Musiques du monde - Playlist "fete de la musique" et entretien avec Poirier Dj et producteur de Montreal

Transes envoûtantes de l’African Electro au R’n’B façon 60’s. Nos premiers invités sont Koko Jean & The Tonics pour la sortie de Love Child. Love Child estun hommage puissant aux racines de la soul, du blues et du rock, où Koko-Jean & The Tonics mêlent énergie brute et émotion sincère. Avec Love Child,Koko-Jean & The Tonics rendent hommage aux racines de la musique afro-américaine en y insufflant une énergie nouvelle et une liberté d’interprétation unique. Cet album capture la profondeur du gospel, la puissance du blues et l’énergie du rock’n’roll. Plus intime que leur premier album, Love Child puise dans l’héritage de figures emblématiques comme Marvin Gaye, Etta James, Aretha Franklin, et Ike & Tina Turner. L’album célèbre aussi l’impact des labels légendaires Motown etStax. Koko-Jean Davis s’est d’abord fait connaître en tant que chanteuse et leader du groupe Koko-Jean & The Excitements,une formation explosive de soul et rhythm & blues née à Barcelone. Avec son énergie débordante et sa présence scénique inimitable, Koko-Jean a rapidement conquis le public en insufflant une intensité brute et un groove imparable à chaque performance. Aux côtés des Excitements, elle a contribué à raviver l’essence du R&B des années 60, s’inspirant d’icônes comme Tina Turner, Etta James et James Brown. Ensemble, ils ont sillonné les scènes européennes et sorti plusieurs albums acclamés, marqués par un son puissant et authentique. Titres interprétés au grand studio - Down On My Knees, Live RFI - The Spin, extrait de l’album - Love Child Live RFI. Line Up : Koko-Jean (chant), Victor Puertas (piano et chant), Arnaud Fradin (guitare) Son : Camille Roch, Benoît Letirant ► Album Love Child (Buenritmo Records/Daydream 2024) Bandcamp - Facebook - YouTube. Puis, nous recevons le trio marseillais Zar Electrik pour la sortie de Koyo Quand les transes gnaouies rencontrent les boucles de la musique subsaharienne et se mêlent à l’électro la plus ensorcelante, la célébration se fait forcément explosive. Sur les pistes de cet African techno, Anass Zine et Arthur Péneau, chanteurs-instrumentistes au gumbri, à l’oud et à la kora électrique, embarquent Did Miosine aux machines pour un trip envoûtant aux confins du Maghreb. Derrière les voix enchanteresses ou rugissantes, l’appel à la danse se fait par les rythmes et les soubresauts ternaires baignés d’électro. Ça tourne jusqu’à s’étourdir, ça bouillonne et tourbillonne dans des transes infinies aux échos d’Orient et aux grooves apatrides. L’histoire : Anass Zine et Arthur Peneau se rencontrent en 2019 à Marseille ; ils commencent à travailler un premier répertoire en duo sous le nom de Zar Electrik. Durant le confinement de 2020, ils rencontrent Didier Simione et l'intègre au projet comme beatmaker. Grâce à quelques concerts et des vidéos postés sur internet en 2021, ils rencontrent Lamastrock, la structure de production et d’accompagnement d'artistes, qui leur propose une collaboration. Avec près de 60 concerts en 2022 et des dates importantes, le trio obtient fin 2022 le Prix des Musiques d’ici. Une tournée en Algérie a été réalisée début 2023 et la rencontre avec les publics algériens a été exceptionnelle. Des dates en Italie, Belgique, Canada et France pour une année 2023 qui compte également une soixantaine de concerts, dont de belles dates parisiennes (Pan Piper, Cabaret Sauvage, Maison des Métallos, Le Point Fort… ). L’année 2023 voit également la sortie de leur premier EP Hawa, chez le label français Jarring Effects. Fin 2023, la participation de Zar Electrik au Mundial Montréal s’est soldée par un très beau succès et les portes du marché nord-américain se sont ouvertes. De nouvelles collaborations sont actées avec une agence américaine, AliaProd pour Usa-Canada, Crossover-frequencies pour la Suède, la Norvège, le Danemark et Musicastrada pour l’Italie. Le groupe a été invité en janvier 2025 pour un Tiny Desk NPR. L’année 2025 devrait compter plus de 60 concerts en France et à...

La journaliste Véronique Mortaigne publie « Brésils, Éloge de la déraison », une traversée ébouriffante d’un pays et d’un peuple, habile à s’extraire du chaos. (Rediffusion) « Qu’est-ce que le Brésil ? ». Une amie me répond, sans hésitation : « La plage ». Elle n’a pas tort. Jamais ennuyeuse, la plage au Brésil est un lieu unique. Neuf mille deux cents kilomètres de rivages, du sable blanc, ocre, doré, des baies, des îles, des caps, des lagunes, des estuaires, des falaises, des mangroves, de la boue, des récifs, des piscines naturelles. Le Brésil a été béni des dieux. De plein de dieux, noirs, blonds, catholiques, le tout fusionné avec les orishas, les divinités vaudoues, et agrémenté de la cosmologie indigène. La multitude de saints, d’anges, d’entités cosmiques, nourrit un mysticisme ardent. « Mais qu’est-ce qu’être Brésilien ? Un mélange de charme, de sensualité, de pouvoir d’attraction, de capacité à créer des situations bordéliques et enchantées. Cerner le caractère profond de ce peuple expérimental en perpétuel mouvement n’est pas une mince affaire. Antônio Carlos Jobim eut un jour cette formule : « Le Brésil n’est pas un pays pour débutants. Amateurs s’abstenir. » Dans ce récit guidé par le hasard, la quête du mystère, du secret et de la magie, Véronique Mortaigne nous invite à découvrir les expériences les plus folles et les plus improbables qu’elle a vécues (Joao Gilberto…), en profondeur, rencontrer un peuple habile à s’extraire du chaos. Plus qu’une déclaration d’amour, cette traversée ébouriffante à travers un Brésil multiple est un éloge de la déraison dans un monde qui étouffe. Véronique Mortaigne est journaliste, longtemps critique musicale au Monde, elle est l’auteure de plusieurs ouvrages (sur Césaria Evora, Manu Chao, Johnny Hallyday, Bernard Lavilliers, Anne Sylvestre) avec une passion particulière pour le Brésil où elle fut professeure de français à Récife (Nordeste brésilien). Playlist de Véronique Mortaigne - Maria Bethânia Ultimo Desejo, extrait de Maria Bethânia Canta Noël Rosa e outras raridades 1965 - Caetano Veloso Falso Leblon, extrait deZii e Zie 2009 - Luiz Gonzaga Vem Morena, extrait de Gonzagão olha pro céu 1949 - Beth Carvalho Vou festeja, extrait deFirme e forte no pagode 1978. X - Instagram (vmobr23) Équateurs. Pour aller plus loin, quelques liens : - Véronique Mortaigne dans Le Monde - Entretien avec le photographe Pierre Verger en 1992.

Le Karibfutursound de Célia Wa ouvre le bal, le post dub noisy rock de Brain Damage le referme… Célia Wa est notre 1 invitée dans la #SessionLive pour la sortie du 1 album Fasadé. Célia Wa est une artiste guadeloupéenne née à Paris, chanteuse, flûtiste et multi-instrumentiste. Initiée dès son plus jeune âge aux musiques traditionnelles afro-caribéennes, elle développe un style unique qu'elle nomme «Karibfutursound», fusionnant soul, électro, gwo ka, jazz et hip-hop.Après avoir intégré l'American School of Modern Music de Paris, elle multiplie les collaborations. Elle sort son premier «WA EP» en 2013, suivi de deux autres Adan on dòt solèy - Karibfutursound part 1 en 2018, puis Wastral en 2021. Célia Wa se distingue par son engagement pour le patrimoine culturel antillais et son désir d'affirmer son identité guadeloupéenne à travers sa musique. Après 3 EP, Fasadé, cet album de 9 titres qu’elle a puisé dans son « nan-nan » artistique comme elle le dit elle-même : une base Gwoka teintée de sonorités soul, jazz et même d’amapiano. Un univers électro-acoustique #Karibfutursound qui s’inscrit dans la mouvance « Kako », rencontre de tradition et modernité. Fasadé incarne la volonté de lier les cultures et de dépasser les seules limites de l’arc caribéen. Chaque morceau libère une énergie qui sublime aussi bien la colère que l’enthousiasme, pour aboutir à une véritable célébration de l’amour, de la détermination et de la liberté. Titres interprétés au grand studio - Ola (colère) Live RFI - Huey (lettre à son fils) Live RFI + Extraits de l’album - Rasanbleman Feat. Roger Raspail (Toto Bissainthe) - No Lies Feat. Ousmane Kouyaté - Sango Feat. Owomide Line Up : Célia Wa (voix,flûte), Xavier Belin (claviers, voix) et Christophe Négrit (batterie,voix) Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor ► Album Fasadé (Heavenly Sweetness 2025). Site - Bandcamp - YouTube. Puis nous recevons Brain Damage dans la 2 #SessionLive pour la sortie de Oide Oide. La rencontre entre Brain Damage et la Japonaise Emiko Ota marque le début d’un fascinant projet à tiroirs, où récits et propositions musicales insolites se juxtaposent, s’entremêlent et s’entrechoquent. Ensemble, ils explorent l’univers mystique des yōkai japonais, ces créatures surnaturelles qui peuplent le folklore nippon. Emiko Ota s’inspire de cinq de ces chimères emblématiques : Katsura Otoko, Tenome, Isogashi, Azuki Arai et Baku, chacune représentant une facette mystérieuse de l’imaginaire japonais, du charme trompeur à la peur, en passant par la frénésie et les rêves dévorés. Tour à tour séduisante, inquiétante, agitée ou apaisante, Emiko navigue entre registres et émotions, donnant vie à ces créatures légendaires à travers une palette vocale riche et nuancée. La musique de Brain Damage, quant à elle, a subi une transformation radicale. Chaque morceau est sculpté avec précision, tantôt enjoué et énergique, tantôt contemplatif et mystérieux, capturant la nature imprévisible des yōkai et s’adaptant parfaitement aux récits mythologiques portés par la chanteuse japonaise. Dans une approche résolument expérimentale, Martin Nathan a fait appel à Mad Professor, l’une des dernières légendes vivante du dub international, pour remixer cette nouvelle création. Se pliant au jeu avec malice, le mythique producteur plus en forme que jamais, propose ici des versions incroyablement aérées et néanmoins apocalyptiques. Ensemble donc, ils proposent une certaine vision du dub, qui réinvente l’inattendu: le post-dub. Si les techniques de traitement sonores inhérentes au style demeurent : mixages évolutifs, échos, réverbérations et basses fréquences quasi palpables, les sources anglo-jamaïcaines du genre ont bel et bien été remplacées, re-conceptualisées, recomposées, réécrites. Une véritable renaissance artistique, avec comme prétexte le post-dub, pour à nouveau explorer, captiver, surprendre. Une oeuvre singulière, immersive, où l’audace et l’inventivité du propos musical s’accorde avec la...

La Réunion, La Nouvelle-Orléans et Haïti sont convoqués dans cette magnifique session live ! (Rediffusion) Nos 1ers invités sont le groupe Grèn Sémé pour la sortie de l’EP Maloya Gazé + remixs Genre musical majeur de La Réunion, le Maloya, devient « gazé » (fou) à travers les sons composés par Grèn Sémé pour ce nouvel EP. Un maloya gazé qui se conjugue entre inspiration directe de la plus pure ligne de cette musique traditionnelle réunionnaise et son évolution, très actuelle, signature du groupe Grèn Semé. Composé en marge des sessions studio du dernier album en date, «Zamroza», les trois premiers titres de ce tout nouvel E.P révèlent cette facette solaire de la formation créole. On y goûte l’amour du texte et la soif de découverte. Et on savoure la justesse du mélange de leurs compositions. Entre inspiration de la tradition des plus grands morceaux en chants/percussion de l’histoire de l’île et les arrangements si singuliers et identifiables du groupe, Grèn Sémé offre trois hymnes qui se prêtent à merveille à l’exercice du remix. Bonus de luxe : les 3 Remixs de Voilaaa + La Dame + Guiss Guiss Bou bess. Voilaaa et le fabuleux Bruno Patchworks se sont emparés de « Siko » pour créer un hit de bal cap-verdien, funana avec ses mélodies entêtantes, c'est ultra-dansant ! La Dame, productrice et DJ de Belgique, remixe le titre éponyme vers une batida efficace pour le dance floor, les DJs et les danseurs. Les Guiss Guiss Bou Bess poussent un peu plus loin l'exercice du remix en ajoutant les sabars sénégalais et le chant de Mara Seck leader du groupe, répond à Carlo de Sacco sur le titre «Alkol», c'est beau et provoque une véritable explosion de joie et d'émotions. Titres joués au grand studio - Tanbour Live RFI + RFI Vidéos (titre «tanbour») - Alkol, extrait Cd (Voilaaa remix) - Siko Live RFI + RFI Vidéos (titre «Siko»). Vidéo Line Up : Carlo de Sacco (Chant, Kayanm, Tambour malbar), Mickaël Beaulieu (Synthé, chœurs), Bruno Cadet (Guitares, chœurs), Rémi Cazal (Programmation, synthé, chœurs) et Germain Lebot (Percussions, batterie, chœurs). + Cedric Corrieri (Tech Son). Son : Mathias Taylor, Camille Roch. RFI Vidéos : Dominique Fiant, Cyril Etienne, Christophe Valette, réalisation : Vanille Foucher. ► EP Maloya Gazé (Markotaz 2024). Site Markotaz. YouTube mini concert Grèn Sémé : Les 3 titres filmés par RFI Vidéos, à savoir Bhopal, Tanbour et Siko Site Grèn Sémé - Facebook - YouTube. #musique #maloya #îledelareunion Puis la #SessionLive reçoit Leyla McCalla pour la sortie de l’album Sun Without The Heat Née à New York d'un couple d'émigrants et d'activistes haïtiens, Leyla McCalla a développé une fascination précoce pour Haïti et sa culture, en partie grâce au temps qu'elle a passé chez sa grand-mère lorsqu'elle était enfant. Après avoir déménagé au Ghana pendant deux ans et obtenu plus tard son diplôme, elle a finalement dérivé vers le sud jusqu'à la Nouvelle-Orléans, où elle voulait gagner sa vie en jouant du violoncelle dans les rues du quartier français. Son dévouement à éclairer les racines noires de la culture américaine l'a finalement conduite aux Carolina Chocolate Drops. Après deux ans de tournée et d'enregistrement avec le groupe lauréat d'un Grammy Award, elle part poursuivre sa propre carrière en tant qu'artiste solo. L’album Sun Whithout The Heat est son 5ème enregistrement studio. Tout au long des dix titres de l’album, McCalla parvient à un équilibre entre pesanteur et légèreté grâce à des mélodies et des rythmes issus de diverses formes de musique afro-diasporique, notamment l’afrobeat, les modalités éthiopiennes, le tropicalisme brésilien, ainsi que le folk et le blues américains. Titres joués au grand studio - Take Me Away Live RFI - Scaled To Survive, extrait de l’album - Give Yourself a Break Live RFI. Line Up : Leyla McCalla, chant, Pete Olynciw, basse, Nathum Zdybel, guitars, Caito Sanchez, batterie. Son : Mathias Taylor, Camille Roch, Jérémie Besset ► Album Sun Without The Heat...

Nos 1ers invités sont le duo formé par le saxophoniste Jacques Schwarz-Bart et le pianiste Grégory Privat pour la sortie de l’album 22. Grégory Privat, né le 22 décembre 1984 en Martinique, est un pianiste et compositeur de jazz. Il grandit à Saint-Joseph, en Martinique, dans une famille de musiciens. Son père, José Privat, est compositeur et pianiste du groupe martiniquais Malavoi. C'est lui qui l'encourage à apprendre le piano dès l'âge de six ans. Après dix ans de formation classique, Grégory se met à la composition et à l'improvisation, particulièrement dans le jazz. De 2004 à 2007, il mène une double vie, suivant l’enseignement d’une école d'ingénieur à Toulouse le jour, jouant dans des clubs de jazz la nuit. Il commence à écrire ses premières compositions et fait la première partie du Biguine Jazz Festival à Sainte-Marie en 2005. Il crée son propre groupe à Paris, et sort un premier album en 2011, Ki Koté. L'année suivante, âgé de 27 ans, il abandonne son emploi, pourtant confortable, pour devenir musicien professionnel et se consacrer entièrement à la musique. Bientôt, il joue avec des pointures caribéennes du jazz, comme le saxophoniste Jacques Schwarz-Bart, le trompettiste Franck Nicolas et le percussionniste Sonny Troupé, maître du Gwoka, qui devient un ami proche. Puis en 2014, paraît l'album concept Tales of Cyparis. Le nom de l'album est une référence à Cyparis, survivant de l'éruption de la Montagne Pelée en 1902. L’année suivante, il sort Luminescence avec Sonny Troupé : un album en duo reflétant un mélange de jazz et de sonorités Gwoka. Toujours en 2015, Grégory Privat est nommé aux Victoires du Jazz dans la catégorie «Révélation de l'année, prix Frank- Ténot». Son album Family Tree suit en 2016, il y présente son premier trio avec Linley Marthe et Tilo Bertholo sur le label ACT. En 2024, Grégory Privat sort Phoenix, nouvel album en trio qu’il considère comme une continuité de son album Soley et reçoit la même année le Prix Django Reinhardt de l'Académie du Jazz. En 2025 Jacques Schwarz-Bart… Artiste International, d'origine guadeloupéenne, Jacques Schwarz-Bart vit à New York depuis plus de 20 ans. Musicien, compositeur et arrangeur, il est le fils de Simone et d'André Schwarz-Bart, le célèbre couple d'écrivains. Jacques Schwarz-Bart abandonne rapidement une carrière diplomatique dans l'administration française pour se lancer dans la musique et choisit son instrument de prédilection : le saxophone ténor. Il étudie à Berklee school à Boston où il développe son identité musicale au carrefour du Jazz de la Soul et des musiques afro-caribéennes. Jacques collabore avec les plus grands de la scène Nu soul et jazz comme le trompettiste Roy Hargrove, Herbie Hancock, d'Angelo, Me'shell Ndegeocello, ErykahBadu, et d'autres. En 2004, il monte son Gwoka Project et enregistre deux albums pour UNIVERSAL, Soné Ka-La et Abyss, qui ont construit sa carrière actuelle en tant que leader reconnu au plan international. Titres interprétés dans le grand studio - The Crossing Live RFI - The Most Beautiful, extrait de l’album - Isaïah Live RFI. Line Up : Jacques Schwarz-Bart, saxophone, Grégory Privat, piano. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant Réalisation : Hadrien Touraud & Donatien Cahu. ► Album 22 (Buddham Jazz 2025). - Live Isaäh YouTube - Site Grégory Privat - Fb Jacques Schwarz-Bart. Puis nous recevons JJH Potter pour la sortie de Ghosts Unveiled. Et c’est en famille que ce Strasbourgeois vient présenter son nouvel album. Auteur-compositeur-interprète né dans les années 70, basé à Strasbourg, compose des chansons aussi intimistes qu’authentiques. Ce guitariste-pianiste et chanteur se produit sous le nom de JJH Potter en hommage à sa grand-mère maternelle qui s’appelait Jeanne, Joséphine, Henriette Pottier. Il crée de la musique indie-folk intimiste depuis son adolescence et promène ses balades aux accents feutrés de café-concerts en rencontres musicales improvisées en s’inspirant des sentiments humains...

Piqués par un mystique, Walid Ben Selim et Ariana Vafadari s’offrent un été en pente douce. Et sacré. Notre 1 invité est Walid Ben Selim, Le nom à retenir de la collection printemps-été 2025 ! Aux vastes horizons de la poésie soufie… Chanteur humaniste et compositeur aux formes multiples, amoureux de la poésie à laquelle il dédie son parcours artistique, créateur du collectif artistique N3rdistan, Walid Ben Selim est né à Casablanca un soir de Septembre 1984, dans la vieille médina, entre le port commercial et la criée. Élève doué et impertinent qui s’inspire des paradoxes de la société et de l’insoumission dès son enfance. Il est élevé par sa mère, avocate engagée dans les causes sociales et militante de gauche, qui fut à la fois sa référence et son soutien dans sa passion pour la musique et qui l’inscrit à l’âge de 6 ans au Conservatoire de Casablanca. Il quitte le Maroc en 2003, après avoir été l’un des fondateurs du mouvement « Nayda », pour rejoindre la France où il poursuit ses études et sa passion. Here and Now « Ici et maintenant, entre les débris du chose et du rien nous vivant dans les faubourgs de l’Éternité » Darwich Ce sont des encres enchantées qui ont noirci des feuilles millénaires, des mots, des vers et des paroles de sages, Ibn Arabi, Rumi, Ibn Fared, Kabir, quand la poésie « soufie » se chante en Occident et rejoint la sérénité du bouddhisme pour nous relier à nos sources et à nos ancêtres. Titres joués : Ati, Nasma, Ici et Maintenant (Darwich), Kama Tachaa et Océans d’amour. ► Album Here & Now (Nuun Music 2024) Site Musiques Métisses 2025 Walid Ben Selim x Angoulême Site Walid Ben Selim. Puis nous recevons Ariana Vafadari et la créatrice du festival Sacré Sound Laurence Haziza #création, conversation entre Ariana Vafadari et Walid Ben Selim. Leur chant et leur univers font écho aux mémoires anciennes et aux vibrations contemporaines tissant un pont entre les âmes et les traditions réinventées. Mezzo-soprano franco-iranienne, Ariana Vafadari puise dans les textes sacrés zoroastriens et la musique classique, portée par une quête de liberté. Walid Ben Selim, chanteur-poète, fait dialoguer les vers d’Ibn Arabi et de Rûmi, inscrivant son souffle dans la tradition soufie pour rapprocher le spirituel des cœurs. Cette collaboration dépasse la musique : elle est rituelle, symbolique. Une rencontre qui relie les âges, l’intime et le collectif, la ferveur ancienne et les âmes en quête. Cette création se veut être un espace où le chant devient invocation, méditation, où la musique unit l’Orient et l’Occident. Marraine et parrain de cette édition, ils initient une nouvelle tradition : le passage chanté d’une édition à l’autre. Leur performance sera une offrande, une invitation à l’écoute, à la contemplation d’une conversation qui transcende les frontières et les appartenances. À la joie d’un chant talisman dans un lieu où les prières s’élèvent encore. Ils seront accompagnés par le pianiste Julien Carton. Concert 4 juin 2025 Église Notre-Dame des Blancs Manteaux, Paris. Au sujet du Sacré Sound festival Ce festival est l’aboutissement d’une longue expérience de la directrice et fondatrice Laurence Haziza, qui dirige depuis 20 ans le festival Jazz’N’Klezmer. Forte de cette expérience, Laurence crée le Sacré Sound Festival et suscite la rencontre des musiques actuelles avec celles inspirées de croyances et de traditions. Elle imagine un espace d’échanges artistiques où dialoguent spirituel et festif et où les contraires se répondent. L’idée du festival : mêler le sacré aux musiques actuelles, faire jouer ensemble des artistes ailleurs empêchés, ici protégés et offrir une musique qui parle à tous, quelle que soit son origine, sa culture, son âge. La 1ère édition en 2024 fut un succès et l’occasion de réaliser que le public est curieux de métissage et rêve de paix et de fraternité. Bienvenue à la 2 édition ! Site Sacré Sound Site Ariana Vafadari. Titres joués : Ardvi Sura, Rahayam, Incantation, Atash.

Du nu reggae au manouche, en passant par le jazz, la #SessionLive reçoit deux noms de la scène hexagonale. (Rediffusion du 19 janvier 2025) Nos premiers invités sont Les Doigts de l’Homme pour la sortie de Erratic, The Art of Roaming. Les Doigts de l'Homme fêtent leurs 20 ans. Pour cela, ils sortent un double album ambitieux qui illustre le trajet parcouru le long de ces nombreuses années avec une approche encore plus inédite et personnelle. De l'acoustique à l'électrique, 23 titres autour d'un jazz de création, « guitaristique », coloré et exigeant. Et pour respecter la tradition : à chaque nouvel album, un nouvel instrument invité ! C'est le batteur Pierre Rettien qui rejoint l'équipe pour illustrer ce passage à l’électrique. « Erratic », deuxième single tiré du double album Erratic, The Art Of Roaming qui est sorti le 20 septembre 2024. Accepter le désordre, ne pas suivre de ligne de conduite, laisser émerger librement ce qu'il en résulte, dans la vie comme dans la musique, accepter de se laisser malmener par l'imprévu, fuir l'ordre qui peu à peu s'établit. Ignorer l'influence du regard extérieur, celui qui finit par restreindre la véritable liberté de choisir. Laisser naître de ce qui semble être le chaos. ► Titres interprétés au grand studio « Dreaming of my Brothers » Live RFI « Des hommes intègres », extrait du double album (cd Électrik) « Californian Christmas » Live RFI ► Line Up : Olivier Kikteff (guitare), Benoît Convert (guitare), Yannick Alcocer (guitare), Tanguy Blum (contrebasse) et Nazim Aliouche (percussions) Son : Mathias Taylor, Camille Roch Album Erratic, The Art of Roaming (Lamastrock/ Inouïe Dist. 2024). YouTube - Bandcamp - Lamastrock Puis, nous recevons Flox pour la sortie de Square. Flox est square. Carré, précis, direct. Il aime aller droit à l’essentiel, ne pas se perdre en considérations superflues. « Je n’ai pas le temps de faire de la merde », résume-t-il. Alors, son septième album s’intitule Square. Square correspond à un virage majeur dans la carrière du pionnier du nu reggae, extraordinaire artisan du studio qui joue de tous les instruments, s’enregistre, se mixe et se produit mais, pendant une douzaine d’années, montait sur scène avec des musiciens. Après avoir enregistré Square, il a commencé à tourner seul, équipé d’une machine qu’il a dessinée et construite avec des contrôleurs Midi pour lancer samples et boucles qu’il a enregistrés lui-même : « Il faut maîtriser tous les outils pour délivrer ce que l’on veut », répète-t-il depuis longtemps... Ce doux quinquagénaire franco-britannique au crâne lisse sourit, gentiment moqueur : « Il y a tellement d’outils si faciles qui permettent de sortir des albums alors que l’on est encore en phase d’apprentissage ou d’acquisition que beaucoup se brûlent les ailes. » Flox sait si bien combien son chemin a demandé de patience, de précision et de passion. Il y a quelques décennies, il sort diplômé en reliure de ses cinq ans à l’École Estienne. Il est en pleine période punk et ne se voit pas travailler pour les vieux clients bourgeois des relieurs. Alors, il devient informaticien et son premier salaire sert à payer la première traite d’une table de mixage à 25 000 francs. Après tout, Florian Gratton n’a jamais manqué de détermination et sait prendre des décisions tranchées. Avant lui, sa mère, moitié kabyle, moitié française, s’est évadée en Grande-Bretagne à l’adolescence, a rencontré un acteur moitié anglais, moitié irlandais et ne revient en France qu’après la victoire de Mitterrand à la présidentielle de 1981. Florian a onze ans et se met à la batterie, son premier instrument. Peu à peu, il saura jouer d’un peu tout. « Je suis plus curieux que vraiment multiinstrumentiste. Je n’apprends de chaque instrument que ce qui me suffit pour faire de la musique. C’est un apprentissage ciblé. Il me faut des notes bien appuyées et bien placées. » Qu’on ne s’attende pas à une trajectoire classique de reggaeman. Sa porte...

Entre Helvètes underground, musique de chambre malienne à Tokyo et Pays basque espagnol… Tous les mois, Sophian Fanen sélectionne cinq nouveautés, histoire d’agrandir votre discothèque préférée. Pour le mois de mai, Sophian vous propose cette playlist : Verde PratoBizitza EztiaAnna FerrerParenòsticBaby VolcanoSupervivenxiaSami GalbiYIh Bye ByeSalif KeitaSo KonoPuis la #SessionLive reçoit l’artiste suisse Léa Maria Friès pour la sortie de l’album Cleo. Issue de la scène musicale suisse dont les talents ne cessent d’éclore, la chanteuse Lea Maria Fries signe avec Cleo un premier album sous son nom, composant l’essentiel de la musique et les textes des chansons. Réalisée par Julien Herné, cette œuvre profonde et délicate est chargée d’histoires ; elle raconte la quête intime d’une artiste vers son avenir avec assurance, maturité et sensibilité. ► Titres interprétés au grand studio « Witches Broom » Live 1 « India Song » (feat. Vincent Peirani - composition Carlos d’Alessio) « Just Passing » Live RFI ► Line up : Lea Maria Fries (voix), Gauthier Toux (piano), Julien Herne (basse) et Antoine Paganotti (batterie). Son : Mathias Taylor, Benoît Le Tirant Album Cleo (Heavenly Sweetness 2025) Site internet - Vidéos - Bandcamp Réalisation : Hadrien Touraud & Donatien Cahu

Punky reggae party avec Kiddus I, Camille Bazbaz et Jérôme « Tchiky » Perez #SessionLive ! The Salmon est le projet d'un trio légendaire de « soul men » réuni pour célébrer une longue amitié, la liberté musicale et la créativité. Inspirés par les sons originaux du reggae, de la country, du blues et de la soul, ils remontent la rivière tels des saumons, à contre-courant des clichés et des normes. Leur balade nous ravit et nous transporte vers des paysages lointains, apaisants qui nous reconnectent à l’essentiel : l’amour de la musique. Le groupe est composé de trois amis aux carrières bien remplies : Kiddus I, la légende du reggae à la voix envoûtante, « Last Crooner on Earth », héros du film Rockers sorti en 1977 et un des membres du projet Inna De Yard ; Bazbaz, pianiste auteur-compositeur-interprète français avec neuf disques à son actif ; et Tchiky, guitariste hors pair qui accompagne De La Soul depuis une dizaine d'années. Après un premier EP sorti en 2020 composé des titres « Enough is Enough » et « The Long Road », et une pandémie plus tard, The Salmon renaît finalement en janvier 2022 du haut des collines de Kingston, où le trio enfin réuni fera vibrer la Jamaïque aux côtés de musiciens chevronnés français comme jamaïcains tels que Delroy Wormbass, Viryane Say, Sly Dunbar, Christianne Prince, Pam Hall, Fabrice Colombani, Fonso, Yann Cléry, David Hadjadj, Flabba Holt et Style Scott. Leur premier album est un pur bijou franco-jamaïcain imprégné de la terre natale du reggae, et reflète la volonté du trio de revenir aux racines de leurs inspirations. Music is love… or is nothing ! ► Titres interprétés au grand studio - Wiggling Live RFI - The Salmon (Ska Version), extrait de l’album - Flowers Live RFI ► Line Up : Kiddus I (chant), Camille Bazbaz (claviers) et Jérôme « Tchiky » Perez (guitare) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch ► Album The Salmon (22D Music 2025) Bandcamp - Facebook ► Playlist - The Specials – Gangsters 1979 - Bob Marley – Punky Reggae Party 1977 - Junior Murvin – Police and Thieves 1976 - Femi Kuti – Journey Through Life (Journey Through Life Bongo Joe 2025) - Sami Galbi – Casaflex (1er album YLH Bye Bye Bongo Joe 2025) Réalisation : Hadrien Touraud

Un diggeur passionné des Caraïbes talonné par un poète anglo-trinidadien qui slame la mémoire des afro-descendants. Emile Omar est notre 1er invité pour présenter le 3e volume de la série Disques Debs International Mizik Maladi (Strut Record 2025). Une compilation concoctée par Emile Omar et Hugo Mendez. Strut présente avec enthousiasme le troisième volume tant attendu de la série Disques Debs International, explorant plus en profondeur les archives de l’un des plus grands labels franco-caribéens, Disques Debs, basé en Guadeloupe. Fondé par le visionnaire Henri Debs à la fin des années 1950, le label et son studio ont fonctionné pendant plus de 50 ans, produisant plus de 300 singles 7” et 200 albums, faisant de Disques Debs un pilier de l’histoire musicale caribéenne. Au début des années 1980, Henri Debs s’était déjà imposé comme un producteur prolifique, avec un catalogue de sorties inégalé en Guadeloupe et en Martinique. Parti d’un simple magnétophone deux pistes installé à l’arrière d’une boutique de vêtements, Disques Debs s’est transformé en une véritable institution, avec un studio ultramoderne en plein cœur de Pointe-à-Pitre, des magasins de disques et d’instruments de musique en Guadeloupe, en Martinique et à Paris, une discothèque au Gosier, ainsi que des accords de distribution internationale en Europe, aux États-Unis et en Amérique du Sud. Disques Debs a joué un rôle essentiel dans l’évolution de la musique caribéenne moderne, créant un pont entre les genres traditionnels comme la biguine et le gwoka et les styles contemporains comme le cadence, le compas et le zouk. Ce dernier est devenu un phénomène mondial dans les années 1980 grâce à des groupes emblématiques comme Kassav’ et Zouk Machine. Durant cette période, le label a soutenu une nouvelle génération d’artistes tout en continuant à collaborer avec des figures légendaires des décennies précédentes. Le volume 3 de cette série, compilé par Emile Omar et Hugo Mendez, met en lumière l’une des périodes les plus dynamiques et influentes du label, alors qu’il étendait son rayonnement international dans les années 1980. À travers deux vinyles, cette sortie propose une sélection soigneusement choisie de morceaux issus de l’univers Disques Debs, mettant en avant à la fois de jeunes talents et des artistes confirmés qui ont marqué cette époque. Cette collection célèbre non seulement l’héritage inégalé d’Henri Debs, mais offre également un instantané de l’âge d’or de la musique caribéenne, confirmant Disques Debs comme une véritable institution culturelle. ► Titres joués - Christian Yéyé – Misyé Zanndo - Horizon – Neg Mawon - Alex Rosa – L'Appel des champions - Max et Henri – Sé Pou Demen ► Album Mizik Maladi, l'âge d'or des Disques Debs International (Strut Record 2025) Bandcamp Volume 1 Bandcamp Volume 2 Cadence Revolution Bandcamp Volume 3 Mizik Maladi À écouter aussiSpéciale Disques Debs international avec Émile Omar Notre 2nd invité est Anthony Joseph pour la sortie de l’album Rowing up River to Get Our Names Back. L’origine africaine des OVNI, George Clinton en personne, n’aurait pas désavoué ce concept afro-futuriste dont Anthony Joseph avait fait le sujet de The African Origins Of Ufo’s, sa nouvelle écrite il y a bientôt vingt ans. Durant ce laps de temps, les albums du chanteur-poète de Trinidad se sont succédé, mais l’idée ne s’est pas évaporée. Après un travail de réflexion et de recherches artistiques avec le musicien-producteur Dave Okumu, il est même devenu l’axe de rotation de son nouvel album. Base des premiers titres élaborés en duo, la nouvelle est ensuite devenue la rampe de lancement de Rowing Up River To Get Our Names Back Vol 1 & 2. D’une aventure si dense qu’il a fallu la scinder en deux parties. Après avoir solidement assuré la connexion musicale de toute la diaspora caribéenne sur ses précédents albums, Anthony Joseph s’engage dans une fresque musicale aussi ambitieuse que fascinante : l’exploration de toutes ces strates qui...

Entre une légende du rap sud-africain et un poète angevin, mon cœur balance… Notre 1 invité est Stogie T pour la sortie de l’EP Shallow Vétéran du hip-hop sud-africain, Stogie T (Tumi Molekane) n'est pas un parolier classique. Son travail consiste à trouver un équilibre délicat entre différents mondes ; il a prouvé qu'il était la voix du peuple, mais il n'hésite pas à tendre un miroir à l'ensemble de la société, et le reflet est toujours plus complexe que les clichés bien-pensants du «rap conscient» et la nature stéréotypée et banale du «rap commercial». Le message dominant de Shallow est la psychose collective. Le dernier EP publié par Stogie T depuis la pandémie mondiale contient des chansons percutantes qui reflètent une forme particulière de cynisme prévalant en Afrique. Le rêve différé, la perte d'espoir sous le poids écrasant d'un État de plus en plus défaillant. Stogie T a déjà parlé de cet état, mais cette fois-ci, il se penche sur les effets qu'il a sur ses habitants. Ce qu'il advient de la pensée des gens, de leurs dysfonctionnements et de leurs pathologies. Stogie T (alias Tumi Molekane) est sur la voie de l'autoréflexion, de l'introspection, de l'évolution et de la restitution, tout en jouant la carte du progrès. Il s'interroge sur les valeurs et les règles qui régissent notre vie, sur les raisons de désespérer ou d'espérer d'un pays entouré d'un pillage flagrant, sur les raisons d'être cynique et sur les raisons de croire et de se soucier des autres. Les chansons de cet EP ont été conçues et enregistrées pendant Covid et entre les moments d'anxiété intense dus au dysfonctionnement et au désordre sociétal, à la perte d'amis proches et de membres de la famille, et à la disparition tragique de ses pairs. En tant qu'artiste cherchant à trouver une voix dans le désordre et à s'élever au-dessus du bruit de la machine médiatique mondiale, Stogie T a trouvé du réconfort dans la tragédie et le traumatisme. Offrant un contrepoint à l'air du temps par le biais d'une poésie artistique nous rappelant, ainsi qu'à lui-même, qu'en tant qu'artiste, c'est son travail qui apporte de l'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit faire preuve d'un grand discernement, d'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit rester fidèle à lui-même, à sa famille et à sa communauté. Titres interprétés grand studio - Shallow Live RFI - Zimkile feat Msaki, extrait album - Too Late For Mama Live RFI. Line Up : Tumi Molekane (voix), Shane Cooper (basse), Bonj (voix), Bokani Dyer (claviers, voix), Clem Carr (claviers)et Justin Badenhorst (batterie). Traduction : Enora Louis Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► EP Shallow (Sakifo Rd 2024). Facebook - Youtube. Puis la #SessionLive invite Lo’Jo pour la sortie de l’album Feuilles Mauves. De leur Anjou natal à tous les continents, des instruments traditionnels au rock, Lo’Jo a toujours su passer de la feuille blanche à la poésie. La lumière et les mots de Feuilles Fauves magnifient une nouvelle fois l’insaisissable. Car si nous sommes Peu de choses, écrit Denis Péan, heureusement, « on peut faire chavirer le cœur le plus fané sur le tempo du chamamé ». Il y a de ces groupes qui ne sont enchaînés nulle part si ce n’est aux instruments du monde ou aux feuilles de papier. Sans chaîne ni code ni dogme, Lo’Jo sera toujours ces explorateurs de la musique, ces chercheurs des mots. Le collectif Lo’Jo continue avec Feuilles Fauves à puiser dans ce qu’il sait faire de mieux : ne rien se refuser. Pourquoi ne pas mêler le kamele n’goni, instrument acoustique malien au violon, pourquoi ne pas faire fusionner le piano au kayamn, sur toile d’électro, pour donner à ce disque, aussi, les couleurs des Mascareignes ? Chaque disque est une réinvention : Feuilles Fauves n’y fait pas exception. Par ses traditions musicales absorbées lors de leurs innombrables voyages, comme par ses collaborations prestigieuses : de Robert Wyatt à Tony Allen, Robert Plant, Tinariwen, Erik Truffaz, ou encore Archie Shepp... l’utopie...

Le duo Aïta Mon Amour revisite le chant rural de la Aïta marocaine. Aïta Mon Amour au Cabaret Sauvage + Justin Adams & Mauro Durante au 360 Paris Music Factory Widad Mjama, pionnière du rap marocain et diplômée du Conservatoire de Casablanca (danse et art dramatique) est passionnée par les traditions orales ancestrales. Khalil Epi, multi-instrumentiste tunisien, fusionne musique classique arabe, jazz et sonorités mondiales (N3rdistan, Frigya, Dhamma, Seydou Boro, Deena Abdelwahed, arabstazy), Ce projet est le fruit de leur fascination pour la Aïta, un genre musical incarné par les Chikhates, ces femmes chanteuses et gardiennes d'une pratique vieille de plusieurs siècles. Ce projet mêlant électronique et tradition nous transporte dans un voyage envoûtant à travers la culture marocaine. En néo chikhate, Widad nous confie « La Aïta, c’est la poésie rurale. Le rap est une expression urbaine, et je me retrouve dans ces deux styles, car je fais partie de la première génération à être née en ville, toute ma famille vient de la campagne. Mes racines sont paysannes et mes fleurs sont citadines ». Extraits du concert du 23 janvier au Cabaret Sauvage (Mixage Benoît le Tirant, Mastering Mathias Taylor) L’wed L’wed, Kebet El Khayl et Heda Wiyet ► Album Abda (Shouka Rd 2025) Bandcamp / Instagram / YouTube Puis, nous nous rendons au 360 Music Factory où s’est tenu le Festival Au Fil des Voix, pour rencontrer Justin Adams qui présente le nouvel album Sweet Release en duo avec le violoniste et chanteur italien Mauro Durante Quand Justin Adams, guitar hero et compagnon de route de Robert Plant, rencontre Mauro Durante, visionnaire héritier de la Taranta de sa région natale, les Pouilles, l’alchimie est immédiate. Le premier est habité par une approche post punk qu’il adoucit au contact du groove nord-africain en produisant des albums iconiques pour Tinariwen ou Rachid Taha. Le second, violoniste et percussionniste à l’énergie débridée, parcourt le monde avec le virtuose Ludovico Einaudi, partage la scène avec Ibrahim Maalouf, Goran Bregović ou Piers Faccini, puis reprend, après son père, la direction de l’ensemble perpétuant la taranta, cousine de la tarentelle napolitaine. Mais depuis cette rencontre musicale fortuite, et après Still Moving, un premier disque acclamé, ce projet, déroutant, tend à devenir une entité unique et fusionnelle qui elle-même se perpétue. Sweet Release, qu’ils présenteront pour la première fois au public parisien, en est la preuve. Entre vibrations ancestrales et esprit punk, ferveur du tamburello et riffs électriques, Justin et Mauro créent un son brut, dépouillé, qui émeut et envoute. Mauro étant grippé (se reposait pour assurer le concert du soir), nous avons parlé avec Justin Adams. Extraits du concert du 30 janvier au 360 Paris Music Factory (Mixage Camille Roch, Mastering Mathias Taylor) Djinn Pulse, Leuca et Cupa Cupa ► Album Sweet Release (Ponderosa Rd 2025) Facebook / YouTube (Rediffusion du 15 février 2025).

Pop liquide et folk et déclaration d’amour à Joni Mitchell. Le 1er groupe invite est Frànçois & The Atlas Mountains pour la sortie de Âge Fleuve Liquide, voilà comment on pourrait traduire l’odyssée musicale de Frànçois & the Atlas Mountains (F&AM). Il n’y a qu’à jeter un œil à son parcours de vie. Ayant grandi à Saintes sur les rives de la Charente, Frànçois a traversé la Manche pour poser ses valises au Royaume-Uni en 2003, dans la ville portuaire de Bristol. Assistant de français au départ, il finit par glisser vers la scène musicale indépendante qui fera office de laboratoire artistique et émotionnel pour le jeune homme. Une puissante inspiration créatrice : dessin, cinéma d’animation, musique... « Tu te pointais dans des lieux, tu prenais une guitare, un instrument de fortune, un instrument que tu as acheté à la brocante, et tu faisais une espèce d’arte povera de la pop », raconte le musicien à propos de ses années Bristol. Fragilité, pudeur, délicatesse… Une voix qui rappelle aussi d’illustres contemporains, de Devendra Banhart à Vincent Gallo dont les inflexions vocales ressurgissent parfois derrière le timbre si singulier du français. Comme dans Fleuve des âges, morceau presque éponyme de son dernier album Âge fleuve. Un disque souriant et feutré, dernière mouture de la maison InFiné et sixième album studio de F&AM, ce disque souriant et feutré n’a rien à envier aux précédents. Pêle-mêle, Malik Djoudi et sa pop envoûtante, Thomas de Pourquery, le jazzman que tout le monde s’arrache, et la Britannique folk Rozi Plain sont venus prêter main-forte à F&AM. Trois collaborations délicieuses qui se marient à merveille avec les 10 titres qui composent l’album. Mais ce n’est pas tout… L’album s’est construit durant quatre longues années, marquées par la pandémie, où il aura reformé son groupe et navigué entre deux labels, Domino d’abord, avant de se tourner vers InFiné. Puis le décès de son père viendra tout bouleverser et redémarrer la machine désirante du souvenir, qu’il traduit à sa manière : « Depuis que j’ai perdu mon père pendant la pandémie, il y a cette question de l’origine qui s’est mise à ressurgir avec les souvenirs. » L’issue ? Âge Fleuve, donc. ► Titres interprétés au grand studio Pas lents dans la neige Live RFI Adorer, extrait de l’album Le Fil Live RFI Line Up : François Marry (chant guitare), Colin Russeil (batteur) et Laure Sanchez (bassiste) Son : Benoit Le Tirant + Camille Roch, Benoît Le Tirant ► Album Age Fleuve (InFiné 2025) Bandcamp - YouTube - Site À lire aussiÀ lire sur RFI Musique Puis, nous recevons Haïm Isaacs pour la sortie de Joni Mitchell in Jerusalem Ce sont les chansons de Joni Mitchell revisitées avec tendresse par Haïm Issacs. Né à new York, grandi à Jérusalem, il a découvert Joni Mitchell chez sa voisine de palier à 15 ans. Son frère dit qu’il est né ce jour-là. La nuit, il rêvait d’elle. Le jour, arpentant les collines de Jérusalem, de Jéricho à Bethléem, il a chanté ses chansons comme des songlines aborigènes. À Paris, il célèbre la chanteuse américaine en 4tet. Après 4 années de tournée, les musiciens sont rentrés en studio. Le fantasme de l’éternité, gravant la musique dans la pierre, est merveilleusement impitoyable. Joni Mitchell In Jerusalem est l’album qu’il aspirait à faire depuis 20 ans. ► Titres interprétés au grand studio : Slouching Towards Bethlehem Live RFI Little Green, extrait de l’album Chelsea Morning Live RFI Line Up - Jules Lefrançois (percussions et chœurs), Yann-Lou Bertrand (contrebasse et chœurs), Maurao Basilio (violoncelle, oud), Haim Isaacs (chant et ShrutiBox) Son : Benoît Le Tirant, Camille Roch ► Album Joni Mitchell in Jerusalem (Haïm Isaacs/ L’Autre Distribution 2025) Site - Vidéos Réalisation Hadrien Touraud

#SessionLive avec avec le groupe franco-burkinabé Kananayé et le percussionniste français Roscius pour la sortie No Fala B. Nos premiers invités sont le groupe Kananayé pour la sortie de l’album Kananayé Dans les rues du Burkina Faso, résonne à tout bout de champ « ka nana ye », qui signifie « c’est pas facile », tout en sous-entendant que ça va aller. Avec l’album Kananayé, dont le titre reprend cette philosophie populaire, ça ne peut qu’aller. Son multiculturalisme fondateur, ses paroles conscientes, ses traditions enchevêtrées et son ancrage contemporain sont même des propriétés indispensables par les temps qui courent, alors que l’optimisme est devenu une vertu de survie. C’est pas facile, mais ça va aller. À condition de s’en donner les moyens bien sûr, en enjambant les frontières quand d’autres veulent les fermer. Clotilde Rullaud, Abdoulaye Traore, Achille Nacoulma, Seydou Diabate et Boubacar Djiga, les auteurs de Kananayé, s’y emploient. Kananayé a été enregistré par Peter Soldan aux Dada Studios à Bruxelles, par Kaskade au Studio Hanou à Bobo-Dioulasso, puis mixé et masterisé à New York. Il est formé de sept compositions originales, en plus d’une reprise du traditionnel américain Sea Lion Woman que sublima Nina Simone. De la ballade à la transe, raffinées et lumineuses, ces chansons se projettent dans les musiques actuelles tout en étant profondément enracinées. Le projet tisse les fils de plusieurs traditions et tresse les pratiques rurales séculaires avec les tendances des grandes métropoles modernes. Tantôt vibrant, poignant ou festif, toujours solaire, l’album respire la joie que ses participants éprouvent de jouer ensemble. Mais le groupe est aussi foncièrement militant, puisque ses cinq membres proclament leur multiculturalisme et célèbrent la beauté des métissages. Ils revendiquent aussi la liberté des artistes du monde entier de se déplacer, de se rencontrer et de créer, à une époque où la délivrance des visas est entravée par des politiques nationalistes. Décidément, « ka nana ye » ! C’est pas facile, mais ça va aller. ► Titres interprétés dans le grand studio Sea Lion Woman / Were Were MoussoGaribou,Faso de NousLine Up : Seydou 'Kanazoe' Diabate (balafon, percussions, voix), Clotilde Rullaud (voix, flûte), Abdoulaye 'Debademba' Traore (guitares), Boubacar Djiga (kunde, percussions) et Achille Nacoulma (batterie, percussions, voix) Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch ► Album Kananayé (TZIG'ART - Believe – Socadisc 2024) Bandcamp - YouTube Puis, nous recevons le percussionniste et compositeur Roscius, de son vrai nom William Serfass pour la sortie de No Fala B Le multi-instrumentiste William Serfass sort No Fala B sous le nom de Roscius (son nom quand il compose de la musique instrumentale). No Fala B c’est le titre d’une histoire d’amour. Un deuil s'ensuit souvent d'un coup de cœur, celui-ci, composé à coup de baguettes. Entre palindrome et anagramme, on peut comprendre « ne parlant pas le B » en mi-portugais-brésilien, mi-anglais. No Fala B comme miroir de BALAFON, cette percussion chromatique faite main au Burkina Faso à l'aide de « bois de sang » ou de « bois de cœur ». Instrument au centre de cette pièce musicale d'une heure, divisée en 13 morceaux instrumentaux, percussifs et cinématographiques. B, c’est donc la représentation de ce qui nous est étranger. On ne le comprend pas, on ne sait pas en jouer de manière traditionnelle, mais on en tombe quand même amoureux. On l’écoute, on se l’approprie. « No Fala », comme un coup de gueule, un coup de poing, c'est politiquement engagé, et avec B, on traverse les mondes, les genres, les styles, dans une acoustique vivante, on recherche, on expérimente, parfois, on trouve quelque chose, quelqu’un, c’est dur et fragile, comme la communication sans les mots. À moins que B soit en fait le prénom d’une personne… Dont on ne parle pas la langue… Après une décennie passée entre Londres et des tournées internationales, à collecter des...

#SessionLive avec deux poètes de la chanson française : Mathieu Boogaerts pour Grand piano et Albin de la Simone pour Toi là-bas. Notre premier invité est Mathieu Boogaerts pour la sortie de Grand Piano. Note d’intention par Mathieu Boogaerts : Mathieu Boogaerts, « Grand piano » ? C'est le titre de mon neuvième album, et c'est un oxymore : « Figure de style qui vise à rapprocher deux termes que leurs sens devraient éloigner ». « Grand » car je l'ai voulu ainsi : franc, épais, puissant, plus de matière, de volume que ses prédécesseurs... Plus âgé ? Une batterie, une basse électrique, une basse synthétique, une guitare électrique, une guitare acoustique, un synthétiseur, un saxophone, une flûte, un accordéon, un chœur, des percussions, un piano électrique et un piano droit : la gamme de couleurs qu'il m'a fallu pour dépeindre en détails les sentiments que je déploie dans mes douze nouvelles chansons. Mais « Piano », car toujours sur le ton de la confidence, léger, fragile, doux, nuancé. Comment ? J'ai écrit et composé ce répertoire entre septembre 2020 et mars 2023 dans de nombreux lieux dont Londres, Paris, Istanbul, Amsterdam, Budapest, Plaisians, Risoul et les Landes. Le disque a été enregistré « de manière classique » entre 2023 et 2024 à La Frette Studios en région parisienne. Comme pour chacun de mes disques, Renaud Letang a ensuite élaboré le mixage, puis le duo de graphistes M/M (Paris) a conçu la pochette : ici une nature morte illustrant la facture, le geste, l'intention poétique de l'album. Avant ? Né en 1970 à Fontenay-sous-Bois. J'ai sorti mon premier « Ondulé » de clip-vidéo en 1995, suivi de l'album Super. Depuis : huit albums studio, trois albums live, plus de mille concerts à travers le monde, des chansons pour Camélia Jordana, Luce, Zaz, Vanessa Paradis... D'innombrables collaborations. En 2023, en pleine fabrication du disque, j'ai donné vingt concerts à Paris lors desquels je tirai au sort les chansons de ma discographie. Après ? Joie : l'écriture et la réalisation des clips-vidéo des morceaux. Les interpréter sur scène accompagné par mon tout nouveau groupe... Le Grand piano ! Mon meilleur disque ? Oui ! Titres interprétés dans le grand studio Ma Jeunesse Live RFI Faut toujours écouter son corps, extrait de l’album Dans une case Live RFI Line Up : Mathieu Boogaerts, guitare voix Son : Camille Roch, Jérémie Besset ► Album Grand Piano (Tôt ou Tard 2025) Site internet - YouTube - Facebook À lire aussiMathieu Boogaerts: «Grand piano», entre intimité et ambition musicale Puis, nous recevons Albin de la Simone pour la sortie de Toi là-bas (disque) et Mes Battements (livre avec dessins chez Actes Sud) ► Teaser MdM Le Livre Mes battements Rome, 30 septembre 2024. Il est 11h du matin, partie à 4h30 chez moi, j’arrive à la Villa Médicis qui me fait le beau cadeau de m’inviter en courte résidence pour finir le livre que vous tenez entre les mains. Donc, à l’heure où j’écris ces lignes, ce n’est encore qu’un tas de dessins et de textes plus ou moins ordonnés. J’ai du pain sur la planche. Car un premier livre de ce type, comme un premier disque, est un peu constitué d’une vie entière, et quand on a 50 ans passés, il y a du tri à faire. À partir du deuxième, si on a bien fait son boulot dans le premier, on part d’une page blanche ou, au pire, d’une page beige. Nous verrons. L’album Toi là-bas Paris, le 1er décembre 2024. Après quelques saisons très denses, j’ai ressenti à l’automne dernier le besoin imparable de me retrouver seul. Du moins face à moi-même. Je suis parti m’enfermer à la Villa Médicis où j’ai terminé d’écrire et de dessiner mon premier livre (Mes battements, paru en mars 2025 chez Actes Sud), un voyage intérieur qui depuis des mois me baladait loin dans le passé, mon village, mon enfance, mon adolescence. Je me suis amusé à reprendre quelques chansons de mes débuts comme Je te manque, Avril 4000 ou Non merci (2005), et j’ai remarqué que je leur donnais quelque chose que je ne...

Dominante reggaeton : shatta et frafra pour Sophian et retour aux sources turques pour Selman. L’émission ouvre avec la playlist mensuelle de Sophian Fanen. Blaiz Fayah, Maureen et DJ GladShatta TingFlorence AdooniA.O.E.I.UGreentea PengTell Dem it's SunnyVerito AsprillaGal CostaCompacto de 1972Puis, nous recevons Selman Faris pour l’album Kaplan, voyage vers l’Est. Après un premier EP (Neva) salué pour son groove méditerranéen singulier, le producteur et multi-instrumentiste Selman Faris présente un premier album pensé comme un grand voyage musical inspiré par l’Asie, de la Turquie au Japon, entre héritage et modernité. Le fils du flûtiste turc Kudsi Erguner, collaborateur de Nekfeu, Alpha Wann, Laylow ou encore dernièrement Aya Nakamura, Selman s’est imposé comme un compositeur et musicien incontournable de la scène française. Avec Kaplan, voyage vers l’Est (« Kaplan » signifiant « tigre » en turc), il élargit son horizon et tisse un récit sonore où les instruments traditionnels croisent des textures jazz, ambient et funk. Une œuvre ambitieuse, à l’image du tigre dont il suit les traces. Titres diffusés extraits de l’album : « Ubud », « Ispahan », « Sehir Uzakta » et « Moshi Moshi ». ► Album Kaplan, voyage vers l’Est (Kiraz/Roche Musique) YouTube - Instagram

La funk disco créole de Setenta face à la tarentelle arrangée punk rock de Maria Mazzotta. Nos premiers invités sont les Parisiens de Setenta, pour la sortie du 6 album Apollo Solar Drive. Le groupe parisien Setenta approche de la célébration de son 20è anniversaire avec la sortie d’un sixième album, Apollo Solar Drive. Cet opus s’annonce comme le meilleur du groupe et correspond à la nouvelle étape d’une odyssée de découvertes artistiques. Setenta a toujours cherché l’illumination positive au fil des années, tout en explorant le côté sombre de la condition humaine. Comme le décrit le groupe, cet album est un hommage afro-latin rétro-futuriste au soleil. Si leur précédent album, Materia Negra, avait propulsé l’équipage du vaisseau Setenta à la découverte d’une matière noire aux aspects multiples, ils changent maintenant de cap et approchent vaillamment du soleil à pleine vitesse, nous emmenant de l’obscurité vers la lumière. Miraculeusement, Setenta parvient à embarquer à bord le matériel rythmique et harmonique qu’ils ont exploré sur Terre, tout en osant aller là où personne ne s’est encore rendu, se lançant le défi de pousser leur musique, et leur public, vers des dimensions inexplorées et de nouveaux horizons d'existence. En harmonie avec les thèmes de Materia Negra, sélectionné par FIP en 2020, la sixième mission de Setenta pour explorer « l’au-delà » de « l’espace intérieur » porte judicieusement le nom d’Apollo Solar Drive, soulignant l’orientation du groupe vers la lumière vivifiante du soleil pour s’inspirer, tout en faisant un clin d’œil au chef-d’œuvre de latin funk et de critique sociale d’Eddie Palmieri, Harlem River Drive. L’ambiance générale est chaleureuse et positive, propulsée par l’énergie décuplée de rythmes funk intenses et d’arrangements étonnamment complexes, tout en restant d’une fluidité délectable, à l’image de votre cocktail tropical préféré ou d’un album classique de fusion jazz dance des années 1970. Bien sûr, cette délicieuse mixture est servie avec une touche spéciale propre à Setenta. Cette fois-ci, Apollo Solar Drive célèbre la trajectoire unique du voyage interstellaire du groupe en adoptant un angle résolument jazzy et « funkadelic » dans leur musique afro-latine tant aimée. Les membres de Setenta expriment leur vérité en tant que collectif, avec un accent mis sur les sections instrumentales, se concentrant sur l’entrelacement de multiples claviers et guitares, tout en réduisant cette fois-ci les voix à des chœurs de groupe, à la différence des voix solo du passé. L’approche globale est plus futuriste dans sa conception et sa réalisation, des arrangements à l’ingénierie sonore, bien que la base rythmique reste ancrée dans les traditions afro-cubaines ainsi que celles d’autres nations caribéennes. Titres joués dans le grand studio - Ecuajey Live RFI - Cd Sa Ki Taw, extrait album - Apollo Solar Drive Live RFI. Line up : Virgile Raffaëlli (basse), Octave Ducasse (batterie), Laurent Guillet (guitare, voix), Alexis Nercessian (claviers), Tchoubine Colin (timbales, voix), Fabien Hily (congas, voix), Osman Jr (percussions, voix). ► Album Apollo Solar Drive (Latin Big Note 2025). Son : Jérémie Besset, Benoît Letirant, Mathias Taylor. RFI Vidéos : Romain Ferré, Dominique Fiant, Cyrille Etienne. Lien Youtube avec 3 titres : Ecuajey, Liberame et Apollo Solar Drive par RFI Vidéos YouTube Setenta & Site Instagram Setenta Facebook Setenta. Concert Paris : 27 mai 2025 au New Morning. Puis nous recevons Maria Mazzotta pour la sortie de Onde. L'interprétation viscérale de Maria Mazzotta rencontre les sons électriques du Post-Rock, créant ainsi un mélange original et profond. Le titre du nouvel album est Onde (Vagues), un album dans lequel Maria Mazzotta a choisi pour la première fois en vingt ans de carrière d'exprimer la force franche et vitale de la tradition paysanne à travers des instruments contemporains. Depuis 2020, année de la publication de son premier album solo Amoreamaro,...

Ballaké Sissoko et Piers Faccini en concert à la Philharmonie de Paris pour la sortie de l’album Our Calling. 19 mars 2025, Ballaké Sissoko et Piers Faccini présentent leur album Our Calling. RFI était là, morceaux choisis enregistrés par RFI Labo (sur le site rfi.fr) et entretien en loge. Deux décennies après leur toute première collaboration, le chanteur-songwriter italo-britannique Piers Faccini et le virtuose malien de la kora, Ballaké Sissoko, reviennent avec un album enchanteur : Our Calling. Cet album offre un dialogue captivant entre un instrumentiste au sommet de son art et un auteur-compositeur orfèvre des mots. Ensemble, ils créent de nouvelles formes de chansons avec une délicatesse qui relie les continents et joue avec les traditions. Les graines de Our Calling ont été semées lorsque Ballaké Sissoko et Piers Faccini se sont croisés pour la première fois au sein de Label Bleu au début des années 2000, initiant une amitié au long cours et profonde. Au fil des années, ils ont exploré ensemble de nouvelles passerelles entre les traditions mandingues et les formes de chanson folk britanniques et méditerranéennes. Sissoko avait d’ailleurs participé au deuxième album solo de Faccini, Tearing Sky, en 2005. En 2020, leur dialogue a trouvé un nouveau souffle grâce au label Nø Førmat!, lorsque Ballaké a invité Piers à chanter «Kadidja» en bambara sur son album Djourou. Plus tard, leur collaboration sur la chanson «The Fire Inside» a ravivé leur vision commune, et leur a donné l’envie de signer ce tout premier album en duo – enregistré par Frédéric Soulard (déjà présent sur le dernier album de Piers Faccini Shapes of the Fall) et réunissant une distribution exceptionnelle de musiciens invités, Vincent Segal (violoncelle), Badjé Tounkara (ngoni) et Malik Ziad (guembri). À travers dix morceaux finement ciselés, Our Calling est une ode sonore et narrative à la migration sous toutes ses formes : qu’elle soit végétale, telle une graine emportée par le vent, incarnée par des oiseaux, comme le rossignol migrant entre l’Afrique de l’Ouest et l’Europe au fil des saisons, ou humaine, à travers les siècles et les routes commerciales qui ont favorisé le partage des modes musicaux et des rythmes. Le dialogue entièrement acoustique des deux amis a été enregistré à Paris, côte à côte et en direct, en seulement cinq jours. Si l’album tire son originalité de sa profonde essence malienne, il est aussi subtilement imprégné de l’esprit propre à la chanson folk. Our Calling est ainsi presque exclusivement chanté en anglais, à une seule exception : Ninna Ninna, un morceau traditionnel du sud de l’Italie, qui rappelle les racines de Piers Faccini et montre une fois encore comment le duo sait rassembler différentes traditions musicales, sans qu’aucune ne prenne jamais l’ascendant sur les autres. C’est là sans doute le fruit de vingt ans d’amitié et de jeu : les chansons du duo créent une alchimie musicale qui unit et fusionne, tout en gardant les deux voix distinctes et les traditions intactes, suffisamment entières pour pouvoir dialoguer librement. De nombreux moments de l’album en témoignent, comme Shadows Are qui commence par un solo de kora envoûtant, joué dans un mode traditionnel mandingue, avant de se transformer miraculeusement en une chanson rappelant presque un standard de jazz, de ceux que chantait Chet Baker. Mais ces chansons, tout en rendant hommage à une époque ancienne de la musique et du chant, appartiennent fermement au XXIè siècle. La nature de ce dialogue constitue son originalité même : à aucun moment la kora ne se plie ni ne s’adapte pour trouver une place dans une forme de chanson occidentale, comme cela a souvent été le cas lors de l’âge d’or des fusions musicales dans les années 90 et 2000. Dès le début, la promesse du duo était claire : ici, la langue musicale devait commencer et se terminer avec les traditions et les modes mandingues. Les chansons, bien que chantées en anglais, suivent cette ligne directrice. Les...

Des roucoulades électriques italiennes (et espagnoles) à la transe malgache, sans transition ! (Rediffusion) Sophian Fanen propose sa sélection mensuelle de cinq nouveautés. En janvier 2025, les nommés sont : - Andrea Laszlo De Simone, Un momento migliore (Hamburger Records, 2024) - Soleá Morente, No temas nada (feat. Kiki Morente), tiré de l'album Mar en calma (Discos Probeticos, 2024) - Mauricio Flores, No Funcionó (Palm Street Music, 2024) - Ornella Vanoni, Sant'allegria (feat. Mahmood), tiré de l'album Diverse (BMG, 2024) - Empress of, Someone I Know, tiré de l'album Like Someone I Know : a Celebration of Margo Guryan (Sub Pop Records, 2024). Puis, nous recevons Loya dans la #Sessionlive pour la sortie de Blakaz Antandroy Blakaz Antandroy est un album innovant créé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry, composée du père Remanindry et de ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent leurs chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et ainsi soigner les villageois, éloignés de toute médecine moderne. L’origine de ce projet unique remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui demandait à Loya de concevoir un concert pour accompagner une exposition dédiée à Madagascar, en s’inspirant des archives sonores du musée. C’est ainsi que Loya découvre la musique de Remanindry et en tombe sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer ce musicien en personne, donnant lieu à une rencontre musicale d’une rare intensité. De cette alchimie est née l’idée de collaborer sur Blakaz Antandroy, un projet ambitieux qui marie la musique chamanique Antandroy à l’univers de la musique électronique. Remanindry, comme Loya, est né dans l’océan Indien. Tous les deux grandissent en fréquentant des cérémonies faisant appel aux esprits. Les sons, les odeurs et les couleurs intenses lors des cérémonies spirituelles imprègnent profondément tous leurs sens. Loya arrive en Europe et s’initie aux instruments électroniques qu’il va maîtriser plus tard. Remanindry commence son apprentissage de la musique Antandroy sous la direction éclairée de sa belle-mère, elle-même percussionniste et chanteuse dans les cérémonies. Ancien lutteur, il découvre sa voix puissante qui résonne dans sa carrure imposante. Il apprend le lokanga (violon malgache) et intègre tout le répertoire de sa famille. Il pratique les cérémonies dans tout le sud de Madagascar et décide d’habiter à Tuléar lorsque sa famille s’agrandit. Il fait la rencontre d’autres musiciens malgaches, notamment Régis Gizavo qui découvre tout son talent exceptionnel. Il a été aussi membre du groupe Ny Malegasy Orkestra qui a porté l’étendard de la chanson malgache à l’international. De son côté, Loya commence son apprentissage en devenant ingénieur informaticien. Il apprend à maîtriser les machines et en parallèle entame un parcours d’apprentissage dans les musiques classiques et le jazz. Autodidacte dans les musiques électroniques, il développe son propre processus pour retranscrire les musiques traditionnelles de l’océan Indien sur ses machines. Titres interprétés au grand studio - Koulé Live RFI - Be Sadia + Tokalava + Zilikala Ekarety, extraits de l’album - Kukulamp Live RFI. Line Up : Sébatien Lejeune alias Loya (machines). Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor et Camille Roch. ► Album Blakaz Antandroy (LZ Records 2024). Site internet - YouTube - Facebook

Quatrième Pyramide d’Égypte ou 7è colonne du temple romain de Jupiter à Baalbek : l’Égyptienne Oum Kalsoum et la Libanaise Fayrouz nourrissent toujours l’inconscient collectif arabe. Et la littérature. (Rediffusion) Avec Ysabel Saiah Baudis et Marjorie Bertin qui ont écrit respectivement sur Oum Kalsoum et Fayrouz. Notre 1 invitée est la journaliste Marjorie Bertin (qui travaille à RFI) pour la parution de « Fayrouz, Moi je chante l’humanité », aux éditions Orients. Elle est considérée comme la dernière légende vivante du monde arabe. « Ambassadrice du Liban à travers le monde », Fayrouz a enregistré plus de 800 chansons, sorti une cinquantaine d’albums et joué dans une vingtaine de films et de comédies musicales. Celle qui refusa de quitter son pays pendant la guerre civile libanaise incarne plus qu’aucune autre chanteuse un symbole de paix et d’espoir. Pourtant, on en sait peu sur elle, épouse d’Assi Rahbani, qui avec son frère Mansour révolutionna la musique libanaise du XXème siècle. Son fils Ziad, artiste engagé et enfant prodige de la scène libanaise, assurera le tournant jazz de la carrière de sa mère à partir de la fin des années 1970. Comment Fayrouz est-elle devenue la dernière icône révérée dans tout le monde arabe ? Pour la première fois, un livre en français retrace l’histoire de cette chanteuse légendaire. Titres joués : Atini el nay wa ghani (Donne-moi la flûte et chante) d’après Khalil Gibran Abbaytak belsaif (Je t’ai aimé l’été) Kifak inta (qui marque le tournant de sa musique avec son fils Ziad) Li Beyrouth (concerto d’Aranjuez et magnifique poème sur la ville, sorti pendant la guerre). ► Culture Prime Fayrouz ► « Fayrouz, Moi je chante l’humanité » chez Orients Puis nous recevons la journaliste et éditrice Ysabel Saiah Baudis, qui réédite « Oum Kalsoum, l’étoile de l’Orient » « Elle est toujours vivante ! », confie Ysabel Saïah Baudis. C’est la nature des génies, car cela fait 50 ans que la diva égyptienne est décédée (3 février 1975) et pourtant, on l’entend, on la voit, elle tagguée, reprise, commentée. Sa vie est digne des plus beaux contes orientaux : née pauvre, paysanne, fille d’un religieux, elle possède un don qu’elle cultivera grâce à sa farouche détermination. La chance aidant, elle rencontrera les plus grands poètes et musiciens qui l’accompagneront dans son ascension. Adulée de son vivant par le président de l’Égypte aussi bien que par l’homme du peuple, elle accompagnera toutes les luttes de liberté, d’instruction, d’ouverture et de progrès techniques du XXème siècle. Elle reste la Voix qui guide et réunit tout le monde arabe. À l’occasion des 50 ans de sa disparition, la Philharmonie de Paris propose une semaine spéciale avec concert hommage le 2 février. Extraits joués : Al Atlal, Weddad, 1 comédie musicale de la diva. ► Philharmonie de Paris du 30 janvier au 2 février ► IMA ► Olympia Paris 1967 ► Orients Éditions ► Culture Prime Oum.