Musiques du monde - Playlist "fete de la musique" et entretien avec Poirier Dj et producteur de Montreal

En amont de la saison France-Brésil 2025, la session live reçoit deux artistes de la diaspora brésilienne : Momo et Rio 77. Notre 1er invité est Momo pour la sortie de son 7e album Gira Londres compte un nouveau talent brésilien : Momo ! Il fait partie de la récente génération d’artistes influencés par les classiques brésiliens, du tropicalisme des années 70 à Os Mutantes, en passant pas Milton Nascimenton. L’album a été enregistré dans l’est de Londres au Total Refreshment Center, avec des musiciens brésiliens et anglais, issus de la foisonnante scène jazz londonienne. Après une odyssée musicale qui l’a mené de Rio de Janeiro à l’Angola, au Michigan, à l’Espagne et à Lisbonne, Momo vit à Londres depuis trois ans. Son premier album A Estética do Rabisco, sorti en 2006, est désigné comme l’un des meilleurs albums de l’année par le Chicago Reader et lui ouvre la voie. Ses fans s’appellent Patti Smith, David Byrne… Gira signifie bouger, c’est un album pour danser, donc enregistré dans les conditions du direct au Total Refreshment Center, un centre créatif qui est à la fois un espace de concert, un atelier d’artiste et un studio depuis sa création en 2012. Titres interprétés au grand studio P​á​ra (Feat. Jessica Lauren) Live RFI Rio, extrait de l’album Joao Live RFI Line Up : Marcelo Frota (voix, guitare acoustique), Caetano Malta (basse) Traduction : Eva Massy Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor, Camille Roch ► Album Gira (Batov Rd 2024) Site internet - YouTube - Facebook Puis nous recevons Rio 77 #SessionLive pour la sortie de l’EP Cultura e Civilização Rio 77 provient directement du Brésil et de la MPB, la Música Popular Brasileira. Un répertoire riche et immense dans lequel Rio 77, métissage de musiciens brésiliens, français et anglais, a puisé pour construire Cultura e Civilização. En ramenant en 2024 cette sélection 70s’, Rio 77 a laissé le curseur temporel à sa place, pour agir uniquement sur celui de l’esthétique. Funk et jazz sont au service de la chanteuse Paula Mirhan, de Thomas Renwick, guitariste de la scène jazz funk parisienne, du trompettiste Rubinho Antunes (Hermeto Pascoal, Marcos Valle, Milton Nascimiento, Gilberto Gil, Criollo), de Rui Barossi (Tom Zé). Le groupe Rio 77 est complété par deux soufflants parisiens, Matthieu Huteau et François Morin, le pianiste londonien Dave O'Brien et Mauro Martins, batteur brésilien qui accompagne régulièrement Toquinho et Tania Maria. Bref, c’est la classe décontractée d’un costume en lin par une chaude soirée carioca, toujours pieds nus pour danser sur le sable. Titres interprétés au grand studio Tantas Mães Live RFI Para Lennon e McCartney (Milton Nascimento), extrait de l’album Disse me Disse Live RFI Line Up : Paula ​​​​​​​Mirhan (chant), ​​​​​​​Rui Barossi (basse électrique), ​​​​​​​Thomas ​​​​​​​Renwick (guitare électrique), ​​​​​​​Dave O'Brien (claviers), ​​​​​​​Mauro Martins (batterie), ​​​​​​​Rubinho ​​​​​​​Antunes (trompette), ​​​​​​​François Morin (trombone) et ​​​​​​​Matthieu Huteau (saxophone). Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset. ► EP ​​​​​​​Cultura e Civilização (Cie Mamaya 2024) Site internet - YouTube Opéra Lyon 2024 - ​​​​​​​Facebook

Des roucoulades électriques italiennes (et espagnoles) à la transe malgache, sans transition ! Sophian Fanen propose sa sélection mensuelles de cinq nouveautés. En janvier 2025, les nommés sont : Andrea Laszlo De Simone, Un momento migliore (Hamburger Records, 2024) Soleá Morente, No temas nada (feat. Kiki Morente), tiré de l'album Mar en calma (Discos Probeticos, 2024) Mauricio Flores, No Funcionó (Palm Street Music, 2024) Ornella Vanoni, Sant'allegria (feat. Mahmood), tiré de l'album Diverse (BMG, 2024) Empress of, Someone I Know, tiré de l'album Like Someone I Know : a Celebration of Margo Guryan (Sub Pop Records, 2024) Puis, nous recevons Loya dans la #Sessionlive pour la sortie de Blakaz Antandroy Blakaz Antandroy est un album innovant créé par Loya en collaboration avec la famille Remanindry, composée du père Remanindry et de ses enfants, Samba, Nindry, Isabelle et Adeline. Issus du peuple Antandroy, une communauté chamanique du sud de Madagascar, ces artistes utilisent leurs chants et instruments traditionnels pour invoquer les esprits « Kukulamp » et ainsi soigner les villageois, éloignés de toute médecine moderne. L’origine de ce projet unique remonte à une commande du Musée du quai Branly – Jacques Chirac, qui demandait à Loya de concevoir un concert pour accompagner une exposition dédiée à Madagascar, en s’inspirant des archives sonores du musée. C’est ainsi que Loya découvre la musique de Remanindry et en tombe sous le charme. En 2019, il se rend à Tuléar pour rencontrer ce musicien en personne, donnant lieu à une rencontre musicale d’une rare intensité. De cette alchimie est née l’idée de collaborer sur Blakaz Antandroy, un projet ambitieux qui marie la musique chamanique Antandroy à l’univers de la musique électronique. Remanindry, comme Loya, est né dans l’océan Indien. Tous les deux grandissent en fréquentant des cérémonies faisant appel aux esprits. Les sons, les odeurs et les couleurs intenses lors des cérémonies spirituelles imprègnent profondément tous leurs sens. Loya arrive en Europe et s’initie aux instruments électroniques qu’il va maîtriser plus tard. Remanindry commence son apprentissage de la musique Antandroy sous la direction éclairée de sa belle-mère, elle-même percussionniste et chanteuse dans les cérémonies. Ancien lutteur, il découvre sa voix puissante qui résonne dans sa carrure imposante. Il apprend le lokanga (violon malgache) et intègre tout le répertoire de sa famille. Il pratique les cérémonies dans tout le sud de Madagascar et décide d’habiter à Tuléar lorsque sa famille s’agrandit. Il fait la rencontre d’autres musiciens malgaches, notamment Régis Gizavo qui découvre tout son talent exceptionnel. Il a été aussi membre du groupe Ny Malegasy Orkestra qui a porté l’étendard de la chanson malgache à l’international. De son côté, Loya commence son apprentissage en devenant ingénieur informaticien. Il apprend à maîtriser les machines et en parallèle entame un parcours d’apprentissage dans les musiques classiques et le jazz. Autodidacte dans les musiques électroniques, il développe son propre processus pour retranscrire les musiques traditionnelles de l’océan Indien sur ses machines. Titres interprétés au grand studio Koulé Live RFI Be Sadia + Tokalava + Zilikala Ekarety, extraits de l’album Kukulamp Live RFI Line Up : Sébatien Lejeune alias Loya (machines) Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor et Camille Roch ► Album Blakaz Antandroy (LZ Records 2024) Site internet - YouTube - Facebook

Du blues burkinabè de Soba à l’afro-latin tropical d’Ayom. (Rediffusion) Nos 1ers invités : le trio Soba pour la sortie du 1er album Fiman Formé par le chanteur-guitariste Moussa Koita, l’harmoniciste Vincent Bucher et le batteur Émile Biayenda, Soba renoue les liens entre la chanson mandingue et le blues du Mississippi. Soit un afro-blues aussi rustique que lumineux, au moyen duquel le trio explore les recoins de l’âme humaine. Pour remonter aux racines du blues, il faut rejoindre le Mississippi depuis Chicago, naviguer vers le Sud jusqu’à la Nouvelle-Orléans via Memphis, puis embarquer pour les Caraïbes et finalement traverser l’Atlantique jusqu’aux rivages d’Afrique de l’Ouest depuis lesquels le rhizome se ramifie via les fleuves Niger et Congo. On peut lire Le pays où naquit le blues, d’Alan Lomax, ou regarder «Du Mali au Mississippi : Feel Like Going Home», de Martin Scorsese. On peut se plonger dans les enregistrements historiques, du pionnier américain W. C. Handy jusqu’au maître malien Ali Farka Touré. Pour tout comprendre des voyages qui forment l’éternelle jeunesse du blues, on peut enfin écouter un album lumineux grâce auquel tout s’éclaire : Fiman, du trio franco-burkinabè Soba. Soba désigne «la grande maison» en dioula, le parler mandingue notamment pratiqué au Burkina Faso. Foyer des retrouvailles amicales et des complicités musicales, Soba est le toit sous lequel se rencontrent Moussa Koita, Vincent Bucher et Émile Biayenda. La formation s’est échafaudée au fil des six dernières années, depuis que ses membres ont fait connaissance dans les projets des autres, jusqu’à vouloir ériger leur groupe sur les fondations du blues qu’ils ont en commun. Entre Moussa Koita et Vincent Bucher, la collaboration s’est ainsi nouée dans le groupe d’Abou Diarra, le maître malien du kamele n’goni qui creuse la source du blues mandingue. L’intuition s’est vite confirmée qu’ils étaient faits pour jouer ensemble. Guitariste et chanteur burkinabè, né dans une famille de griots de Bobo-Dioulasso, Moussa Koita a écumé l’underground parisien où sa réputation est élogieuse dans les domaines des musiques traditionnelles ouest-africaines, du reggae et de la soul, en plus de travailler avec le groupe Rivière noire et la chanteuse Kady Diarra. De vingt-deux ans son aîné, l’harmoniciste Vincent Bucher s’est d’abord passionné pour le blues originel. Immergé dans la « sono mondiale » parisienne du début des années 1980, puis complice de CharlElie Couture, Bill Deraime, Patrick Verbecke et du Heritage Blues Orchestra nommé aux Grammy Awards en 2013, il a noué des compagnonnages fructueux avec le polyinstrumentiste franco-malgache Tao Ravao et l’éminent guitariste malien Boubacar Traoré. À l’époque où les deux musiciens épaulent Abou Diarra, Moussa Koita développe déjà, avec une créativité prolixe, ses propres projets de chanson mandingue contemporaine sur lesquels Vincent Bucher pose parfois des parties d’harmonica. L’idée germe bientôt de jeter un pont avec le blues mississippien, dans son essence la plus rustique. Le duo vérifie rapidement que la connexion fonctionne. Pour bien faire, il ne manque plus qu’un batteur-percussionniste qui indiquerait la rythmique inhérente au genre. Musicien parmi les plus prisés de la diaspora subsaharienne, explorateur des hybridations entre le jazz et les rituels ancestraux, au point de s’immerger pendant six mois avec les pygmées Mbenga, Émile Biayenda est tout indiqué. Après avoir côtoyé Vincent Bucher avec Tao Ravao et les Tambours de Brazza, il a fait la connaissance de Moussa Koita dans le groupe de Sam Mangwana, légende de la rumba congolaise. Moussa, Vincent, Émile : les astres sont alignés. Le trio est né. Titres interprétés au grand studio - Fiman Live RFI - Horonke, extrait de l’album - Tounga Live RFI Line Up : Moussa Koita (chant, guitare), Vincent Bucher (harmonica) et Emile Biayenda (batterie, cajon). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant et Camille Roch ► Album Fiman (MDC/Pias Integral...

Afropop, zouk et yole traditionnel de Guinée et écriture automatique. (Rediffusion) Notre 1er invité est Olivier Conan pour son nouveau projet Combo Daguerre. Basé à New York, Combo Daguerre est le nouveau projet d’Olivier Conan qui, après avoir passé plus d’une décennie immergé dans le monde de la cumbia psychédélique avec son groupe Chicha Libre, a maintenant mis au point un répertoire original de thèmes francophones joué en mode psychédélique. Le groupe est composé de musiciens latins établis à Brooklyn, et les influences multiples comprennent le boléro, la cumbia, le rock 60’s ainsi que d’évidentes influences gainsbouriennes et surréalistes. Chicha Libre est devenu un groupe culte en Amérique du Sud et au Mexique et Combo Daguerre est un peu l’héritier francophone d’un projet qui n’aurait pu naître qu’à New York où les frontières culturelles et linguistiques sont fluides et les influences pan-latines débordent sur tous les mondes musicaux : du rock, au hip-hop - et maintenant la chanson. Les thèmes à la fois joyeux et sérieux sont ceux de l'exil, de la nostalgie déplacée et d'une langue frelatée par la distance. Le dessin qui illustre la pochette tire son inspiration des têtes de cheval des boucheries chevalines parisiennes. Un symbole bicéphale qui représenterait un empire disparu ? Après 30 ans passés à Brooklyn, terre peu sainte où le français n’existe que dans des formes créolisées, mon français boite des deux jambes. Ma nostalgie se nourrit d’une langue et de souvenirs tous les deux reconstitués. Je ne contrôle ni la grammaire, ni le lexique, ni même la chronologie. Les images de mon enfance parisienne sont maculées, mâtinées d’images de mes aïeux, de photos de classe et de cartes postales d’une autre époque. Mes souvenirs pourraient être ceux d’un autre. Je, bien sûr, pourrait être un autre. Le Paris où je crois avoir grandi est peut-être bien celui de Rivette et de Truffaut. En tout cas, je crois le reconnaitre dans le Daguerréotypes de Varda (parce que j’ai été un enfant du 14ème), voire dans Les Maléfices de Jacques Yonnet ou Les Nuits de Paris de Restif de la Bretonne. Les paroles de Combo Daguerre sont placées sous le signe de Fracassines - une chanson écrite Dieu sait quand et Dieu sait comment, et qui est apparue - comme une vierge chrétienne - sans prévenir. Génération spontanée, écriture automatique. Le reste de l’album est parsemé de bribes inconsciemment glanées au hit-parade de la poésie française parce qu’après trente ans d’absence, tout ce qui demeure de cette culture enfouie, c’est une eau polluée dans laquelle flottent les scories d’une culture française élémentaire. Fracassines est un travail automatique avec peu d’interventions conscientes. Olivier Conan. Titres joués Fracassines Paroles trouvées sur mon écran d’ordinateur sans souvenir de les avoir écrites. Qu’elles ne signifient pas grand-chose est presque rassurant. 88 rue Daguerre Cumbia Instrumentale du guitariste péruvien Felipe Wurst. 88 rue Daguerre est l’adresse d’Agnès Varda. Daguerre Paris Le Petit Bossu Chanson du XVIème siècle. La version qu’Yvonne George chantait dans les années 20 était en fait une icône de l’élite littéraire de l’époque. Amie de Cocteau (qui ne l’était pas ?) et de sa coterie. Desnos tombe amoureux d’elle et lui dédie son A la Mysterieuse (j’ai tant rêvé de toi..) et en fait l’héroïne de son roman «Le vin est tiré». Yvonne George n’est pas convaincue. Elle préfère les femmes, et l’opium. Elle meurt à 33 ans, comme une rock star. ► Album Fracassines (Barbès Rd 2024). Site Combo Daguerre - facebook - Barbès Records bandcamp. Puis nous recevons Abdoulaye Kouyaté dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Fefanyi – Le Bienfaiteur. Après des années passées à sublimer les musiques des artistes qu'il accompagne par son jeu de guitare et la douceur de sa Kora (Ba Cissoko, Mariama, Jain et Gabi Hartmann entre autres), Abdoulaye Kouyaté met son énergie créatrice dans un projet personnel qui rassemble...

Jacky iDO a les mots dans la peau, au point qu’on aime imaginer que ce généreux sourire, si souvent accroché à ses lèvres, est là pour leur dérouler le plus beau des tapis rouges : un peu comme dans un conte, sa bouche libère les mots pour leur donner mille tournures. Les cadencer, les faire claquer, les amarrer à l’âme, aux bleus, au cœur, leur faire prendre des sens interdits, les faire rougir et les conjuguer dans plusieurs langues, au pluriel, Jacky iDO a fait du verbe le concert de sa vie. De l’Afrique à l’Amérique en passant par l’Europe, il les a élus guide pour relier les trois points cardinaux de son histoire et de son territoire. Devant une caméra ou derrière un micro, le langage chez lui est tension. Tension vers lui-même pour mieux tendre vers l’autre. Parallèlement à sa carrière d’acteur internationale au cinéma (avec Quentin Tarantino, Claude Lelouch, Luc Besson...) et au théâtre (Bérénice, Phèdre, mis en scène par Muriel Mayette-Holtz), il revient à ses premières amours : le slam et la musique. En 2023, il remonte la scène Slamaleikoum, créée début des années 2000 avec Grand Corps Malade et qu'il anime aujourd’hui une fois par mois au 360 Paris Music Factory. Dans ce chorus de voix, Jacky iDO affûte aussi la sienne et enregistre en 2023 son premier album, coréalisé avec Cyril Giroux, aux studios Ferber à Paris et ICP à Bruxelles (sortie automne 2024). Caisse de résonance de son triangle identitaire, cet album retrace l’itinéraire d’une vie tournée vers la nôtre. Ses fulgurances, ses combats, ses espoirs se font l’écho de nos parcours. Jacky iDO slame, rappe et chante en français, anglais et moré. Des cordes classiques à celles d’un n’goni ou d’un ukulélé, d’un beat hip-hop à un groove chaloupé, il nous embarque avec ses musiciens Les Choco’Latés dans le labyrinthe d’une musique ouverte aux vents des mots et des rêves. Titres interprétés au grand studio : - Slamaleikoum, Live RFI - La Cause, extrait de l’album Ouaga Doux Goût, Live RFI Line Up : Jacky iDO, chant, Jean-Charles Acquaviva, piano, Frédérique Alié, chant, Clément Febvre, batterie, Guimba Kouyaté, guitare, Sébastien Moreau, piano, Simon Renard, guitare & Frédérique Briard. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant ► Album iDO donc je suis (BROOKLYNAFASO 2024). Site internet - Instagram - Facebook + Playlist autour de James Baldwin, à l’occasion de son centenaire. - Meshell Ndegeocello Travel, tiré de l’album No More Water, The Gospel of James Baldwin (Blue Note Rd 2024) - Nina Simone Four Women - James Baldwin & David Linx A Lover’s Question Site internet Meshell Ndegeocello Réalisation : Donatien Cahu (Rediffusion)

De l’afrobeat japonais, de la pop ouzbèke oubliée, des BOF transmusicales, en piste ! Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen propose une playlist de 5 titres. (Rediffusion) Playlist - Adriana Paz & Mexican Choir, Las Damas que Pasan, tiré de la «Bande originale du film Emilia Pérez» (Why Not / Masterworks, 2024) - Panda Bear & Sonic Boom, Viviendo en las sequelas (Mariachi 2000 de Cutberto Perez Version), tiré du EP Reset Mariachi (Domino Recording, 2024) - Angelina Petrosova, Tantsuyushchiy Ostrov (Dancing Island), tiré de la compilation «Synthesizing the Silk Roads: Uzbek Disco, Tajik Folktronica, Uyghur Rock & Tatar Jazz from 1980s Soviet Central Asia» (Ostinato Records, 2024) - Kyrylo Stetsenko, Play, the Violin, Play (feat. Tetiana Kocherhina), tiré de la compilation «Even the Forest Hums: Ukrainian Sonic Archives 1971-1996» (Light in the Attic, 2024) - Kit Sebastian, Metropolis, tiré de l'album New Internationale (Brainfeeder, 2024). Puis nous recevons le groupe japonais Ajate pour la sortie de l’album Dala Toni. AJATE sort son 3ème album DALA TONI sur le label 180g. Dala Toni d'AJATE est un album qui célèbre la puissance de la connexion humaine, soulignant que nous sommes plus forts ensemble. Il nous invite à transcender les distances, à partager la beauté du quotidien et à enrichir nos vies mutuellement. Cet opus mêle émotions, joie et résilience, chaque chanson étant une exploration des profondeurs de l'âme humaine. À travers sa musique poignante, AJATE nous rappelle que nous ne sommes jamais seuls, offrant une expérience immersive de réconfort et d'inspiration. DALA TONI est une invitation à découvrir la magie de l'union humaine, promettant un voyage où l'amour et la force s'harmonisent. Le musicien japonais « John » Imaeda, lors d’un séjour en Afrique de l’Ouest, est un jour pris de stupéfaction par les similarités qu’il ressent entre l’afrobeat qui résonne dans les rues d’Accra et les sonorités du «Ohayashi» , les musiques jouées lors des fêtes ancestrales japonaises – les fameuses «Matsuri» - auxquelles John participe depuis son enfance. A son retour dans l’archipel en 2009, il crée le groupe AJATE, collectif de 10 musiciens passionnés. Leur son unique passe d’un monde à l’autre, joue des rythmes et des mélodies pour créer une musique unique aux racines entremêlées. Aux tambours, aux flûtes et aux cloches, viennent se joindre de curieux instruments faits main par John lui-même avec le matériau incontournable des campagnes japonaises : le bambou. Le « Jaate », xylophone-balafon doté de capteurs piézoélectriques sur chacune de ses touches et au son amplifié, ou le « Piechiku » version bambou du « Ngoni » malien ou du « Guembri » gnawa, équipé de cordes de shamisen et connecté à un arsenal de pédales guitare, donnent a AJATE une sonorité unique. Des chants féminins et masculins japonais puissants et entraînants comme jamais apportent la touche finale d’un groove extraordinaire et novateur, ou Afrobeat et musique Japonaise traditionnelle sont comme un poisson dans l’eau. Titres interprétés au grand studio - Nagi Yoni Live RFI - Iduchihemo, extrait de l’album - Waya Yawa Live RFI Line Up : Junichiro «John» IMAEDA, Piechiku (guitare en bambou), vocal chorus, Yukio «Gen» SATO, vocal, chorus take (cylindre en bambou) NORIKO «Nyori» OTA, jaate (xylophone en bambou), Takako UCHIDA «Peppermint U», vocal, chorus, tamasudare (bamboo toy, traditional busking Japan), Kazuki «Cho-san» CHONAN, Shinobue (flûte japonaise en bambou), Keigo «Shin-san» YAMADA, Shime-taiko (Japanese trad high-pitched drum), Yugo AKAMATSU, Kane (jap trad metal percussion), Masaho «Doncic» TAMURA, Ohdo (jap trad low-pitched drum), Tomohiko «Kick-Rin» KIKUCHI, basse, Kenta Takeda, guitare + traduction japonais / français Gregory Gouty. Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor ► Album Dala Toni (180g 2024) Réalisation : Donatien Cahu Site - Chaîne YouTube - Facebook

Des rives du Rio de la Plata, pour un tango brut de décoffrage aux paysages amazoniens dessinés par Nana Vasconcelos #SessionLive. (Rediffusion) Viva Nana est un hommage vibrant et spirituel au percussionniste brésilien Nanà Vasconcelos, par les sourciers Fred Soul et Zé Luis Nascimento. Originaire de Recife, le percussionniste Naná Vasconcelos, décédé en 2016, a laissé une empreinte exceptionnelle et pleine de grâce sur le monde de la musique ; il a collaboré avec Gilberto Gil, Gal Costa, Don Cherry, Talking Heads, Arto Lindsay, Pierre Barouh, Pina Bausch, Art Blakey, Gato Barbieri, Pat Metheny ou encore Egberto Gismonti. Fred Soul et Zé Luis Nascimento sont les invités de choix de l’orchestre des sons, de la magie du son vivant et vibrant dont Naná Vasconcelos aimait les cheminements, les sentiers secrets, l’éblouissement. Ces deux musiciens inventifs et libres rendent hommage à ce maître incontesté des percussions qui puisait inlassablement dans la nature et dans les éléments, les nutriments de la musique. Sourciers, Fred Soul et Zé Luis Nascimento explorent, comme le fit Nana Vasconcelos au fil des ans, le champ d’improvisation pour faire jaillir ce que les sons mêlés, pour qui prête attention, révèlent de la pulsation de la vie. Éole s’enroule, chante et gémit dans la corde du berimbau ; les mains font gronder le tonnerre en « batucant » les cordes du piano. Des caxixis naissent un bruissement de branchage, le clapotis de l’eau, le cliquetis subtil des graines et des fragments de coquilles répondant à la mélodie forte de syncrétisme et d’inspirations multiples. Créateurs de passerelles musicales et percussives qui vont de l’Afrique au Brésil, du Brésil à l’Occident, Fred Soul et Zé Luis Nascimento puisent dans l’océan sonore de Naná Vasconcelos, une inspiration sans cesse renouvelée, tel ce « vent appelant le vent » dont on ne sait pas d’où il vient ni où il va, mais qui porte en lui une mémoire ancestrale du chant du Monde qui jamais ne finit. Zé Luis Nascimento Percussionniste brésilien virtuose, originaire de Salvador de Bahia. Soliste et assistant à la direction musicale, il enchaîne les tournées mondiales avec le ballet folklorique de Bahia, au sein duquel il a été formé. Arrivé en France en 1996, il s'ouvre aux styles des percussions orientales et occidentales et élabore alors un vocabulaire rythmique profondément original, mêlant des instruments très variés, qu'il rassemble dans un discours musical d'une grande cohérence. Sur scène ou en studio, il collabore avec des artistes comme : Titi Robin, Mayra Andrade, Ayo, Cesária Évora, Al Di Meola, Sixun, Tania Maria, Lokua Kanza, Oumou Sangaré, Tété, Souad Massi, Vladimir Cosma, Michel Legrand, Jacques Morelenbaum, Georges Moustaki, entre autres. Il dit avant tout « vouloir servir la musique ». Inspiré, élégant et puissant, tel se définit l'univers musical de Zé Luis Nascimento. Fred Soul Fred Soul a grandi en France au sein d’une famille de peintres et de musiciens. Initié à la musique dès l’âge de 5 ans, il évolue sur scène aux côtés de son père. Partagé entre cultures et instruments. La musique classique européenne pour le piano et les traditions de l’Orient pour les percussions. Son travail de compositeur et d’improvisateur se dirige vers la création d'un chemin entre le passé et le présent, l’Occident et l’Orient. Poly-instrumentiste virtuose et rythmicien hors pair, Fred Soul a le don et le secret de nous faire partager les poésies de son monde intérieur. Ses collaborations sont nombreuses : Sekouba Bambino, Julia Sarr, Nguyên Lê, Alune Wade, l'Orchestre national de Montpellier, Moriba Koïta, Sylvain Barou, Mayra Andrade, Manu Dibango, Boy Gé Mendes, Papa Wemba, Aziz Sahmaoui. Titres interprétés au grand studio - Viva Nana Live RFI clip - Odara Xire, extrait de l’album - Continuum Live RFI Line Up : Fred Soul, piano, Ze Luis Nascimento, percussions Son : Benoît Letirant, Jérémie Besset ► Album Viva Nana (L’Autre Distribution 2024) Site internet...

Jazz manouche revisité par Baptiste Herbin et sélection d’hiver de Sophian Fanen. Chaque mois, le critique musical Sophian Fanen chronique cinq nouveautés. En décembre, il sélectionne les oubliés de 2024 (ceux qu’on n’a pas eu le temps de diffuser). Le cours de rattrapage invite : Charli XCX, 360 Remix (Feat. Robyn et Yung Lean), tiré de l' album Brat and it’s Completely Different but Also Still Brat (Atlantic Recording, 2024) Meryl, Zoukamine Freestyle, single (Maison caviar, 2024) Tiakola, Manon B Brazilian Remix (Feat Ryflo, Oskoow, MC Cebezinho), tiré de l'album BDLM vol. 1 (M3lo/Warner Music, 2024) Billie Eilish, Chihiro, tiré de l'album Hit me Hard and Soft (Darkroom/Interscope Records, 2024) Nala Sinephro, Continuum 1, tiré de l'album Endlessness (Warp Records, 2024) Puis la #SessionLive reçoit le Baptiste Herpin Trio pour la sortie de l’album Django ! Prix Django Reinhardt et élu meilleur musicien de l’année 2019 par l’Académie du Jazz, Baptiste Herbin est un musicien international, qui a réalisé cinq albums sous son nom, travaillé avec les plus grands, tourné avec Aznavour en 2014. Voici la note d’intention de Daniel Yvinec : la préparation de ce disque fut d’une rare fluidité. Nous avons imaginé mille façons d'évoquer Django Reinhardt, à travers son époque, ses compositions, ses solos et dans les yeux de ceux qui lui ont rendu hommage. Chaque idée et chaque suggestion offertes à Baptiste furent couronnées de ripostes vives et stimulantes, comme si, peu à peu, le langage du génial manouche semblait épouser le sien, naturel, habité et jaillissant. Restait à la musique le soin de trouver sa place. Lors de deux journées intenses d’enregistrement, nous avons capté une quinzaine de titres et pris le temps d’en creuser chaque version, allant parfois jusqu’à six ou sept prises. À chaque nouvel essai, s’affinait le son (le laisser naître, ne jamais le forcer...), et se définissaient l'espace et les reliefs : les fulgurances seraient mises en valeur par les silences qu’on leur opposait. Django ! met en phase trois artistes d’exception. Jamais axés sur eux-mêmes, ils font en sorte, par une abnégation engagée et un impressionnant lâcher-prise, que le tout soit supérieur à la somme des parties. De Sylvain Romano émane un son de contrebasse profond et une clarté harmonique qui naturellement imposent l’essentiel. Avec André Ceccarelli (sur l’album, pas dans la session live, NDLC), c’est une signature incomparable, une vivacité folle et surtout un cœur énorme, qui s’offre tout entier à la musique. Ainsi, dans la nudité du trio, rien ne manque et tout se montre limpide. Baptiste Herbin se révèle d’une exceptionnelle profondeur. Son incomparable virtuosité fait place à une expression libérée de toute volonté qui révèle, tel un diamant brut, l’essence de la musique. Nous redécouvrons alors, ébahis, l'œuvre de Django sous une nouvelle incarnation authentique, collective et continuellement stimulante. Baptiste Herbin, sous son égide, devient lui-même un maître et s’envole vers des sommets d’inspiration fréquentés par les plus grands. Django ! nous révèle ainsi un artiste au sommet de son art, et célèbre la naissance d’un trio d’exception. Titres interprétés au grand studio - Night & Day Live RFI - Choro Django, extrait de l’album - Nuages / Valse de Wasso / Montagne Sainte-Geneviève Live RFI. Line up : Baptiste Herbin (saxophone alto), Sylvain Romano (contrebasse), Matthieu Chazarenc (batterie). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant, Camille Roch ► Album Django ! (Matrisse Prod. 2024) Site internet - EPK Baptiste Herbin Trio, Django ! - YouTube

#SessionLive x 2 avec l’auteure, interprète, compositrice réunionnaise Ann O’Aro & la harpiste, chanteuse et cheffe de chœur Sophye Soliveau. (Rediffusion) Notre 1 invitée est Ann O’Aro pour la sortie de son 3 album Bleu #SessionLive Après le premier album éponyme (Ann O’Aro), un album tournant autour de l’intime et des violences familiales, et le second (Longoz), qui propulse son trio (Teddy Doris au trombone, Bino Waro aux percussions), voici BLEU, troisième opus de la Réunionnaise Ann O’Aro. qui joue ici du piano pour accompagner son chant. Le maloya de l’île de La Réunion respire toujours hors des sentiers battus avec l’arrivée de Brice Nauroy, un quatrième musicien qui embarque le son avec ses « machines ». Pour Ann O’Aro : « Le quartet esquisse des ports, sacs de riz sur les ponts, cancrelats et corsaires pris dans des estampes où le sang est laissé à sa seule qualité de fluide. Ostinato et bourdons sous le chant perçant la brume et les ressacs d’une mer fielleuse, relents pianistiques couleur boîte à musique, trombone stridulant, éclats de tôle et cris du fer bouillant le long du staccato continu du pikér, commérages de bord de nuit et temps de latence, harmonie révocable et restituée. Paysages grignotés par la fièvre du néant, nostalgie de l'enfance bleue arguant le branchage sec des arbres de la terreur dans la ouate blanche. » Titres interprétés au grand studio - Lanbordaz Live RFI - Bouyon Lo Rosh, extrait Bleu - Vane Lo Sor, extrait Bleu - Lak Otab, Live RFI. Line Up : Ann O’Aro : chant, piano, Teddy Doris : trombone, chœur, Bino Waro : percussions et Brice Nauroy : machines. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Bleu (Cobalt 2024). Réalisation : Donatien Cahu. Puis nous recevons la harpiste et chanteuse Sophye Soliveau pour la sortie de son 1 album Initiation #SessionLive. Sophye Soliveau est chanteuse, harpiste et cheffe de chœur, d’origine guadeloupéenne. Son amour des musiques afro-américaines, du R'n'b à la soul, en passant par le gospel, a pris racine dès son enfance, et elle a approfondi ses compétences en suivant un enseignement classique. Du détournement qui nourrit ses improvisations, la recherche de guérisons et l'apprentissage de la liberté, naît INITIATION, son premier album. La fougueuse célébration d'un R'n'b voluptueux. INITIATION se caractérise par son orchestration épurée. Les cordes vocales de Sophye et celles de sa harpe s’unissent, s’élèvent sur fond de chœurs aériens et d’une rythmique basse-batterie au groove précieux et subtil venant magnifier un répertoire original aux inspirations profondément soul. Après un concert complet au festival Banlieues Bleues, la release party prévue le 26 avril 2024 à la Boule Noire est déjà complète ! Elle sera en tournée cette année dans toute la France. Titres interprétés au grand studio - Leave Live RFI voir le clip - Extraits Alice Coltrane & Dorothy Ashby - Can’t Sleep, extrait de Bleu voir le clip - Simple Pleasures Live RFI. Line up : Sophye Soliveau : harpe et voix, Eric Turpaud : basse et chœurs, Florian Mensah : batterie et chœurs. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Initiation (Why We Sing 2024).

La soul est américaine, comme Wolfgang Valbrun et Michelle David. Démonstration dans cette double #SessionLive ! (Rediffusion) Notre 1 invité est Wolfgang Valbrun. Il est invité dans la #SessionLive pour la sortie de l’album Flawed By Design. Wolfgang Valbrun est un auteur-compositeur-interprète né et élevé dans l'État de New York, dont la carrière musicale s'est épanouie en Europe, notamment à Paris où il s'est installé à l'adolescence. Sa mère lui a donné une éducation musicale précoce qui couvre un large spectre, de Bob Marley à Bobby McFerrin, de Billy Joel à Elton John et de Charles Aznavour à Grace Jones, le tout infusé d'une touche de Kompa, la saveur musicale haïtienne qui a influencé de nombreuses scènes musicales caribéennes. Les premières années de Wolf ont été marquées par des périodes tumultueuses, car il déménageait régulièrement entre différents pays en raison de la séparation de ses parents. C'est lorsqu'il s'est installé à Paris que sa vie a pris un tournant décisif. La transition vers une nouvelle culture et un nouvel environnement a exigé une transformation complète, laissant derrière lui les repères familiers qu'il avait connus auparavant. Guidé par des cousins plus âgés, il s'éloigne du rock américain qui définissait ses goûts et s'immerge dans le monde de la soul, du jazz, du hip-hop et de la musique brésilienne. Des artistes comme Erykah Badu, The Roots, Seu Jorge et Gilberto Gil ont marqué son parcours musical. Les horizons de Wolfgang se sont élargis pour embrasser une riche diversité de genres, laissant une empreinte indélébile sur sa jeune âme d'artiste. À la fin de ses études secondaires, Wolfgang cherche à changer d'air. Il passe une année au Venezuela où la salsa, le merengue, la cumbia et le calypso charment et forment ses sens musicaux. De retour au pays, il auditionne pour rejoindre le groupe de funk parisien « Marvellous », où il rencontre Thierry Lemaitre, avec qui il écrit et joue depuis lors. Wolfgang a ensuite rencontré ses futurs collègues James Graham et Adam Holgate en jouant avec Marvellous aux côtés du groupe britannique de soul The Tastemakers. Par un coup du sort, Hillman Mondegreen, leader du groupe The Tastemakers, a proposé à Wolfgang de rejoindre son nouveau projet ephemerals en tant que chanteur et Wolf a saisi sa chance de montrer son talent à un public international. Le premier album des Ephemerals, Nothin Is Easy, est un classique de la soul avec une touche de modernité, les chansons de Mondegreen étant un véhicule parfait pour la voix distinctive de Wolf, qui apporte un élément-clé d'émotion et de puissance à la musique du groupe. Titres interprétés au grand studio : - Where Is The Peace Live RFI - Paris, extrait du CD - Sun Don’t Shine Live RFI. Line Up : Wolfgang Valbrun (Lead Vocal), Adam Holgate (Guitar), Thierry Lemaitre (Sax), James Graham (Keys), Charlie Fitzgerald (Bass), Rhi Williams (Drums) et Damian McLean- Brown (Trumpet). Son : Benoît Letirant, Jérémie Besset. ► Album Flawed By Design (Jalapeno Rd 2024). YouTube - Web - Facebook - instagram Puis la #SessionLive reçoit Michelle David & The True-Tones pour la sortie de l’album Brothers & Sisters. Élevée à New York dans une église, Michelle David a commencé à chanter à l'âge de quatre ans et a rejoint son premier groupe, The Mission of Love, un an plus tard. Au cours de sa carrière, elle a parcouru le monde avec la comédie musicale de Broadway Mama, contribué à des pièces de théâtre à succès tels que The Sound of Motown, Glory of Gospel et Mahalia, et enregistré pour des artistes tels que Diana Ross et Michael Bolton. Tout cela s'est produit avant la sortie de six albums de gospel acclamés par la critique avec les True-Tones. Avec leurs grooves entraînants, leurs voix puissantes et leurs mélodies fortes, Michelle David & The True-Tones ont déjà conquis de nombreux festivals et de nombreux clubs. Avec le nouvel album du groupe, Brothers & Sisters, première sortie sous Record Kicks, Michelle...

Nos premiers invités de la #SessionLive sont le BIM ! Positive Vodoun est le 2ème album du Bénin International Musical, alias BIM. C’est un groupe unique qui redonne au rock et au rap leurs origines vodoun. Le BIM rend hommage à la musique des ancêtres du Dahomey. Elle se reflète aussi bien dans les cérémonies traditionnelles que dans les clubs de Cotonou, en passant par les églises évangéliques et les couvents où sont convoquées les divinités vaudou. Titres interprétés dans le grand studio - Louange Vodoun Live RFI RFI Vidéos - Abobo, extrait de l’album - Gbali Live RFI RFI Vidéos. Vidéo : Benin International Musical en live dans Musiques du monde. Line Up : Jimmy Belah (chant, batterie, guitare acoustique), Yaovi Emmanuel Atcho (guitare électrique, chant), Emile Totin (percussions), Brigitte Kiti (chant, rap) et Babatounde Boni Obinti (basse, chant). Son : Mathias Taylor, Jérémie Besset, Camille Roch. ► Album Positive Vodoun (World Tour Rd 2024). Site - YouTube. À Lire sur RFI Musique. Puis nous recevons le quartet L’Étrangleuse dans la #SessionLive, pour la sortie de l’album Ambiance Argile. L’Étrangleuse, ce sont deux filles et deux garçons qui jouent une forme non définie de rock minimaliste et de chanson libre à quatre voix, amplifiant le dialogue entre une harpe à pédale en érable moucheté et un djéli n’goni en peau de chèvre, sur les grooves archaïques d’un basse-batterie bardé de colifichets. Grincements d’archet et matières coincées dans les cordes, saturation et percussion d’objets incongrus, tourneries fiévreuses et chœurs psychédéliques sont les agréments de cette transe tout en nuances. Traquant inlassablement la magie du presque rien, voilà 15 ans que L’Étrangleuse compose la bande son modale et hors modes d’un long rêve éveillé, puisant son inspiration dans les airs traditionnels d’un pays qui n’existe pas. Le duo originel, formé par Mélanie Virot, harpiste classique habituée à promener son imposant instrument loin de ses contextes habituels et non amplifiés, croisant danse contemporaine et musiques improvisées, et Maël Salètes, vétéran d’Orchestre Tout Puissant Marcel Duchamp et complice de longue date de la chanteuse somalilandaise Sahra Halgan, publie un 4 album, le premier en quatuor. L’Étrangleuse dynamite le post-rock de chambre des origines avec Anne Godefert, bassiste et chanteuse issue des musiques électroniques, et Léo Dumont, batteur-objetiste coutumier des audaces sonores (Chromb, Pixvae, An Pagay, Polymorphie…). Titres interprétés au grand studio - Les Pins Live RFI - Extrait Cd - Ennemi Live RFI. Line Up : Mélanie Virot (harpe, chant), Maël Salètes (guitare, jeli n’goni, chant), Léo Dumont (percussions, chant) et Anne Godefer (basse, chant). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Ambiance Argile (La Curieuse & La Compagnie 4000). YouTube - Facebook - Bandcamp.

Soirée intime avec Oum devant 500 personnes pour la sortie de Dakchi, live du 22 juillet 2023 à Marrakech. (Rediffusion) ► Facebook d'Oum. Pour célébrer ses dix ans de carrière à l’international, la chanteuse marocaine sort un album live, enregistré à Marrakech, qui replonge dans la magie de ses trois premiers disques, ici revisités sous d’autres lumières. L’occasion de se réapproprier ses racines pour s’inventer de nouvelles routes. Il y a des caps propices aux coups d’œil dans le rétroviseur, aussi bien qu’aux futures routes d’aventurière. Aujourd’hui, la chanteuse marocaine Oum fête les dix ans de sa carrière internationale. L’occasion pour cette audacieuse hors-piste, toujours mutante, en perpétuelle remise en jeu de ses identités avec ses intuitions pour seules guides, s’autorise un moment suspendu, le temps d’un souffle (de bougies), celui d’un bilan temporaire, d’un retour sur ses racines et ses ramifications... Pour décrire cette décennie, elle préfère le « nous », le jeu collectif au « je » solitaire. Ce « nous », ce sont ses fidèles acolytes, qui l’accompagnent depuis son tout premier disque signé en France, Soul of Morocco, en 2013 : Yacir Rami au oud, Damian Nueva à la basse, Camille Passeri à la trompette, Carlos Mejias au saxophone, Natascha Rogers et Amar Chaoui aux percussions. « Je n’ai jamais quitté ce noyau dur, celui qui me porte et m’élève depuis 2012, éclaire-t-elle. On s’accompagne, on s’est vus grandir, on a vu naître nos enfants... Nous cultivons cette complicité hors pair. Il y a un cœur, une magie, une générosité, qui procurent à notre musique ce supplément d’âme. » Aussi, pour célébrer ces « dix ans de nous », Oum a choisi de puiser une dizaine de titres dans son répertoire tressé au fil de trois albums aux identités aussi singulières que parcourues d’une sève commune : Soul of Morocco, donc, en 2013, Zarabi en 2015 et Daba en 2019. « En général, je ne chante plus mes morceaux anciens, décrit-elle. Mes auditeurs entrent et sortent dans mes saisons à leur guise. Moi, je les traverse. Au final, je n’ai envie de porter sur scène que des créations inscrites dans mon actualité émotionnelle. Pour ces dix ans, j’avais pourtant une nostalgie de ‘nous jeunes’. Et le désir, le besoin, de ressortir des instantanés musicaux de ce que nous avons été. » Pour cette célébration, forcément live, la chanteuse choisit un lieu symbolique, là où tout a commencé, la terre fertile d’éclosion de ses premières chansons : Marrakech. « Si je n’y avais pas grandi, je n’écrirais pas comme j’écris et je ne chanterais pas comme je chante, affirme-t-elle. Marrakech m’a façonnée – ce musée sensoriel à ciel (bleu vif) ouvert, saturé d’odeurs et de sons, d’orangers et de dattiers, de contrastes explosifs de couleurs, avec son souk et ses artisans qui travaillent en rythme... Cette ville de conteurs, foisonnante de poésie et de tradition orale, cette cité de décharges émotionnelles, où tout t’émerveille, t’électrise et t’éblouit ! » Il y a aussi ces hybridations typiquement marocaines – africaines, berbères et andalouses qui irriguent les métissages de Oum. Et puis, il y a ces feux d’artifices joyeux et naturels de polyrythmies qui galvanisent ses chansons : la signature marrakchie, festive, solaire, joueuse, joyeuse. « Ce son du Sud marocain percussif nourrit jusqu’à nos modes de vie, nos manières de parler..., raconte-t-elle. Là-bas, chaque maison comporte un placard avec des taarijas, des bendirs, que nous ouvrons dans les grandes occasions. Il y a cette culture du rythme au quotidien. Je voulais fêter ces dix ans avec les miens. Là-bas, je ne suis plus une chanteuse, je suis une des leurs, en corps à corps avec le public... » Pour préparer cette grande fête, le 22 juillet 2023, Oum s’est enfermée en amont avec son équipe, une semaine durant, sur le lieu du show, qui porte si bien son nom : The Source (La Source), un magnifique complexe hôtelier, avec son jardin luxuriant, son lieu de concert de 500 personnes en plein air, et...

Le groupe satirique Soviet Suprem envahit la #SessionLive. Depuis 10 ans, Soviet Suprem soulève les foules, à l’endroit, à l’envers et toujours de la gauche vers la gauche. Après avoir revisité la sono mondiale au travers de l’œil de Moscou et pris le contre-pied de la world music anglo-saxonne puis s’être tourné vers l’électro-minimal teinté de chœurs de l’armée rouge, John Lénine, Sylvester Staline et leurs complices ont pris le train de l’Orient extrême et est de retour avec un troisième opus résolument rap et tourné vers l’Asie Made in China. John Lénine et Sylvester Staline enfilent leurs tabliers de chef étoilé (rouge) pour cette session live qui s'annonce épicée. Titres joués au grand studio : - Woke wok Live RFI - La course aux armements, extrait de l’album - Qui complote Live RFI. Line Up : Nicolas Krassilchik alias Didier Croute-Chef (platines, percussions) ; Cyril Morey alias Cyrillique Saxo (saxophone) ; Toma Feterman alias John Lénine (chant, guitare) et Erwan Seguillon alias Sylvester Staline (chant). Son : Jérémie Besset, Mathias Taylor. ► Album Made In China (Modulor 2024). Site - YouTube - facebook. Puis Toma et RWan nous propose une sélection musicale. Playlist Soviet Suprem Kiddus | Bazbaz Choices choix RWan Bjork/Omar Souleymane remix Crystalline choix Toma Astéréotype C5 choix RWan The Paradise Bangkok Molam International Band Studio Lam Plearn choix Toma.

Carmen 404 et de Isha sont de sortie, entretiens avec Romane Claudel-Ferragui et Sarah Lenka. Piqué par un mystique, le quartet Lolomis sort l’album Carmen 404, la chanteuse Romane Claudel Ferragui est notre 1 invitée. Forte de ses 14 tableaux rituels et ses 9 langues, Carmen est là ! Cependant, Carmen n’a jamais existé ; la bohémienne demandée a existé mais n’existe plus, peut-être parce que son lien a changé ? Peut-être parce que les liens changent ? Carmen n’est pas une erreur ! Lolomis change de mue une nouvelle fois et s’embarque sur les sentiers du rituel ; Une cavalcade impétueuse entre rêveries diaphanes, état de surconscience, transe poisseuse et rituel de possession. (R)éveiller le monde dans une sorte d’élévation, de célébration à une Magna Mater. À mi-chemin entre Nina Hagen et Billie Eilish, la flûte, harpe, batterie, machines et la voix de Lolomis proposent désormais une musique rugueuse, arrachée, caressant le digital punk et la witch house dans une formule polyglotte incantatoire. Pour vaincre les sortilèges de cette planète hallucinée, rêver par-delà les folies en laissant place aux prières, aux intuitions et rondes du vivant, cet album est un tableau de pensées foisonnantes, arborescentes qui s’hybrident avec ce qu’elles touchent. Il est rituel dans ce qu’il honore des sacralités. Il est mouvement et vie. Puissante, festive et libératrice, cette effusion musicale est une invitation à rejoindre une jungle de sibylles et mystiques. Titres joués : Tres Sirenas, A Fényes Nap, Sidrabina et Flüstern. ► Album Carmen 404 (Airfono/L'Autre distribution 2024). Site - YouTube - Facebook. Puis nous recevons Sarah Lenka pour la sortie de l’album Isha qui se découvre une arrière-grand-mère « Miss Constantine »… Sarah Lenka nous invite à plonger dans un univers poignant avec son nouvel album ISHA, un vibrant hommage à l'exil des femmes et au déracinement. ISHA tisse un lien entre la Folk et les sonorités maghrébines, mêlant guitare, mandole, chœurs et percussions pour recréer des danses, des rythmes et des coutumes. Des compositions portées par les héritages culturels et familiaux. Chaque chanson est inspirée de l’histoire de mes ancêtres au féminin. (Du Mzab, en passant par l'Espagne et l'Argentine). Un voyage qui nous fait naviguer entre la Folk et le Maghreb tout en délicatesse. Les guitares folk et nylon, le mandole, les chœurs et percussions. Retranscrire les danses, les rythmes, les coutumes, comme perçus enfant. Sarah Lenka traverse aussi les langues tel l'anglais, l'arabe et, un tantinet d'hébreu. Elle jongle aussi, et sans surprise, avec les sonorités à travers une folk d'inspiration occidentale, grâce à la guitare folk de Laurent Guillet, et d'inspiration orientale, révélée par le mandole de Taoufik Farah. Cet album, dont le directeur artistique n'est autre que le batteur Raphaël Chassin, est aussi l'occasion pour Sarah Lenka de proposer un premier album qui ne comprend que des compositions. C'est en compagnie du guitariste Laurent Guillet que la chanteuse a posé les premiers mots et les premières mélodies. « ISHA est un hommage aux femmes qui ont connu l'exil et le déracinement. Leurs histoires, puissantes, leur invisibilité et leur résilience traversent l'histoire et les sociétés. Après elles, suit une génération souvent coupée de son héritage culturel et spirituel». De sa voix sensible et légèrement granuleuse, Sarah Lenka s'attache à sortir du silence et livre l'écrin d'une mémoire collective au sein duquel se déploie une salvatrice mise à nu. Titres joués : Betty, Women Who Raised You, Isha et Lamma Bada Yatathanna. ► Album Isha (Caramba Records, Caramba Culture Live/Distribution : Virgin Music France 2024). Site - YouTube - Facebook À lire sur RFI Musique.

La Réunion, La Nouvelle-Orléans et Haïti sont convoqués dans cette magnifique session live ! Nos 1ers invités sont le groupe Grèn Sémé pour la sortie de l’EP Maloya Gazé + remixs Genre musical majeur de La Réunion, le Maloya, devient « gazé » (fou) à travers les sons composés par Grèn Sémé pour ce nouvel EP. Un maloya gazé qui se conjugue entre inspiration directe de la plus pure ligne de cette musique traditionnelle réunionnaise et son évolution, très actuelle, signature du groupe Grèn Semé. Composé en marge des sessions studio du dernier album en date, «Zamroza», les trois premiers titres de ce tout nouvel E.P révèlent cette facette solaire de la formation créole. On y goûte l’amour du texte et la soif de découverte. Et on savoure la justesse du mélange de leurs compositions. Entre inspiration de la tradition des plus grands morceaux en chants/percussion de l’histoire de l’île et les arrangements si singuliers et identifiables du groupe, Grèn Sémé offre trois hymnes qui se prêtent à merveille à l’exercice du remix. Bonus de luxe : les 3 Remixs de Voilaaa + La Dame + Guiss Guiss Bou bess. Voilaaa et le fabuleux Bruno Patchworks se sont emparés de « Siko » pour créer un hit de bal cap-verdien, funana avec ses mélodies entêtantes, c'est ultra-dansant ! La Dame, productrice et DJ de Belgique, remixe le titre éponyme vers une batida efficace pour le dance floor, les DJs et les danseurs. Les Guiss Guiss Bou Bess poussent un peu plus loin l'exercice du remix en ajoutant les sabars sénégalais et le chant de Mara Seck leader du groupe, répond à Carlo de Sacco sur le titre «Alkol», c'est beau et provoque une véritable explosion de joie et d'émotions. Titres joués au grand studio - Tanbour Live RFI + RFI Vidéos (titre «tanbour») - Alkol, extrait Cd (Voilaaa remix) - Siko Live RFI + RFI Vidéos (titre «Siko»). Vidéo Line Up : Carlo de Sacco (Chant, Kayanm, Tambour malbar), Mickaël Beaulieu (Synthé, chœurs), Bruno Cadet (Guitares, chœurs), Rémi Cazal (Programmation, synthé, chœurs) et Germain Lebot (Percussions, batterie, chœurs). + Cedric Corrieri (Tech Son). Son : Mathias Taylor, Camille Roch. RFI Vidéos : Dominique Fiant, Cyril Etienne, Christophe Valette, réalisation : Vanille Foucher. ► EP Maloya Gazé (Markotaz 2024). Site Markotaz. YouTube mini concert Grèn Sémé : Les 3 titres filmés par RFI Vidéos, à savoir Bhopal, Tanbour et Siko Site Grèn Sémé - Facebook - YouTube. #musique #maloya #îledelareunion Puis la #SessionLive reçoit Leyla McCalla pour la sortie de l’album Sun Without The Heat Née à New York d'un couple d'émigrants et d'activistes haïtiens, Leyla McCalla a développé une fascination précoce pour Haïti et sa culture, en partie grâce au temps qu'elle a passé chez sa grand-mère lorsqu'elle était enfant. Après avoir déménagé au Ghana pendant deux ans et obtenu plus tard son diplôme, elle a finalement dérivé vers le sud jusqu'à la Nouvelle-Orléans, où elle voulait gagner sa vie en jouant du violoncelle dans les rues du quartier français. Son dévouement à éclairer les racines noires de la culture américaine l'a finalement conduite aux Carolina Chocolate Drops. Après deux ans de tournée et d'enregistrement avec le groupe lauréat d'un Grammy Award, elle part poursuivre sa propre carrière en tant qu'artiste solo. L’album Sun Whithout The Heat est son 5ème enregistrement studio. Tout au long des dix titres de l’album, McCalla parvient à un équilibre entre pesanteur et légèreté grâce à des mélodies et des rythmes issus de diverses formes de musique afro-diasporique, notamment l’afrobeat, les modalités éthiopiennes, le tropicalisme brésilien, ainsi que le folk et le blues américains. Titres joués au grand studio - Take Me Away Live RFI - Scaled To Survive, extrait de l’album - Give Yourself a Break Live RFI. Line Up : Leyla McCalla, chant, Pete Olynciw, basse, Nathum Zdybel, guitars, Caito Sanchez, batterie. Son : Mathias Taylor, Camille Roch, Jérémie Besset ► Album Sun Without The Heat...

Rencontre avec Ziyad Al-Samman, le plus Britannique des crooners orientaux & playlist de Sophian Fanen. Tous les mois, le critique musical Sophian Fanen chronique 5 nouveautés. Voici la sélection du mois : - Rogê, 100% Samba, tiré de l'album Curyman II (Diamond West Records, 2024) - Papá Roncón, San Juanito Chachi, tiré de la compilation «Juyungo: Afro-Indigenous Music from the North-Western Andes» (Honest Jon's Records, 2024) - Theodora, Fashion Designa, tiré de l'album Bad Boy Lovestory (Maison Neptune x NBFD, 2024) - DJ Lycox, Udson no Uíge, tiré de l'album Guetto Star (Principe Discos, 2024) - Little Richard et Quincy Jones, Money Is, tiré de la bande originale du film «$» (Warner Records, 1972). Puis nous recevons Ziyad Al-Samman pour la sortie de l’EP Pleasure Complex Son studio comme sanctuaire, la scène pour carburant. Ziyad Al-Samman a l’amour de la vie chevillée au corps, ses racines syriennes et jordaniennes accordées au cœur et le partage dans ses chansons de disco pop psychédélique comme dans ses lives survoltés. Inspiré par ses heures à écouter Iggy Pop, Roy Orbison, Bowie, Gorillaz comme le chanteur égyptien Amr Diab, son EP Pleasure Complex nous emmène dans une frénésie stroboscopique, bande-son parfaite d’un quotidien que l’on souhaiterait plus joyeux, léger et fougueux. Véritable crooner, bête de scène à l’aura mélancolique, Ziyad Al-Samman, désormais basé à Londres, nous entraîne dans ses bénédictions comme ses voyages, les expérimentations de sa voix comme ses cris d’amour. L’écouter, c’est prendre le risque d’une connexion garantie avec la fougue. Frénésie disco-poétique et psychédélique. Arrivé de Jordanie en Angleterre à l’âge de 12 ans, Ziyad Al-Samman porte en lui une musicalité sans frontières. Né d’un père syrien et d’une mère britannique, il commence la musique dès 13 ans, après avoir reçu sa première guitare. Un souvenir musical marque le début de ses chansons à l’énergie contagieuse : une histoire de voyage en voiture en Jordanie. Ziyad Al Samman chante à tue-tête «Ya Habibi», tube du chanteur égyptien Amr Diab, un titre «accrocheur et énigmatique». Ce mot, Habibi, - soit «mon amour», «mon chéri» - Ziyad Al-Samman en fait son mantra et s’en est inspiré pour l’un de ses singles. Ziyad Al-Samman ne cesse également de regarder dans ses influences rétro et ses origines pour dessiner un EP euphorique, délicat et fin d’esprit. Toujours accompagné de synthétiseurs qui rebondissent, sautillent, imposent ou font danser, Ziyad Al-Samman offre avec Pleasure Complex, un concentré de joie et d’allégresse, toujours dans une mélancolie ésotérique et pénétrante. Titres interprétés au grand studio - Ya Habibi, Live RFI - Space, extrait de l’album - Bang Live RFI. Line Up : Ziyad Al-Samman (claviers, chant) Traduction : Claire Simon Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► EP Pleasure Complex (Yotanka Records 2024). Facebook.

Entre une légende du rap sud-africain et un poète angevin, mon cœur balance… Notre 1 invité est Stogie T pour la sortie de l’EP Shallow Vétéran du hip-hop sud-africain, Stogie T (Tumi Molekane) n'est pas un parolier classique. Son travail consiste à trouver un équilibre délicat entre différents mondes ; il a prouvé qu'il était la voix du peuple, mais il n'hésite pas à tendre un miroir à l'ensemble de la société, et le reflet est toujours plus complexe que les clichés bien-pensants du «rap conscient» et la nature stéréotypée et banale du «rap commercial». Le message dominant de Shallow est la psychose collective. Le dernier EP publié par Stogie T depuis la pandémie mondiale contient des chansons percutantes qui reflètent une forme particulière de cynisme prévalant en Afrique. Le rêve différé, la perte d'espoir sous le poids écrasant d'un État de plus en plus défaillant. Stogie T a déjà parlé de cet état, mais cette fois-ci, il se penche sur les effets qu'il a sur ses habitants. Ce qu'il advient de la pensée des gens, de leurs dysfonctionnements et de leurs pathologies. Stogie T (alias Tumi Molekane) est sur la voie de l'autoréflexion, de l'introspection, de l'évolution et de la restitution, tout en jouant la carte du progrès. Il s'interroge sur les valeurs et les règles qui régissent notre vie, sur les raisons de désespérer ou d'espérer d'un pays entouré d'un pillage flagrant, sur les raisons d'être cynique et sur les raisons de croire et de se soucier des autres. Les chansons de cet EP ont été conçues et enregistrées pendant Covid et entre les moments d'anxiété intense dus au dysfonctionnement et au désordre sociétal, à la perte d'amis proches et de membres de la famille, et à la disparition tragique de ses pairs. En tant qu'artiste cherchant à trouver une voix dans le désordre et à s'élever au-dessus du bruit de la machine médiatique mondiale, Stogie T a trouvé du réconfort dans la tragédie et le traumatisme. Offrant un contrepoint à l'air du temps par le biais d'une poésie artistique nous rappelant, ainsi qu'à lui-même, qu'en tant qu'artiste, c'est son travail qui apporte de l'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit faire preuve d'un grand discernement, d'espoir pour l'avenir, mais qu'il doit rester fidèle à lui-même, à sa famille et à sa communauté. Titres interprétés grand studio - Shallow Live RFI - Zimkile feat Msaki, extrait album - Too Late For Mama Live RFI. Line Up : Tumi Molekane (voix), Shane Cooper (basse), Bonj (voix), Bokani Dyer (claviers, voix), Clem Carr (claviers)et Justin Badenhorst (batterie). Traduction : Enora Louis Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► EP Shallow (Sakifo Rd 2024). Facebook - Youtube. Puis la #SessionLive invite Lo’Jo pour la sortie de l’album Feuilles Mauves. De leur Anjou natal à tous les continents, des instruments traditionnels au rock, Lo’Jo a toujours su passer de la feuille blanche à la poésie. La lumière et les mots de Feuilles Fauves magnifient une nouvelle fois l’insaisissable. Car si nous sommes Peu de choses, écrit Denis Péan, heureusement, « on peut faire chavirer le cœur le plus fané sur le tempo du chamamé ». Il y a de ces groupes qui ne sont enchaînés nulle part si ce n’est aux instruments du monde ou aux feuilles de papier. Sans chaîne ni code ni dogme, Lo’Jo sera toujours ces explorateurs de la musique, ces chercheurs des mots. Le collectif Lo’Jo continue avec Feuilles Fauves à puiser dans ce qu’il sait faire de mieux : ne rien se refuser. Pourquoi ne pas mêler le kamele n’goni, instrument acoustique malien au violon, pourquoi ne pas faire fusionner le piano au kayamn, sur toile d’électro, pour donner à ce disque, aussi, les couleurs des Mascareignes ? Chaque disque est une réinvention : Feuilles Fauves n’y fait pas exception. Par ses traditions musicales absorbées lors de leurs innombrables voyages, comme par ses collaborations prestigieuses : de Robert Wyatt à Tony Allen, Robert Plant, Tinariwen, Erik Truffaz, ou encore Archie Shepp... l’utopie...

Laura Prince et Maxime Delpierre #SessionLive Africolor 2024. À l’occasion de la 35 édition du festival nomade francilien Africolor (15 novembre-24 décembre), nous invitons Sébastien Lagrave, Laura Prince, Agata Johnson et Maxime Delpierre #SessionLive. L’édito de Sébastien Lagrave : En 2024, Africolor fête ses 35 ans et si le monde de 1989 a disparu, il faut encore et toujours marteler les esprits et les balafons, pincer les rêves et les cordes, frotter les cordes et les mains, pour rappeler aux âmes congelées dans la peur, que l’Afrique est partout et que c’est une bonne nouvelle. La part d’africanités de chacun, nous l’accueillons joyeusement cette année avec la présence des créolités caribéennes : Les frères Cippe, grande famille de tambouyés de Guyane, rencontrent François Ladrezeau (Akiyo) et Samy Thiébault, tandis que Maxime Delpierre, fou de zouk, présente Mini-Jazz-Ouragan cependant que L’Afrique en-chante Kassav’ revisite le répertoire mythique avec des instruments africains. L’Afrique est aussi au Nord, quand s’élève la spiritualité rock tunisienne de Nidhal Yahyaoui (Tunisie), quand les chants de transe de Lemma (Algérie) se mêlent au piano-marteau cubain d’Omar Sosa ou quand Mazalda invite la chorale berbère de Bagnolet. Aussi disséminée dans l’océan Indien, elle imprègne la création de Siti Amina (Zanzibar) et Siân Pottok ou encore les mélodies suaves de la révélation Marco Klarck. Mais avant tout, l’Afrique est ici chez elle comme quand Senny Camara rencontre Sequenza 9.3 ou quand la Litanie des Cimes invite Mah Damba. Toutes les Afriques d’Africolor dessinent de nouveaux « nouveaux mondes », où les ailleurs sont ici, les géographies façonnées selon de nouveaux plis, où les points cardinaux se rejoignent en un centre créatif, éruptif, radicalement joyeux et décidé à imprimer ici l’Afrique partout. Laura Prince (concert 22 novembre Maison de la Musique de Nanterre) Assister à un concert de Laura Prince, c’est un peu comme regarder le monde avec un filtre de douceur et d’authenticité. La révélation jazz de ces dernières années revient avec un nouveau projet en hommage à la terre de ses ancêtres, le Togo. Ce retour aux sources la conduit sur les rives de son village familial, au cœur des traditions d’Afrique de l’Ouest, là où les cérémonies vaudou, le tintement rituel des cloches et les chants d’initiés lui inspirent un album à la mémoire de son peuple. Entourée de ses musiciens, Laura Prince chante avec son âme et livre un set aux sonorités métissées, cousu d’improvisations jazzy et pulsé par les percussions traditionnelles. Un voyage introspectif sur ses rives-racines, où l’on navigue volontiers, enveloppé par le velours de sa voix. Auteure, compositrice, interprète, Laura Prince défend une musique épurée qui parle de la mixité de ses racines, de son enfance. Fille du Togo et de la France, elle est bercée depuis toujours par la salsa cubaine de Celia Kruz, l’afrobeat de Fela Kuti et le makossa de Manu Dibango, mais aussi Piaf, Barbara, Brel et Aznavour. Vers 13 ans, elle apprend à lire la musique et s’accompagne au piano. Elle compose et joue ses premiers morceaux. En 2021, elle sort un premier album, Peace of mine. « Révélation Jazz » d’après Jazz Magazine la même année, elle se produit aujourd’hui dans les grands festivals de jazz en France : Marciac, Jazz à Sète, Jazz à Vienne, ainsi qu’en Europe et en Afrique. Maxime Delpierre et le Mini-Jaz Ouragan (concert 23 novembre à Rosny-Sous-Bois) Jazz Pop Caribbéen Créer un groupe de zouk ? C’est un vieux rêve pour le compositeur et guitariste nantais Maxime Delpierre, bercé par le kompa, le dub et la musique afro-cubaine. De Haïti à la Martinique en passant par la Jamaïque, les sonorités caribéennes l’accompagnent depuis de nombreuses années. Sous l’influence des orchestres haïtiens des années 60 appelés « Mini-Jazz », Maxime Delpierre poursuit son voyage en empruntant un son de guitare à la surf music des orchestres américains et en mélangeant les...

Maloya à 360° avec le Discobole Orchestra et Christine Salem et #SessionLive du groupe de jazz togolais Zangbeto. Notre 1 invité est Stéphane Hoareau pour présenter Kafé Gryé du Discobole Orchestra et invite Christine Salem. Sous la direction de Stéphane Hoareau et Théo Girard, Discobole Orchestra vous immerge dans un maloya électrique et orchestral. Identifiés dans les domaines du jazz et de la world autant pour leurs projets au long cours qu'aux rencontres éphémères qu’ils organisent (Trans Kabar, Pensées Rotatives, Discobole Parties), Théo Girard et Stéphane Hoareau, artistes associés à Discobole, développent depuis des années une musique métissée qui a comme noyau dur l’improvisation et des espaces de créations instantanées propres au jazz de toutes époques. Dans le prolongement de leurs expérimentations passées, ils ont créé un orchestre qui leur ressemble et pour la création duquel ils ont convié une icône de la musique Maloya en la personne de la chanteuse réunionnaise Christine Salem. Avec son Maloya teinté de blues, Christine Salem trace ses pistes voyageuses, rend grâce à ses ancêtres, et chante la paix. Elle vous fixe de son regard noir, un regard franc, de ceux qui ne mentent pas. Si, selon l’expression consacrée, « les yeux sont le miroir de l’âme », les siens racontent, sans hésitation, son caractère comme son itinéraire. Le résultat est une fusion unique de sons et de styles, où les rythmes puissants du Maloya se mêlent aux harmonies sophistiquées du jazz. L'orchestre est composé de musicien·nes talentueux·ses, chacun·e apportant sa propre voix distinctive à l'ensemble. Ensemble, ils créent une musique qui est à la fois profonde et émouvante, tout en étant incroyablement entraînante et pleine d'énergie. Avec leur nouvel orchestre, Théo Girard et Stéphane Hoareau ont créé quelque chose de vraiment spécial en invitant Christine Salem, une musique qui transcende les frontières et les genres, et qui parle directement à l'âme. Ils ont réussi à capturer l'essence même de la musique, à la fois intemporelle et contemporaine, et à la faire vibrer dans chaque note et chaque battement de tambour. C'est une expérience musicale à ne pas manquer pour tous les amateurs de jazz et de musique du monde. Titres joués Kafé Gryé, Mr Koloni, Bal Maloya + Mama Nye Wa (sur compilation Fuchsia). ► Album Kafé Gryé (Discobole Rd 2024) ► Album Fuchsia (Discobole Rd 2024) Concert 15 novembre 2024 au Comptoir (Fontenay-sous-Bois). Site Capsule discobole avec Max Cilla. Puis recevons le groupe togolais Zangbeto pour la sortie de l’album Ezo #SessionLive Le nom Zangbeto trouve son origine dans une société de masques dont la mission est de protéger la ville et la communauté en chassant les mauvais esprits pendant la nuit. Le groupe est né de la rencontre, en 2021, entre trois jeunes musiciens prodiges togolais : Joachim Amouzou au piano, Honoré Dafo à la basse, et Henoch Fafadji à la batterie, lors d'une résidence artistique menée par Peter Solo du groupe Vaudou Game. Leur projet d'album actuel est le fruit d'une rencontre lors du Togoville jazz festival entre ces talentueux musiciens togolais et le trompettiste français Félicien Bouchot. Profitant de leur séjour en France en 2023, le trompettiste a convié le guitariste Romain Baret à les rejoindre pour une semaine de travail intensif en quintet. Ce travail a donné naissance à un répertoire original mêlant le jazz à de multiples influences, ainsi qu'aux rythmes et chants traditionnels du Togo, et a permis une première tournée (Sunset, Crescent Jazz Club, Altitude Jazz Festival, Périscope...) ainsi que l'enregistrement du premier album, organisés en janvier 2024. Titres interprétés au grand studio - King’s dancing Live RFI - Akpèssè, extrait de l’album - Rhythm From My Soul Live RFI. Line Up : Yao Honoré Dafo (basse électrique, chœurs), Richard Mawunyo (batterie, chœurs), et Komi Joichain Senam (claviers, chœurs), Romain Baret (guitare électrique) et Félicien...

Une vingtaine d’artistes venue du monde entier font l’expérience d’une retraite artistique au Monastère de Ségriès. Reportage Jeanne Lacaille. Fin septembre, une vingtaine d’artistes venus du monde entier ont fait l’expérience de la retraite artistique pendant une semaine dans un ancien monastère cistercien : le Monastère de Ségriès, entre lavande, oliviers et Verdon. Un rassemblement œcuménique où toutes et tous se sont abandonnés avec joie à cette résidence de création collective, intense et exigeante qui donne lieu depuis quatre ans à La Symphonie de Ségriès, une soirée de concerts hors-norme qui pendant 8h entraîne le public, d’un mouvement à l’autre, au fil d’une partition très libre, des jardins à la chapelle du monastère, en passant par son cloître et sa forêt. Certain.e.s sont connu.e.s, d’autres pas, mais toutes et tous ont un jour croisé la route du Souffle Collectif qui interroge la dimension rituelle de la musique live depuis 2013. Celle également du vidéaste Vincent Moon qui, après avoir filmé les stars du rock indé pour la Blogothèque, s’est tourné, pour la collection Petites Planètes, vers l’exploration des cultures chamaniques, des traditions musicales liées à la terre et des cérémonies de transe. Et ce sont donc eux – en complicité avec l’agence Powa et l’équipe du Monastère de Ségriès — qui ont invité ces artistes à expérimenter, entre nature et culture, profane et sacré. Tout ça, sous l’influence d’une super lune, d’une éclipse solaire et de l’équinoxe d’automne, alors autant vous dire que s’orchestre là une aventure vraiment cosmique, où le processus de création compte autant – voire plus — que le résultat final. Avec : Vincent Moon, Raul Refree (Catalogne), Walid Ben Selim (Maroc), Fransy Gonzalez (Galice), Arthur Larrue (France), Marc Vilajuana (Catalogne), Fanny Perrier-Rochas (France), Neda Caneiro (Suisse/Tessin), Mehdi Chaïb (France), Zoé Perret (France), Li-Chin Li (Taïwan), Tomi Lebrero (Argentine), Yann Hunziker (Suisse), Anja Jacobsen (Danemark), Zora Snake (Cameroun), Abdallah Abozekry (Égypte), Ross Daly (Crète)… Un reportage de Jeanne Lacaille. Bonus : Les Portraits sonores Ross Daly : Maître des lyres crétoises, spécialiste des musiques modales, l'irlandais Ross Daly vit en Crète où il dirige, depuis 1982, l'école de musique Labyrinth Musical Workshops dans le petit village d'Houdetsi. Li-Chin Li : Basée à Taïwan, la trentenaire est l'une des rares musiciennes de sa génération à composer pour l'orgue à bouche sheng, un instrument plurimillénaire originaire de Chine. Jazz, musiques improvisées, techno... Li-Chin Li repousse les limites de son instrument, entre répertoire traditionnel et approche expérimentale. Marc Vilajuana : Expert ès-chants grégoriens, façon traditionnelle ou électronique avec le projet Gregotechno, le sémillant Marc Vilajuana navigue entre la Catalogne, Toulouse et la Galice où il étudie également les danses & chants de la région. Fanny Perrier-Rochas : D'abord bergère dans les Hautes-Alpes, Fanny Perrier-Rochas se consacre aujourd'hui aux chants sacrés d'Orient (byzantin, grec ancien, araméen) après s'être formée auprès de Sœur Marie Keyrouz, quand elle n'enregistre pas la B.O du jeu vidéo Assassins Creed Odyssee ! Prochaines dates ciné-live-transe de Vincent Moon (Petites Planètes) : 22 mars 2025 au Jeu de Paume à Paris. Site Petites Planètes - YouTube Ségriès édition 2023 par Vincent Moon. Prochaines dates du Collectif Souffle : le 20 décembre 2024 pour le solstice d'hiver au Consulat à Paris. Instagram - Site Site du Monastère de Ségriès.