûte, un accordéon, un chœur, des percussions, un piano électrique et un piano droit : la gamme de couleurs qu'il m'a fallu pour dépeindre en détails les sentiments que je déploie dans mes douze nouvelles chansons. Mais « Piano », car toujours sur le ton de la confidence, léger, fragile, doux, nuancé. Comment ? J'ai écrit et composé ce répertoire entre septembre 2020 et mars 2023 dans de nombreux lieux dont Londres, Paris, Istanbul, Amsterdam, Budapest, Plaisians, Risoul et les Landes. Le disque a été enregistré « de manière classique » entre 2023 et 2024 à La Frette Studios en région parisienne. Comme pour chacun de mes disques, Renaud Letang a ensuite élaboré le mixage, puis le duo de graphistes M/M (Paris) a conçu la pochette : ici une nature morte illustrant la facture, le geste, l'intention poétique de l'album. Avant ? Né en 1970 à Fontenay-sous-Bois. J'ai sorti mon premier « Ondulé » de clip-vidéo en 1995, suivi de l'album Super. Depuis : huit albums studio, trois albums live, plus de mille concerts à travers le monde, des chansons pour Camélia Jordana, Luce, Zaz, Vanessa Paradis... D'innombrables collaborations. En 2023, en pleine fabrication du disque, j'ai donné vingt concerts à Paris lors desquels je tirai au sort les chansons de ma discographie. Après ? Joie : l'écriture et la réalisation des clips-vidéo des morceaux. Les interpréter sur scène accompagné par mon tout nouveau groupe... Le Grand piano ! Mon meilleur disque ? Oui ! Titres interprétés dans le grand studio Ma Jeunesse Live RFI Faut toujours écouter son corps, extrait de l’album Dans une case Live RFI Line Up : Mathieu Boogaerts, guitare voix Son : Camille Roch, Jérémie Besset ► Album Grand Piano (Tôt ou Tard 2025) Site internet - YouTube - Facebook À lire aussiMathieu Boogaerts: «Grand piano», entre intimité et ambition musicale Puis, nous recevons Albin de la Simone pour la sortie de Toi là-bas (disque) et Mes Battements (livre avec dessins chez Actes Sud) ► Teaser MdM Le Livre Mes battements Rome, 30 septembre 2024. Il est 11h du matin, partie à 4h30 chez moi, j’arrive à la Villa Médicis qui me fait le beau cadeau de m’inviter en courte résidence pour finir le livre que vous tenez entre les mains. Donc, à l’heure où j’écris ces lignes, ce n’est encore qu’un tas de dessins et de textes plus ou moins ordonnés. J’ai du pain sur la planche. Car un premier livre de ce type, comme un premier disque, est un peu constitué d’une vie entière, et quand on a 50 ans passés, il y a du tri à faire. À partir du deuxième, si on a bien fait son boulot dans le premier, on part d’une page blanche ou, au pire, d’une page beige. Nous verrons. L’album Toi là-bas Paris, le 1er décembre 2024. Après quelques saisons très denses, j’ai ressenti à l’automne dernier le besoin imparable de me retrouver seul. Du moins face à moi-même. Je suis parti m’enfermer à la Villa Médicis où j’ai terminé d’écrire et de dessiner mon premier livre (Mes battements, paru en mars 2025 chez Actes Sud), un voyage intérieur qui depuis des mois me baladait loin dans le passé, mon village, mon enfance, mon adolescence. Je me suis amusé à reprendre quelques chansons de mes débuts comme Je te manque, Avril 4000 ou Non merci (2005), et j’ai remarqué que je leur donnais quelque chose que je ne...

Dominante reggaeton : shatta et frafra pour Sophian et retour aux sources turques pour Selman. L’émission ouvre avec la playlist mensuelle de Sophian Fanen. Blaiz Fayah, Maureen et DJ GladShatta TingFlorence AdooniA.O.E.I.UGreentea PengTell Dem it's SunnyVerito AsprillaGal CostaCompacto de 1972Puis, nous recevons Selman Faris pour l’album Kaplan, voyage vers l’Est. Après un premier EP (Neva) salué pour son groove méditerranéen singulier, le producteur et multi-instrumentiste Selman Faris présente un premier album pensé comme un grand voyage musical inspiré par l’Asie, de la Turquie au Japon, entre héritage et modernité. Le fils du flûtiste turc Kudsi Erguner, collaborateur de Nekfeu, Alpha Wann, Laylow ou encore dernièrement Aya Nakamura, Selman s’est imposé comme un compositeur et musicien incontournable de la scène française. Avec Kaplan, voyage vers l’Est (« Kaplan » signifiant « tigre » en turc), il élargit son horizon et tisse un récit sonore où les instruments traditionnels croisent des textures jazz, ambient et funk. Une œuvre ambitieuse, à l’image du tigre dont il suit les traces. Titres diffusés extraits de l’album : « Ubud », « Ispahan », « Sehir Uzakta » et « Moshi Moshi ». ► Album Kaplan, voyage vers l’Est (Kiraz/Roche Musique) YouTube - Instagram

La funk disco créole de Setenta face à la tarentelle arrangée punk rock de Maria Mazzotta. Nos premiers invités sont les Parisiens de Setenta, pour la sortie du 6 album Apollo Solar Drive. Le groupe parisien Setenta approche de la célébration de son 20è anniversaire avec la sortie d’un sixième album, Apollo Solar Drive. Cet opus s’annonce comme le meilleur du groupe et correspond à la nouvelle étape d’une odyssée de découvertes artistiques. Setenta a toujours cherché l’illumination positive au fil des années, tout en explorant le côté sombre de la condition humaine. Comme le décrit le groupe, cet album est un hommage afro-latin rétro-futuriste au soleil. Si leur précédent album, Materia Negra, avait propulsé l’équipage du vaisseau Setenta à la découverte d’une matière noire aux aspects multiples, ils changent maintenant de cap et approchent vaillamment du soleil à pleine vitesse, nous emmenant de l’obscurité vers la lumière. Miraculeusement, Setenta parvient à embarquer à bord le matériel rythmique et harmonique qu’ils ont exploré sur Terre, tout en osant aller là où personne ne s’est encore rendu, se lançant le défi de pousser leur musique, et leur public, vers des dimensions inexplorées et de nouveaux horizons d'existence. En harmonie avec les thèmes de Materia Negra, sélectionné par FIP en 2020, la sixième mission de Setenta pour explorer « l’au-delà » de « l’espace intérieur » porte judicieusement le nom d’Apollo Solar Drive, soulignant l’orientation du groupe vers la lumière vivifiante du soleil pour s’inspirer, tout en faisant un clin d’œil au chef-d’œuvre de latin funk et de critique sociale d’Eddie Palmieri, Harlem River Drive. L’ambiance générale est chaleureuse et positive, propulsée par l’énergie décuplée de rythmes funk intenses et d’arrangements étonnamment complexes, tout en restant d’une fluidité délectable, à l’image de votre cocktail tropical préféré ou d’un album classique de fusion jazz dance des années 1970. Bien sûr, cette délicieuse mixture est servie avec une touche spéciale propre à Setenta. Cette fois-ci, Apollo Solar Drive célèbre la trajectoire unique du voyage interstellaire du groupe en adoptant un angle résolument jazzy et « funkadelic » dans leur musique afro-latine tant aimée. Les membres de Setenta expriment leur vérité en tant que collectif, avec un accent mis sur les sections instrumentales, se concentrant sur l’entrelacement de multiples claviers et guitares, tout en réduisant cette fois-ci les voix à des chœurs de groupe, à la différence des voix solo du passé. L’approche globale est plus futuriste dans sa conception et sa réalisation, des arrangements à l’ingénierie sonore, bien que la base rythmique reste ancrée dans les traditions afro-cubaines ainsi que celles d’autres nations caribéennes. Titres joués dans le grand studio - Ecuajey Live RFI - Cd Sa Ki Taw, extrait album - Apollo Solar Drive Live RFI. Line up : Virgile Raffaëlli (basse), Octave Ducasse (batterie), Laurent Guillet (guitare, voix), Alexis Nercessian (claviers), Tchoubine Colin (timbales, voix), Fabien Hily (congas, voix), Osman Jr (percussions, voix). ► Album Apollo Solar Drive (Latin Big Note 2025). Son : Jérémie Besset, Benoît Letirant, Mathias Taylor. RFI Vidéos : Romain Ferré, Dominique Fiant, Cyrille Etienne. Lien Youtube avec 3 titres : Ecuajey, Liberame et Apollo Solar Drive par RFI Vidéos YouTube Setenta & Site Instagram Setenta Facebook Setenta. Concert Paris : 27 mai 2025 au New Morning. Puis nous recevons Maria Mazzotta pour la sortie de Onde. L'interprétation viscérale de Maria Mazzotta rencontre les sons électriques du Post-Rock, créant ainsi un mélange original et profond. Le titre du nouvel album est Onde (Vagues), un album dans lequel Maria Mazzotta a choisi pour la première fois en vingt ans de carrière d'exprimer la force franche et vitale de la tradition paysanne à travers des instruments contemporains. Depuis 2020, année de la publication de son premier album solo Amoreamaro,...

Ballaké Sissoko et Piers Faccini en concert à la Philharmonie de Paris pour la sortie de l’album Our Calling. 19 mars 2025, Ballaké Sissoko et Piers Faccini présentent leur album Our Calling. RFI était là, morceaux choisis enregistrés par RFI Labo (sur le site rfi.fr) et entretien en loge. Deux décennies après leur toute première collaboration, le chanteur-songwriter italo-britannique Piers Faccini et le virtuose malien de la kora, Ballaké Sissoko, reviennent avec un album enchanteur : Our Calling. Cet album offre un dialogue captivant entre un instrumentiste au sommet de son art et un auteur-compositeur orfèvre des mots. Ensemble, ils créent de nouvelles formes de chansons avec une délicatesse qui relie les continents et joue avec les traditions. Les graines de Our Calling ont été semées lorsque Ballaké Sissoko et Piers Faccini se sont croisés pour la première fois au sein de Label Bleu au début des années 2000, initiant une amitié au long cours et profonde. Au fil des années, ils ont exploré ensemble de nouvelles passerelles entre les traditions mandingues et les formes de chanson folk britanniques et méditerranéennes. Sissoko avait d’ailleurs participé au deuxième album solo de Faccini, Tearing Sky, en 2005. En 2020, leur dialogue a trouvé un nouveau souffle grâce au label Nø Førmat!, lorsque Ballaké a invité Piers à chanter «Kadidja» en bambara sur son album Djourou. Plus tard, leur collaboration sur la chanson «The Fire Inside» a ravivé leur vision commune, et leur a donné l’envie de signer ce tout premier album en duo – enregistré par Frédéric Soulard (déjà présent sur le dernier album de Piers Faccini Shapes of the Fall) et réunissant une distribution exceptionnelle de musiciens invités, Vincent Segal (violoncelle), Badjé Tounkara (ngoni) et Malik Ziad (guembri). À travers dix morceaux finement ciselés, Our Calling est une ode sonore et narrative à la migration sous toutes ses formes : qu’elle soit végétale, telle une graine emportée par le vent, incarnée par des oiseaux, comme le rossignol migrant entre l’Afrique de l’Ouest et l’Europe au fil des saisons, ou humaine, à travers les siècles et les routes commerciales qui ont favorisé le partage des modes musicaux et des rythmes. Le dialogue entièrement acoustique des deux amis a été enregistré à Paris, côte à côte et en direct, en seulement cinq jours. Si l’album tire son originalité de sa profonde essence malienne, il est aussi subtilement imprégné de l’esprit propre à la chanson folk. Our Calling est ainsi presque exclusivement chanté en anglais, à une seule exception : Ninna Ninna, un morceau traditionnel du sud de l’Italie, qui rappelle les racines de Piers Faccini et montre une fois encore comment le duo sait rassembler différentes traditions musicales, sans qu’aucune ne prenne jamais l’ascendant sur les autres. C’est là sans doute le fruit de vingt ans d’amitié et de jeu : les chansons du duo créent une alchimie musicale qui unit et fusionne, tout en gardant les deux voix distinctes et les traditions intactes, suffisamment entières pour pouvoir dialoguer librement. De nombreux moments de l’album en témoignent, comme Shadows Are qui commence par un solo de kora envoûtant, joué dans un mode traditionnel mandingue, avant de se transformer miraculeusement en une chanson rappelant presque un standard de jazz, de ceux que chantait Chet Baker. Mais ces chansons, tout en rendant hommage à une époque ancienne de la musique et du chant, appartiennent fermement au XXIè siècle. La nature de ce dialogue constitue son originalité même : à aucun moment la kora ne se plie ni ne s’adapte pour trouver une place dans une forme de chanson occidentale, comme cela a souvent été le cas lors de l’âge d’or des fusions musicales dans les années 90 et 2000. Dès le début, la promesse du duo était claire : ici, la langue musicale devait commencer et se terminer avec les traditions et les modes mandingues. Les chansons, bien que chantées en anglais, suivent cette ligne directrice. Les...

Des roucoulades électriques italiennes (et espagnoles) à la transe malgache, sans transition ! (Rediffusion) Sophian Fanen propose sa sélection mensuelle de cinq nouveautés. En janvier 2025, les nommés sont : - Andrea Laszlo De Simone, Un momento migliore (Hamburger Records, 2024) - Soleá Morente, No temas nada (feat. Kiki Morente), tiré de l'album Mar en calma (Discos Probeticos, 2024) - Mauricio Flores, No Funcionó (Palm Street Music, 2024) - Ornella Vanoni, Sant'allegria (feat. Mahmood), tiré de l'album Diverse (BMG, 2024) - Empress of, Someone I Know, tiré de l'album Like Someone I Know : a Celebration of Margo Guryan (Sub Pop Records, 2024). Puis, nous recevons Loya dans la #Sessionlive pour la sortie de Blakaz Antandroy Blakaz Antandroy est un album innovant créé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry, composée du père Remanindry et de ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent leurs chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et ainsi soigner les villageois, éloignés de toute médecine moderne. L’origine de ce projet unique remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui demandait à Loya de concevoir un concert pour accompagner une exposition dédiée à Madagascar, en s’inspirant des archives sonores du musée. C’est ainsi que Loya découvre la musique de Remanindry et en tombe sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer ce musicien en personne, donnant lieu à une rencontre musicale d’une rare intensité. De cette alchimie est née l’idée de collaborer sur Blakaz Antandroy, un projet ambitieux qui marie la musique chamanique Antandroy à l’univers de la musique électronique. Remanindry, comme Loya, est né dans l’océan Indien. Tous les deux grandissent en fréquentant des cérémonies faisant appel aux esprits. Les sons, les odeurs et les couleurs intenses lors des cérémonies spirituelles imprègnent profondément tous leurs sens. Loya arrive en Europe et s’initie aux instruments électroniques qu’il va maîtriser plus tard. Remanindry commence son apprentissage de la musique Antandroy sous la direction éclairée de sa belle-mère, elle-même percussionniste et chanteuse dans les cérémonies. Ancien lutteur, il découvre sa voix puissante qui résonne dans sa carrure imposante. Il apprend le lokanga (violon malgache) et intègre tout le répertoire de sa famille. Il pratique les cérémonies dans tout le sud de Madagascar et décide d’habiter à Tuléar lorsque sa famille s’agrandit. Il fait la rencontre d’autres musiciens malgaches, notamment Régis Gizavo qui découvre tout son talent exceptionnel. Il a été aussi membre du groupe Ny Malegasy Orkestra qui a porté l’étendard de la chanson malgache à l’international. De son côté, Loya commence son apprentissage en devenant ingénieur informaticien. Il apprend à maîtriser les machines et en parallèle entame un parcours d’apprentissage dans les musiques classiques et le jazz. Autodidacte dans les musiques électroniques, il développe son propre processus pour retranscrire les musiques traditionnelles de l’océan Indien sur ses machines. Titres interprétés au grand studio - Koulé Live RFI - Be Sadia + Tokalava + Zilikala Ekarety, extraits de l’album - Kukulamp Live RFI. Line Up : Sébatien Lejeune alias Loya (machines). Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor et Camille Roch. ► Album Blakaz Antandroy (LZ Records 2024). Site internet - YouTube - Facebook

Quatrième Pyramide d’Égypte ou 7è colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l’Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l’inconscient collectif arabe. Et la littérature. (Rediffusion) Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz. Notre 1 invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l’humanité », aux éditions Orients. Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d’albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu’aucune autre chanteuse un symbole de paix et d’espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d’Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970. Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l’histoire de cette chanteuse légendaire. Titres joués : Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d’après Khalil Gibran Abbaytak belsaif (Je t’ai aimé l’été) Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad) Li Beyrouth (concerto d’Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre). ► Culture Prime Fayrouz ► « Fayrouz, Moi je chante l’humanité » chez Orients Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l’étoile de l’Orient » « Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C’est la nature des génies, car cela fait 50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l’entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée. Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d’un religieux, elle possède un don qu’elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l’accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l’Égypte aussi bien que par l’homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d’instruction, d’ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe. À l’occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février. Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1 comédie musicale de la diva. ► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février ► IMA ► Olympia Paris 1967 ► Orients Éditions ► Culture Prime Oum.

L’invitée de la #SessionLive est l’artiste mauricienne Lisa Ducasse pour la sortie de l’album Iléisme. L’iléisme, c’est d’abord, dans sa définition, l’acte de parler de soi à la troisième personne. Par extension, c’est tout acte de création qui pourrait être vu comme une forme d’iléisme, comme une fenêtre qu’on ouvrirait toujours dans le même sens : de soi vers le monde. Dans le motet dans ce qu’il referme de sons, il y a aussi la langue qui glisse, pour dire « île et isthme», l’île et la presqu’île. Et c’est bien en termes d’îlots, issus et faisant chacun partie d’une géographie, d’une cartographie imaginaires – celle des voyages, réels et rêvés, celle des échappées belles – que Lisa Ducasse a pensé les morceaux de ce premier album, aux côtés de Bénédicte Schmitt à la réalisation, avec Raphaël Séguinier à la batterie et aux percussions, Nicolas Mantoux aux synthés et guitares, Christelle Lassort au violon et Eve Risser au piano préparé. Seule en scène, clavier et platine vinyle au bout des doigts, Lisa Ducasse invite au voyage de ses textes et sa voix. Née à l’Ile Maurice et actuellement installée à Paris, elle conserve et cultive un attachement farouche à l’enfance et à la capacité d’émerveillement dans sa vie adulte et créative. Inspirées d’échappées réelles, ses chansons font preuve d’une volonté́ de dire la rencontre du vulnérable et de l’indomptable, en notes et en mots déliés, personnels et actuels. Après des années de performance de spoken word, et un recueil de poésie édité en 2017, Lisa sort un premier single remarqué aux côtés de Guillaume Poncelet, « Qui sont » (270k écoutes sur Spotify). Depuis, elle a été lauréate du dispositif Variations, du Chantier des Francofolies, #FoRTE et du FAIR. Elle multiplie les premières parties dans des salles parisiennes telles que l’Olympia avec Zazie, le Casino de Paris avec Alain Souchon, tout en parcourant la France aux côtés d’artistes tels que Pomme, Arthur H, Barbara Pravi, ou encore Bertrand Belin, et le monde en festivals (Fête de l’Humanité, Francofolies de La Rochelle, de Montréal, de La Réunion)... Après plusieurs singles, de nombreux voyages entre l’Amérique du Sud et Paris, et plus d’une centaine de concerts, son premier album, Iléisme, enregistré aux légendaires Labomatic Studios, a vu le jour en janvier 2025. Titres interprétés dans le grand studio - L’Essor Live RFI - Sahara, extrait de l’album - Partie Pour poème - Voleuse d’éclairs Live RFI. Line Up : Lisa Ducasse, chant, Jules Monnier, machines. Son : Mathias Taylor, Camille Roch. ► Album Iléisme (Rising Bird 2025). Maison de la Poésie 2 avril COMPLET, 26 mai. + Piers Faccini et Ballaké Sissoko. Walid Ben Selim Anthony Joseph Facebook - YouTube. Réalisation : Hadrien Touraud.

Un trio entre l’Iran, la Palestine et la France + un pianiste américain qui déménage Bach sur le continent africain = MdM ! Nos premières invitées sont Sogol Mirzaei, Marie-Suzanne de Loye et Christine Zayed pour la sortie de Les Vents Brûlants. Teaser RFI Chakâm (qui se prononce Tchakâm), c’est trois musiciennes qui dévoilent un langage où les cordes dialoguent, s’affrontent et se retrouvent en un souffle puissant ou apaisé, lorsque le chant s’élève. Chakâm, du nom d’une ancienne forme poétique persane, mêle l’éclat du târ de Sogol Mirzaei (Iran) au qanun soyeux de Christine Zayed (Palestine) portés par la profonde viole de gambe de Marie-Suzanne de Loye (France). Ces trois musiciennes dévoilent un langage où les cordes dialoguent, s’affrontent et se retrouvent dans un souffle puissant ou, au contraire, apaisé lorsque le chant s’élève. Bâti selon les codes du radif et du maqam où les passages rythmiques répondent aux tirades mélodieuses, l’ensemble Chakâm donne à entendre des compositions et improvisations personnelles et modernes, à la croisée des parcours : nostalgie des terres quittées trop tôt, déracinement et idéalisation d’un ailleurs qui s’efface au fil du temps, mais aussi vitalité incessante de l’expérience, de la découverte et du renouveau. Titres interprétés au grand studio - Chameau ivre Live RFI - Najma, extrait de Cd - Olive Live RFI. Line Up : Sogol Mirzaei, târ, Marie-Suzanne de Loye, viole de Gambe, Christine Zayed, qanoun, chant. Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch, Mathias Taylor. ► Album Les Vents Brûlants (Chakâm/Inouïe Dist. 2025). YouTube - Facebook. Concerts (du 27 au 30 mars à la 15ème édition du festival Détours de Babel à Grenoble) + 2 avril 2025 Le Consulat, Paris. Puis nous recevons Joaquim Horsley pour la sortie de l'album Afro Bach. Avec «Afro Bach», le pianiste américain Joachim Horsley sort le 3ème volet de sa trilogie «Via Havana» dans laquelle il réimagine la musique classique sur des rythmes africains et caribéens ! Le pianiste américain Joachim Horsley, qui s’est fait connaitre sur le web en 2016 avec son phénoménal Beethoven in Havana, un arrangement de la 7è Symphonie de Beethoven dans un style cubain, est de retour avec Afro Bach. Un nouvel album hommage à Bach, toujours réarrangé à la sauce afro-caribéenne. Le virtuose et compositeur de musique de film signe là le 3ème épisode de sa trilogie Via Havana, débutée avec un premier album en 2019 puis un deuxième en 2022. Apprendre et maîtriser les œuvres les plus complexes et techniques du répertoire classique européen (Mozart, Beethoven, Saint-Saëns, Mahler…), puis les arranger suivant les codes esthétiques des musique latines (jazz cubain, salsa, rumba…) sans dénaturer les œuvres originales, ni tomber dans l’appropriation culturelle des musiques du monde. ► Album Afro Bach (LittleHorse Group - 2025). Site Joachim Horsley. Concert 25 mars 2025 au Studio de l’Ermitage, Paris. Réalisation : Hadrien Touraud.

Electro taarab et cinéma égyptien des années 40/50/60 avec Love & Revenge, une Louuve Dj made in Maghribi et un songwriter anglais qui aime les chansons à boire. Oum Kalsoum est morte le 3 février 1975. La formation Love & Revenge (Liban/France) sort Agmal Layali pour lui rendre hommage. Electro-taarab et cinéma, expert dans l’art de revisiter la musique et le cinéma populaires du Moyen-Orient, le groupe Love and Revenge est de retour avec une création originale et ambitieuse. Agmal layali ou mes plus belles nuits est un vibrant hommage à l’immense Oum Kalthoum, célébrant la fusion du taarab emblématique de la diva égyptienne et les sonorités électroniques des sons d’aujourd’hui. Fidèle au concept de ses concerts visuels qui ont fait sa réputation, Love and Revenge fait dialoguer les images d’archives et la création musicale. Un hommage invitant les publics de toutes générations à découvrir ou redécouvrir la voix fascinante d’Oum Kalthoum et la magie intemporelle du taarab. Une expérience immersive qui transcende les époques, brouille les frontières, et continue de faire briller aujourd’hui « l’astre de l’Orient » qui nous a quittés il y a cinquante ans. Notre 1er invité est le musicien compositeur Wael Koudaih (Rayess Bek). Love & Revenge fait l’ouverture de la 15 édition du festival Détours de Babel, le 21 mars 2025 à Grenoble. Site Love and Revenge. Puis nous recevons Dj La Louuve avant son DJ set au Babel Music XP () Soundcloud - Instagram. Puis Matt Elliott s’attaque à la #SessionLive pour la sortie de Drinking Songs Live 20 Years On Il y a vingt ans, Matt Elliott sortait Drinking Songs, premier élément d’une trilogie marquante, un magnifique album de sept titres dark folk qui reste encore à ce jour le plus écouté sur les plateformes, et plébiscité par les fans du natif de Bristol. Aujourd’hui, pour célébrer l’anniversaire de l’œuvre la plus emblématique de sa discographie, Matt Elliott nous offre Drinking Songs Live 20 Years On, une collection de versions alternatives enregistrées en trio live. Matt Elliott, qui s’était déjà fait un nom dans la scène indé électronique sous le pseudo The Third Eye Foundation, s’aventure au début des années 2000 en territoire folk. Né en 2004, Drinking Songs est le second album de l’Anglais sous son propre nom, faisant suite à The Mess We Made sorti en 2003 chez Domino. La particularité de Matt Elliott, est déjà sa capacité à fusionner différents styles, mêlant un folk de chambre à une musique de cabaret d’Europe de l’Est, tout en utilisant en parallèle sa culture de la musique électronique et en particulier sa maîtrise du sampling et des effets, au service de la chanson. Exploration profonde de la condition humaine, Drinking Songs est un voyage à travers les recoins les plus inaccessibles de l’âme. Chaque titre de cet album est une histoire en soi, une fenêtre ouverte sur des moments de douleur, de nostalgie et de réflexion. Titres interprétés dans le grand studio - What’s Wrong Live RFI - What the Fuck Am I Doing on this Battlefield ? extrait CD - A Waste of Blood Live RFI. Line Up : Matt Elliott (voix, guitare, saxophone) Son : Benoit Letirant, Mathias Taylor. ► Album Drinking Songs Live 20 Years On (Ici d’Ailleurs 2024) ► Concert théâtre de l’Atelier 31 mars 2025 Site Matt Elliott. Réalisation : Hadrien Touraud.

Le guitariste Thomas Naïm est le seul guitariste au monde à proposer un album solo sur Hendrix. La #SessionLive reçoit Thomas Naïm pour la sortie de l’album May This Be Love et le spécialiste français de Jimi Hendrix : Yazid Manou ! C’est après un stage d’été au Berklee College of Music de Boston et des cours à l’American School of Modern Music à Paris, que Thomas Naïm fonde avec la chanteuse Joyce Hozé le duo Tom & Joyce. Influencé par la MPB, la bossa nova des 60’s et le jazz, le groupe enregistre deux albums : Tom & Joyce sorti en 2002 (Yellow Productions/East West) et Antigua en 2005 (Yellow Productions/Tommy Boy) sur lequel participe le légendaire batteur Tony Allen et dont certains morceaux seront remixés par des producteurs de dance music parmi les plus reconnus (Masters At Work, François Kevorkian ou Bob Sinclar). Par la suite, Thomas Naïm sera sollicité pour accompagner sur scène ou en studio de nombreux artistes venant d’horizons parfois très différents parmi lesquels Youn Sun Nah, Hugh Coltman, Hindi Zahra, Sébastien Tellier, Ala.ni, Mayra Andrade, Tiken Jah Fakoly, Blick Bassy, Idrissa Diop, Bob Sinclar, Salomé de Bahia, Brisa Roché, Bernard Lavilliers, Albin de la Simone, Michel Fugain, Claire Diterzi, Renan Luce… Il mène en parallèle depuis plusieurs années une carrière solo à la tête d’un trio avec le bassiste Marcello Giuliani et le batteur Raphaël Chassin avec lesquels il enregistre en 2018 l’album Desert Highway. En 2020, Thomas Naïm va confronter son trio aux compositions du maître Jimi Hendrix et enregistrer l’album Sounds of Jimi. L’idée de départ n’est pas de reprendre les titres d’Hendrix tel quel mais de trouver pour chaque morceau une esthétique plus personnelle, et à l’exception de trois titres chantés par Hugh Coltman et Célia Kameni, de privilégier l’approche instrumentale. L’album accueillera également en invités Erik Truffaz à la trompette et Camille Bazbaz à l’orgue. En 2022, il retourne en studio avec son trio augmenté de l’organiste/pianiste de Marc Benham pour enregistrer, sous la houlette du réalisateur grand angle Daniel Yvinec, On the Far Side, un album consacré à ses propres compositions dont la sortie est prévue pour février 2023. Thomas Naïm y retrouve ses premières amours, le Jazz, qu’il mêle à ses influences de toujours la pop, le rock psychédélique, les bandes originales de films et mille autres choses. Laurent Bardainne (saxophone) souffle sur trois titres un vent créatif qui donne à cet album unique une force et une couleur presque mystique. Avec May This Be Love, Thomas Naïm devient le 1er guitariste au monde, à reprendre Hendrix en guitare solo. Titres interprétés au grand studio - Hey Joe Live RFI - The Wind Cries Mary, extrait de l’album - Purple Haze Live RFI Line Up : Thomas Naïm, guitare. Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch, Mathias Taylor. Album May This Be Love (Rootless Blues 2025). Site - YouTube - Bandcamp. Yazid Manou est journaliste, relations presse et spécialiste de Jimi Hendrix en France. en 1990, il organise un concert à l’Olympia pour les 20 ans de la disparition du guitariste américain. Il est le héros du roman « Blues pour Jimi Hendrix » écrit par Stéphane Koechlin. Yazid Manou est le gardien d'un mort comme Anubis dans la mythologie égyptienne, Jimi Hendrix. Il porte des fleurs sur sa tombe, soigne sa postérité, veille à sa gloire... En 1990, vingt ans après la mort de Jimi le 18 septembre 1970, il a organisé le festival « Jimi's Back » à Paris pendant une semaine dont une soirée à l'Olympia qui a bouleversé sa vie. Il y a invité de nombreux artistes pour reprendre les thèmes du bluesman. Il a convié bien sûr en premier lieu l'ex-bassiste de Jimi, Noel Redding, personnage douloureux et attachant, frappé quelques mois plus tôt par un deuil terrible, la mort de sa fiancée Carol Appleby dans un accident de voiture. Depuis, la vie de Yazid - devenu par la suite attaché de presse indépendant - est rythmée par les nouvelles de la « famille Hendrix...

Du jazz flamboyant d’Adrien Soleiman à la folk indie pop de Jawhar. Nos premiers invités sont les 8 musiciens d’Adrien Soleiman et son BelleJazzClub Adrien Soleiman, saxophoniste talentueux et collaborateur recherché (Juliette Armanet, Malik Djoudi, Philippe Katerine), dévoile son nouveau projet BelleJazzClub. Passionné par le partage et l’improvisation collective, il voit son groupe éponyme comme une véritable confrérie de musiciens incarnant l'âme du jazz et de la pop. Après avoir marqué les esprits avec son premier album Brille en 2016, Soleiman décide de réunir des musiciens de renom pour un enregistrement intensif au studio La Frette. Entouré des meilleurs talents de la scène parisienne, comme son frère Maxime Daoud, Tony Tixier, ou encore Marc-Antoine Perrio, il compose un album où chaque morceau évolue spontanément. Des voix familières du jazz et de la pop, comme Arthur Teboul (Feu! Chatterton), Philippe Katerine, Halo Maud ou encore Émile Parisien viennent ensuite enrichir le projet, tandis que Voyou, Emma Broughton et Laura Etchegoyhen apportent leurs touches aux cuivres et aux chœurs. Le premier volume de BelleJazzClub est un voyage musical unique, mêlant jazz et pop avec une grande liberté instrumentale et une fusion captivante de rythmes chaloupés et d'ambiances contemplatives Titres interprétés au grand studio - Panorama Live RFI - Grande Terre Feat. Arthur Teboul, extrait de l’album - Petit Matin Live RFI. Line Up : Adrien Soleiman, saxophone, Louis Delorme, batterie, Adrian Edeline, guitare, Gianni Casarotto, guitare, Elise Blanchard, basse, Maxime Daoud, claviers, Tony Tixier, claviers et Arnaud Biscay, batterie. Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset, Benoît Le Tirant. Album BelleJazzClub Vol.1 (Naïve/Believe 2025). - YouTube Adrien Soleiman, albums et singles - YouTube BelleJazzClub - Instagram - Facebook. Concert 18 mars 2025 à La Maroquinerie, Paris Puis nous recevons Jawhar pour la sortie de Khyoot Khyoot خيوط est en arabe le pluriel de « kheet », qui veut dire fil, corde, filament. Dans le contexte plus poétique des chansons de l’album, le mot « khyoot » revient souvent pour désigner les liens qui se cachent derrière le visible, ces filaments qui traversent l’espace et nous relient à une source puissante et magique. Ce sont ces filons auxquels on tient au fil des jours, vers la transcendance de la réalité, vers la création. Ils nous indiquent le chemin vers une foi en ce qui nous dépasse, en l’invisible qui est néanmoins enfoui en nous… Avec Khyoot, l’auteur-compositeur d’origine tunisienne revient à ses premiers amours ; un album très folk, une collection de chansons lumineuses écrites pour deux voix. À la voix tantôt éthérée tantôt terrienne de Jawhar vient se mêler, délicate et gracieuse, celle d’Azza Mezghani. Il s’entoure également de ses deux fidèles acolytes, le pianiste Eric Bribosia et le multi-instrumentiste Yannick Dupont. Titres interprétés au grand studio - Habbeet Live RFI - Leghreeb, extrait de l’album - Howwa Live RFI Line Up : Jawhar, guitare, voix, Aza, voix, claviers. Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Benoît Le Tirant. Album Khyoot (6T2 Records). Site - YouTube - Facebook - Instagram. Concert 20 mars 2025 Le Hasard Ludique, Paris.

Playlist mensuelle de Sophian Fanen + interview de l’Asturien Rodrigo Cuevas pour la sortie de La Romeria. Ce mois-ci, Sophian Fanen a choisi : - Marlon Williams, Aua Atu Rā, tiré de l'album Te Whare Tiwekaweka (Dead Oceans, 2025) Site - Ale Hop & Tito Bakorta, Bonne année, tiré de l'album Mapambazuko (Nyege Nyege Tapes, 2025) Bandcamp - Tony Allen & La Boa, Tambor, tiré de l'album La Boa Meets Tony Allen (Comet Records, 2025) Bandcamp - Cymande, Heart of the Willing, tiré de l'album Renascence (BMG, 2025) Site - Σtella, Omorfo Mou, tiré de l'album Adagio (Sub Pop, 2025) Site. Puis nous recevons l’artiste asturien Rodrigo Cuevas pour l’album La Romeria. Avec La Romeria, Rodrigo Cuevas nous embarque vers un lieu de plaisir libre de tout préjugé. Entouré de quatre musiciens – guitare, claviers, vocodeur et une grande place laissée aux percussions –, le chanteur-danseur poursuit son projet de modernisation de l’héritage asturien qu’il revisite avec des sonorités électroniques. À l’image de sa compatriote Rosalía, il propulse ainsi des musiques ancestrales vers le futur. Conçu à quatre mains avec Eduardo Cabra (ex Calle 13), vainqueur de 24 Latin Grammy Awards, cet album marque aussi la rencontre entre deux artistes lumineux. Une alchimie qui donne naissance à une créature éblouissante, que le performeur à moitié drag-queen, à moitié sorcier hidalgo, nourrit de poésie et d’ironie à travers la théâtralité du cabaret. Au-delà de ses allures de diva excentrique qui transforme ses concerts en art à la fois total et intime, Rodrigo Cuevas se veut un passeur de savoirs. Ses chansons bouleversantes explorent l’essence de traditions qui, ancrées dans le peuple, font danser et s’aimer. Un spectacle qui, entre burlesque et sensualité, s’annonce aussi joyeux que torride. Mi-sorcier des Asturies, mi-drag queen, Rodrigo Cuevas bouleverse nos sens des représentations d’une exubérance pop spectaculaire, lumineuse, et fulgurante. Performeur de talent à l'imagerie iconoclaste et explosive, le chanteur asturien bouscule les codes figés du conservatisme d’antan avec une délectation certaine. Convoquant une audace visionnaire, Rodriguo Cuevas interprète une musique folklorique queer venue du nord de l'Espagne, modernisant les traditions asturiennes avec autant d'inventivité que de respect. Comme revitalisées par tant d'aplomb, les danses anciennes comme le xiringüelu ou la muñeira en deviennent des objets futuristes ! Site - YouTube. Concert 1 avril 2025 la Cigale.

De Kinshasa à Addis Abeba, en passant pas Bamako et Paris. Nos premiers invités sont Jupiter & Okwess pour la sortie du nouvel album Ekoya. Jupiter Bokondji, figure iconique de Kinshasa surnommée le « Général Rebelle » offre un son unique où les racines congolaises se mêlent aux influences rock, funk et soul. Avec son groupe Jupiter & Okwess, il déchaîne une énergie explosive, puisant dans la richesse musicale de son pays tout en tissant des lien entre l’Afrique et le monde. Après avoir conquis le public international avec Hôtel Univers, Kin Sonic et Na Kazonga, voici leur 4è album Ekoya (ça viendra). Est-ce la prémonition d’un destin inévitable, ou d’un certain fatalisme ? En accueillant des voix féminines dans son groupe exclusivement masculin, Jupiter bouscule les attentes. Line Up : Jupiter Bokondji : chant, Yende Balamba : basse, Montana Kinunu : batterie, Eric Malu Malu : guitare et Richard Kabanga : guitare. Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset et Camille Roch. ► Album Ekoya (Airfono 2025). Site - YouTube - Facebook. Puis nous recevons Arat Kilo pour la sortie de l’album Danama. « Digne de confiance. » C’est le sens de « Danama », ce mot bambara du Mali. Confiance en soi, en l’autre, en la parole donnée, en des futures désirables. Prôner l’optimisme, la force du collectif, la magie sage des métissages en ces temps troublés de guerres interminables, de replis nationalistes ou de catastrophes naturelles, encouragés par un capitalise carnassier qui se régale à nous scotcher devant nos écrans ? De la confiance, il en faut des kilos. Entretenue par la flamme, le flegme et les stratagèmes de ces scientifiques de l’afro-groove, Arat Kilo (du nom d’un quartier d’Addis Abeba) accouche d’un 5è album et reste le meilleur orchestre d’éthio-jazz de France. Toujours avec les voix de la Malienne Mamani Keita et le slammeur américain Mike Ladd. Titres interprétés au grand studio - Nahel Live RFI - Bang Rails, extrait de l’album - Nbendia Live RFI. Line Up : Mamani Keita : chant, Mike Ladd : chant, Florent Berteau : batterie, Samuel Hirsch : basse, Fabien Girard : guitare électrique, Michael Havard : sax baryton, Aristide Gonçalves : trompette + claviers. Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset et Camille Roch. ► Album Danama (Accords Croisés 2025). YouTube - Facebook - Accords Croisés.

Immersion dans l’univers éthiopien de Théo « Kutu » Ceccaldi. Depuis 2020, Kutu, le collectif imaginé par Théo Ceccaldi, trace sa route en égrainant sur son passage des séries de concerts survoltés plongeant un public curieux dans une expérience libre et collective où l’improvisation, le jazz, et l’électro s’harmonisent à merveille avec la pierre angulaire de Kutu, la tradition orale des Azmari d’Éthiopie. Petit retour en arrière ! Kutu naît à la suite de la crise Covid quand Théo Ceccaldi s’envole en Éthiopie, au cœur des nuits d’Addis-Abeba, où il fait une rencontre déterminante avec l’Azmari, Hewan Gebrewold. Souvent comparé aux bardes ou aux griots, l’Azmari est un ou une artiste, maître de l’improvisation et d’histoires satiriques, ancrées dans le temps présent et non le passé, déclamées, slamées ou chantées dans des lieux publics, le plus souvent dans des bars ou dans les rues. Kutu naît ainsi dans la ferveur des nuits underground, mixant à merveille, la voix puissante et hypnotique d’Hewan avec les curiosités artistiques et transes hypnotiques du jazz et de l’électro de Théo Ceccaldi. Ils seront rapidement rejoints par Cyril Atef, batteur (frère de route de Vincent Ségal dans Bumcello), Akemi Fujimori aux claviers (souvent aperçue avec les Naive New Beaters, Thomas de Pourquery, Prudence, etc.) et Valentin Ceccaldi, frère de Théo, qui a troqué pour l’occasion son violoncelle pour la basse. Après un premier album, Guramayle, paru en 2022, Kutu va entreprendre une tournée de plus d’une centaine de concerts, portés par une énergie fiévreuse où l'improvisation et la transe sont le cœur de leur performance scénique. Kutu, qui signifie «On y va !» ou «Aller de l’avant», va livrer à chaque concert, une expérience musicale unique, mettant à l’honneur le collectif, le partage et les rencontres interculturelles. Aujourd’hui, Kutu qui vient de signer sur le prestigieux label Naïve, annonce la sortie, début 2025, de leur deuxième album Marda, à l’origine le nom d’un collier traditionnel éthiopien. Théo Ceccaldi - «Marda représente bien la transmission d’un héritage culturel pour les générations futures. L’image de ce collier, que l’on offre aux jeunes filles lors du passage de l’enfance à l’âge adulte, exprime pour nous le deuxième âge de KUTU ! un collier précieux que l’on chérit, et que l’on gardera toute notre vie, comme une protection»..). Titres joués extraits de l’album : Lem Lem, Asheweyna, Namuna feat. Pongo et Set. ► Album Marda(Naive / Believe 2025) ► Concert de sortie d’album 29 avril au 104, Paris. YouTube - Facebook. Playlist Ethio Now choisie par Théo Ceccaldi : - Rophnan Shegiyé clip - Jemberu Demeke & Mulatu Astatqé Faram clip audio - Sertsebrhan Tadesse Halal Meret clip - Tariku Gankisi Dishta Gina clip. L’intégrale Ethio Now, la playlist éthiopienne de Théo Ceccaldi sur Spotify.

« Ethnic chaos » avec les Ukrainiens DakhaBrakha et la fureur du Lagon Nwar #SessionLive. Nos premiers invités sont le quartet DakhaBrakha. DakhaBrakha est le quatuor de folk ukrainien qui transcende les frontières musicales et culturelles ! Originaire de Kiev, ce groupe surnommé « ethnic chaos » nous emporte dans un voyage sonore inattendu où se rencontrent l’ancien et le moderne. Le nom même du groupe, « DakhaBrakha », qui signifie « donner/prendre » en ancien ukrainien, évoque le dialogue constant entre passé et présent. Créé en 2004 par Vladislav Troïtsky au Centre d'art contemporain de Kiev, le groupe porte en lui une âme théâtrale qui se reflète dans chacune de ses performances, spectaculaires et visuellement envoûtantes. DakhaBrakha ne se contente pas de jouer de la musique : ils offrent une véritable mise en scène où chaque son, chaque rythme est amplifié par des effets scéniques saisissants. Ayant déjà conquis les scènes internationales, de la France aux États-Unis en passant par l’Australie et la Colombie, le groupe fait vibrer les mélodies ukrainiennes dans le cœur de tous les publics... Entretien avec Marko Halanevych, traduction assurée par Kseniya Zhornokley, journaliste à la rédaction ukrainienne de RFI. Morceaux extraits du concert au Cabaret Sauvage, le 22 janvier 2025. - Sho s-pod duba - Dytyatochko - Shchedryi metal. Line Up : Marko Halanevych – chant, tambour à gobelet, tabla, didgeridoo, harmonica, accordéon, cajón, guimbarde, Olena Tsybulska – chant, percussions, Iryna Kovalenko – chant, djembé, flûte, buhay, piano, ukulélé, zgaleyka, accordéon et Nina Garenetska – chant, violoncelle. Mixage : Benoît Letirant. Mastering : Mathias Taylor. Site - YouTube - Facebook. Puis nous recevons le quartet Lagon Nwar pour la sortie du 1 album Lagon Nwar. À Lagon Nwar, on veille la fureur. On trouble les bordures. On joue une danse de feu. On aiguise son cri. On donne son âme au sentier. Lagon Nwar ne ressemble à nul autre lieu. On y est jamais allé. Pourtant, c’est chez nous. Tout de suite. Les berges de Lagon Nwar sont le contour de toutes nos terres. Le saxophoniste Quentin Biardeau et le bassiste Valentin Ceccaldi, tous deux issus du flamboyant Tricollectif, nous convient à une rencontre avec la chanteuse réunionnaise Ann O’aro et le batteur-percussionniste-chanteur burkinabè Marcel Balboné. Le quartet dessine des rivages sur lesquels se poser, au fond du temps. Un sourire étanche au coin des lèvres. Télescopage électrique, remous de synthétiseurs mourant sur la lie amère d’une basse fender, textes débrayés arguant son joual comme son créole, signant des doigts une poésie à défraîchir les coraux de laquelle s’envolent les mélodies bissa et la verve rageuse d’un saxophone arraché à la course vive du wet bimdé. La batterie de calebasses avec ou sans corde soulignant les contours d’un dialogue entre Burkina et Mascareignes, Paris et Ouaga. Lagon Nwar, c’est le goût salé de l’eau, les boucles alourdies de pluie, le port et ses armements, l’essoufflement des colonies. Titres interprétés au grand studio - Marée Live RFI - Liberté Connaître Oblige, extrait de l’album - Zaanbar Live RFI. Line Up : Ann O'aro / chant, Marcel Balbone / batterie, chant, Valentin Ceccaldi / basse, Quentin Biardeau / synthé, saxophone ténor. Son : Jérémie Besset, Camille Roch, Benoît Letirant. ► Album Lagon Nwar (Airfono 2025). YouTube - Tri Collectif - Bandcamp Airfono - facebook. Release Party, 31 mars 2025, au Café de la Danse.

Kseniya Zhornokley, journaliste à la rédaction ukrainienne raconte le rôle de la musique depuis le début de l’invasion russe (24 février 2022). La scène musicale ukrainienne joue un rôle essentiel depuis le début du conflit en février 2022. Elle reflète la résilience, la douleur et l’espoir d’un peuple face à l’agression. Que ce soit sur le front ou en exil, les artistes utilisent leur musique pour soutenir leurs compatriotes et attirer l’attention internationale sur la situation en Ukraine. Pour cette émission spéciale, Kseniya Zhornokley, journaliste et coordinatrice à la rédaction ukrainienne, vous propose une sélection de morceaux, de témoignages et d’histoires issus de cette nouvelle vague musicale qui incarne la résistance, l’unité et l’espoir. Avec des interventions de Marko Halanevych, compositeur, multi-instrumentiste du quartet DakhaBrakha, Yulia Franz, pianiste et chanteuse qui se produit sur le front pour remonter le moral des troupes et Bogdan Yermokhin, un enfant mineur de Marioupol, emmené en Russie après l’occupation de sa ville, placé dans un camp de rééducation patriotique avant d’être envoyé dans des familles d’accueil, étant orphelin. Il a pu s’échapper et utilise le rap, pas simplement comme une échappatoire mais comme une évidence qui s’est imposé à lui comme un moyen de résister et de se reconstruire. Playlist de Kseniya Zhornokley - Oy u luzi chervona kalyna (Une viorne rouge dans la prairie) par Andriy Khlyvnyuk (BoomBox) Chanson traditionnelle des tirailleurs ukrainiens du Sich qui remonte à 1914, chanté a cappella par Andriy Khlyvnyuk et qui est devenue emblématique de la lutte actuelle et qu’on entend partout à la télé, à la radio, pendant les matchs de football. - Hey Hey Rise Up (Feat. Andriy Khlyvnyuk) Pink Floyd. Le 24 décembre, David Gilmour, membre de Pink Floyd a annoncé sur Facebook que la sortie de la chanson avait permis de récolter plus de 600 000 dollars. Clip. - Sho z pod duba (Donne et prends) extrait du concert de DakhaBrakha au Cabaret Sauvage 2025 Clip KEXP. - Good Evening, we are from Ukraine (Where are you from ?) par Probass & Hardi. Duo électro de Kremenchuk qui reprend la phrase culte de Marko Halanevych « Dobriy vechir, my z Ukraini » (Bonsoir, nous venons d’Ukraine). Clip. - Dopomoje ZSU (Ce sont les Forces armées qui vont aider) par Chico & Qatoshi. Ce morceau est né en 3 jours pour soutenir les forces armées ukrainiennes. Gros succès sur TikTok puis sur YouTube. Clip. - U Mene Nemaie Domu (Je n’ai plus de maison) par Odyn v Kanoe (Seul dans un canoë). Composée avant la Grande Guerre, cette chanson a pris un tout nouveau sens en 2022, avec l’exil de millions d’Ukrainiens à travers l’Europe. Hymne de ceux qui ont tout quitté. Clip avec sous-titres en anglais. - Doumy (Pensées, mots) par Artem & Dorofeeva Selon des psychologues travaillant en Ukraine, les chansons mélancoliques aident les gens à traverser leur deuil. Clip. - Les Titans par Kozak System Facebook. - Namalyuvala (J’ai dessiné) par Yulia Franz Clip. - Bogdan Yermokhin Deezer - Amnesty International - Association pour les enfants déportés. - Welcome to Ukraine par JKLN Clip - YouTube. - Peremoga (La Victoire) par Onuka Site. Les contenus en ukrainien de RFI sont publiés sur le site rfi.fr/uk/ et sur les réseaux sociaux : Telegram, Facebook et Twitter.

Mario Lucio fête l’Indépendance du Cap-Vert et Cotonete en concert au Studio de l’Ermitage. Notre 1er invité est Mario Lucio pour la sortie de l’album Indépendance 50 ans après l’indépendance du Cap-Vert et les autres ex-colonies portugaises, Mario Lucio sort un album qui célèbre ce grand moment de changement en Afrique Lusophone. Chanteur, guitariste, compositeur, poète, écrivain, penseur ou même ancien ministre de la Culture : Mario Lucio est tout cela à la fois et bien plus encore pour les Cap-Verdiens. Chantre de la créolisation, l’artiste rend, à travers son œuvre, un hommage sensible et passionné à ce métissage qui a façonné la culture de son pays. Leader historique du groupe capverdien culte Simentera, mais aussi auteur de six disques en solo, Mario Lucio revient avec Independance un septième opus qui célèbre ce grand moment de changement au Cap-Vert et en Afrique Lusophone. Dans Independance, il y a « danse » et Mario Lucio aime jouer avec les mots. Un album résolument festif donc, au travers duquel il prend plaisir à se remémorer cette époque de son enfance, emplie de joie et de musique. Titres diffusés : Indépendance, Maka Maka, Mati Mati et Ami Xintadu ► Album Indépendance (Maremusica 2025) Site / YouTube Puis, nous rejoignons le groupe Cotonete qui s’est produit le 17 janvier dernier au Studio de l’Ermitage pour présenter le nouvel album Victoire de la Musique. Prendre son temps. Pour Cotonete, un art de vivre. Quinze ans d’existence avant que leur premier album ne voie le jour en 2019, les Parisiens ont pris le temps d’apprécier la vie et les heures passées ensemble sur scène. Un temps qui, sous le groove Brésilien de leur jazz-funk hommage à Azymuth, à Jorge Ben, et à d’autres, donne forcément l’impression de s’écouler moins vite qu’à l’accoutumé. Trois ans sont passés et, après quelques maxis, arrivé le moment de donner un successeur à Super Vilains. Et là, le temps s’est accéléré. David Georgelet, rencontré quelques jours plus tard, nous raconte l’aventure du nouvel album Victoire de la Musique. Extraits du concert au Studio de l’Ermitage, mixage Benoît le Tirant, Mastering Mathias Taylor Brooklyn, Cascavel et Oceo e Preto ► Album Victoire de la Musique (Heavenly Sweetness 2025) Bandcamp / Facebook / YouTube

Le duo Aïta Mon Amour revisite le chant rural de la Aïta marocaine. Aïta Mon Amour au Cabaret Sauvage + Justin Adams & Mauro Durante au 360 Paris Music Factory Widad Mjama, pionnière du rap marocain et diplômée du Conservatoire de Casablanca (danse et art dramatique) est passionnée par les traditions orales ancestrales. Khalil Epi, multi-instrumentiste tunisien, fusionne musique classique arabe, jazz et sonorités mondiales (N3rdistan, Frigya, Dhamma, Seydou Boro, Deena Abdelwahed, arabstazy), Ce projet est le fruit de leur fascination pour la Aïta, un genre musical incarné par les Chikhates, ces femmes chanteuses et gardiennes d'une pratique vieille de plusieurs siècles. Ce projet mêlant électronique et tradition nous transporte dans un voyage envoûtant à travers la culture marocaine. En néo chikhate, Widad nous confie « La Aïta, c’est la poésie rurale. Le rap est une expression urbaine, et je me retrouve dans ces deux styles, car je fais partie de la première génération à être née en ville, toute ma famille vient de la campagne. Mes racines sont paysannes et mes fleurs sont citadines ». Extraits du concert du 23 janvier au Cabaret Sauvage (Mixage Benoît le Tirant, Mastering Mathias Taylor) L’wed L’wed, Kebet El Khayl et Heda Wiyet ► Album Abda (Shouka Rd 2025) Bandcamp / Instagram / YouTube Puis, nous nous rendons au 360 Music Factory où s’est tenu le Festival Au Fil des Voix, pour rencontrer Justin Adams qui présente le nouvel album Sweet Release en duo avec le violoniste et chanteur italien Mauro Durante Quand Justin Adams, guitar hero et compagnon de route de Robert Plant, rencontre Mauro Durante, visionnaire héritier de la Taranta de sa région natale, les Pouilles, l’alchimie est immédiate. Le premier est habité par une approche post punk qu’il adoucit au contact du groove nord-africain en produisant des albums iconiques pour Tinariwen ou Rachid Taha. Le second, violoniste et percussionniste à l’énergie débridée, parcourt le monde avec le virtuose Ludovico Einaudi, partage la scène avec Ibrahim Maalouf, Goran Bregović ou Piers Faccini, puis reprend, après son père, la direction de l’ensemble perpétuant la taranta, cousine de la tarentelle napolitaine. Mais depuis cette rencontre musicale fortuite, et après Still Moving, un premier disque acclamé, ce projet, déroutant, tend à devenir une entité unique et fusionnelle qui elle-même se perpétue. Sweet Release, qu’ils présenteront pour la première fois au public parisien, en est la preuve. Entre vibrations ancestrales et esprit punk, ferveur du tamburello et riffs électriques, Justin et Mauro créent un son brut, dépouillé, qui émeut et envoute. Mauro étant grippé (se reposait pour assurer le concert du soir), nous avons parlé avec Justin Adams. Extraits du concert du 30 janvier au 360 Paris Music Factory (Mixage Camille Roch, Mastering Mathias Taylor) Djinn Pulse, Leuca et Cupa Cupa ► Album Sweet Release (Ponderosa Rd 2025) Facebook / YouTube