El Invitado de RFI - El realizador chileno Juan Caceres estrena en Paris su pelicula Perro bomba

La fotógrafa franco-argentina Anita Pouchard Serra acaba de inaugurar la exposición ‘Estrella de dos mundos’ fruto de su trabajo de siete años con la bailarina Ludmila Pagliero, ‘étoile’ de la Opera de París. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Anita Pouchard Serra es fotoperiodista franco-argentina, narradora visual y educadora con formación como bailarina de ballet, arquitecta y antropóloga, residente en Buenos Aires y trabajando entre América Latina y Francia. Fotografío lo que vivo más que lo que veo, sobre temas muchas veces personales pero conectados con cuestiones sociales actuales como la identidad, la migración, el territorio y los derechos de la mujer, con un enfoque transdisciplinar y una exploración que va desde el dibujo a la performance. Mi trabajo personal y mis proyectos a largo plazo han recibido el apoyo de la Biblioteca Nacional Francesa «Grande Commande Photographique», el CNAP (Centro Nacional de Artes Plásticas), el Fondo Nacional de las Artes, el Pulitzer Center, el Fondo de Emergencia de National Geographic, la beca WE WOMEN, la beca Moving Walls de Open Society Foundations y la International Women's Media Foundation. Gane un premio especial de ONU-Migración para el periodismo sudamericano sobre migraciones (2021) y el premio GABO de la Fundació GABO (2024). Fui nominada para la masterclass Joop Swart del World Press photo, seleccionada para el Eddie Adams Workshop XXXIV y parte del gran fotolibro y exposición «50 años de fotografía francesa» comisariada por Michel Poivert. Colaboro para The New York Times, Bloomberg, Washington Post, Le Monde, Die Zeit, El País, Revista Anfibia y Revista Crisis entre otros. Expuse mis proyectos personales en Photoville y Open Society Foundations (Nueva York, EE.UU.), Sharjah Biennial 15 (EAU), Biblioteca Nacional de Francia y Grange aux belles (París, Francia) entre otros. Soy profesora de narrativa visual y conferenciante en Argentina, EEUU, México entre otros. Miembro de Women Photograh, Foto Feminas.

El cantante venezolano Rafael Pollo Brito se presenta este martes con su orquesta en la sala parisina New Morning con su espectáculo de música venezolana ‘De vuelta al origen’. Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitaod de RFI. Rafael Brito (Caracas, 14 de noviembre de 1971), más conocido por su nombre artístico El Pollo Brito, es un músico, cantautor, compositor y animador venezolano.​ Su principal instrumento musical es el cuatro venezolano, el cual mezcla ritmos folclóricos afro-venezolanos con ritmo pop. Inició sus estudios musicales en la Orquesta Nacional Juvenil del Estado Miranda, donde aprendió a tocar el Oboe. Estudió Cuatro, Mandolina y Guitarra con la Estudiantina San José Obrero. Siguió su formación académica en el Conservatorio Nacional Juan José Landaeta y el Conservatorio Superior de Música Simón Bolívar.​ Fue instrumentista en el Ensamble de Saúl Vera, Pabellón sin baranda, Grupo Arcano y con Paul Desenne. Ha realizado temas para las telenovelas venezolanas Arroz con leche y Los misterios del amor. Fue director, cuatrista y vocalista de La Trova Gaitera, Sabor en Gaita, Nazarenos de la Gaita, Décima Gaitera, Grupo Ziruma, Maragaita, Los Morillo, Guasinca Zuliana, Todos Estrellas y Happy Gaita. Ha realizado varias producciones musicales tales como: Una Casita Bella Para Ti, BAK Trio, Se Canta Venezolano, Boleros en Vivo, De Repente con C4 Trio, Homenaje a Tito Rodríguez, Pa´ Tío Simón y Manzanero. Fue uno de los presentadores del programa venezolano de televisión Portada’s desde 2010 hasta 2015.​ Se ha desempeñado como jurado para Yo sí canto en 2012,​ y TV Libre en 2016. Ha tenido experiencias en el mundo del teatro con obras como ¨Un cuarto para los dos¨, versión criolla de ¨La Ronda¨, de Arthur Schnitzler,​ ¨Diferentes¨ de Leonardo Villalobos. Es considerado uno de los exponentes más importantes de la cultura musical venezolana, defensor y promotor constante del talento nacional. Fuera del país, ha logrado llevar su música a países como Colombia, Trinidad y Tobago, Perú, Guatemala, Chile, Honduras, Cuba, Argentina, República Dominicana, México, España, Panamá, Estados Unidos, Reino Unido, Alemania, Francia, Bélgica, Suiza, China y Japón.

El bajista y percusionista venezolano Raúl Monsalve acaba de sacar al mercado en el sello británico Olindo Records ‘Sol’, el nuevo álbum del grupo Raúl Monsalve y los forajidos. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo. Raúl Monsalve, bajista, percusionista, compositor y etnomusicólogo venezolano, ha forjado una carrera musical rica y ecléctica. Originario de Caracas, inició su recorrido musical en Venezuela, participando en diversos proyectos que han marcado la escena experimental en el país. Entre sus primeras experiencias significativas, Monsalve formó parte de kRé, un proyecto que formó con Rubén Dhers y Hugo Mármol, con quienes grabó dos discos imprescindibles: "Ruido moméstico" (2002) y "El radio en la cocina" (2005). Sus experiencias Dentro de MusiKos, San Bombo y Quinto Aguacate también jugaron un papel crucial en su desarrollo artístico. Estos proyectos representan una fusión innovadora entre Ritmos afrocaribeños, afrovenezolanos y los géneros del jazz y el rock. Este Este enfoque forma parte de una tendencia más amplia de fusión de la música afrodiaspórica. con estilos contemporáneos. Formado en los barrios de Caracas, está inmerso en la percusión afrolatina y afrovenezolana. junto a grandes maestros como Orlando Poleo, José “Viruta” Martínez y Jesús “Chucho” Manzanares. Los mentores que lo han transmitido no No sólo técnicas, sino también un profundo conocimiento de los ritmos y Patrimonio cultural afrovenezolano. Paralelamente a su actividad musical, Monsalve desarrolló una formación académica. Estudió en la Escuela de Música Lino Gallardo, el Taller de Jazz de Caracas y la Escuela Licenciado en Artes por la Universidad Central de Venezuela, donde se licenció en Musicología. Posteriormente completó sus estudios con un posgrado en Etnomusicología en la City University de Londres, así como en Música y Creación Sonora Universidad París 8, que influyó considerablemente en su enfoque musical Esta combinación de experiencias prácticas y estudios teóricos le permitió a Monsalve Desarrollar un enfoque único, fusionando las tradiciones afrovenezolanas con influencias urbanas. Actualmente radicado en París, Monsalve continúa explorando y reinventando sonidos. tradiciones tradicionales de Venezuela a través de sus proyectos actuales, en particular Raúl Monsalve y el Forajidos. Su último álbum, “SOL”, lanzado tras el éxito de “Bichos” (2020), da testimonio de su constante evolución y su capacidad de crear música que trasciende fronteras sin perder las raíces venezolanas.

La tristeza por la desaparición del escritor Mario Vargas Llosa se atenúa si contemplamos la riqueza e intensidad de sus 89 años de vida, como hombre de letras y ciudadano comprometido del mundo. En 2005 publico en Francia su 'Diccionario enamorado de América Latina' en el que contaba anécdotas de su aventura literaria. Para presentarlo estuvo con Jordi Batallé en El invitado de RFI Mario Vargas Llosa ha sido definido como uno de los más completos narradores de su generación y una figura destacada de la literatura hispanoamericana.​ Representante ideal del espíritu del Boom latinoamericano, pues nació literariamente con él y ayudó a definirlo y a identificarlo con una nueva generación de escritores, su obra narrativa se caracteriza por la importancia de la experimentación técnica, aspecto por el que es valorado como un maestro de la composición novelística y en el que se ha desempeñado como un notable innovador de posibilidades narrativas y estilísticas. Desde el punto de vista temático, sus novelas tratan de la antinomia entre lo histórico y lo estructural, como así lo expresa el título de varias de sus novelas (La ciudad y los perros, La casa verde, Conversación en La Catedral), en las que la presencia de estructuras demuestra el interés casi obsesivo que el autor tiene por estas. Asimismo, en cuanto a los tonos, su obra presenta las características más variadas, desde el humor, el amor y la comicidad hasta la caída trágica. Por otra parte, el hecho de que el grueso de su producción literaria la haya realizado desde el extranjero, explica el sesgo retrospectivo que domina buena parte de la misma, así como la reconstrucción constante que hace de vivencias íntimas o colectivas del Perú como base de su ficción, salvo algunas excepciones como La guerra del fin del mundo y algunas de sus últimas novelas. En cuanto a sus modelos literarios, o “precursores” (a los que ha dedicado en varios casos estudios críticos), hay que citar, por un lado, a la novela de caballerías Tirant lo Blanc, de Joanot Martorell, y a Cien años de soledad, de García Márquez, ambas como ideales del concepto de novela total (la que funde lo real con lo irracional y el mito); por otro, son imprescindibles para Vargas Llosa dos escritores en especial: Flaubert, como modelo de la literatura como vocación, de la utilización de la realidad como pozo sin fondo para encontrar contenidos y temas (la mediocridad del ser humano, la violencia y el sexo), como modelo, también, de la importancia de una estructura narrativa rigurosa y de un narrador impasible ante los hechos narrados, etc.; y Faulkner, tanto en lo que respecta a temas y ambientes, como a rasgos formales, especialmente, el multiperspectivismo, los saltos en el tiempo, el uso de varios narradores en vez del omnisciente, la retención de información, el uso de historias paralelas, etc.​ (Fuente: Wikipedia)

La fotógrafa peruana Chiara Chocano participa en la exposición ‘Despertar, nuevo discurso del arte contemporáneo peruano’ que acaba de inaugurarse en la Galería Artivistas de París. Acompañada por el curador de la muestra, el peruano Julio César Rodriguez ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Chiara Chocano nació en Lima. Siempre tuvo curiosidad artística desde temprana edad. A los 18 años su padre le regala una cámara fotográfica y es ahí donde encuentra el medio para expresar toda esa sensibilidad y búsqueda de respuestas que acompañaban sus días. Estudió fotografía profesional en el Instituto Antonio Gaudí de Lima. Pierde a su hermana y luego a su mamá y encuentra en su exploración artística el refugio para mitigar su tristeza y duelo. Sus mejores recuerdos de infancia con su familia son en las playas del país, entonces no es coincidencia que ese sea uno de los temas más recurrentes en su trabajo. Documentar el paisaje marino se convierte en una forma de rendir homenaje no solo a sus memorias sino a sus familiares que ya no están con ella. Inicialmente sus trabajos fueron desarrollados en blanco y negro, pero luego el color empezó a llenar de vida sus imágenes. Encontró en el color una herramienta para capturar con mayor exactitud las sensaciones, los sentimientos y el juego de luz y sombra que le generaban paisajes, personas, objetos y escenas. El uso del dorado también se encuentra presente para enfatizar la luz como elemento etéreo pero a la vez tangible a través de su trabajo. El tema de la mujer está también presente en su obra, no solo como tributo a todas las mujeres en su familia, sino por el profundo interés de Chocano por la historia de la mujer en el Perú —su entereza, determinación y fuerza. La mujer a través de los tiempos, su evolución a nivel social y cultural, la forma en que la mujer ha sido representada en el arte peruano desde tiempos inmemoriales —desde deidades femeninas hasta lideresas populares. El trabajo de Chiara Chocano es una celebración a la evolución de las personas, al rescate de la identidad personal y colectiva a través del arte y la conquista del propio ser por medio del auto-descubrimiento y saneamiento del dolor. Ella le muestra al mundo lo que lleva dentro, sin temor o vergüenza, ese es uno de sus mayores deseos y responsabilidades como artista y como persona.

La artista mexicana Sofía Rocha Mondragón participa en '100% L’éxpo’ de la Grande Halle de La Villette en París, vitrina para los jóvenes artistas de las escuelas de arte francesas. Naturalmente ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI para contárnoslo. Nacida en la Ciudad de México, México en 2000, Sofía Rocha Mondragón vive y trabaja en Niza, Francia. Fue en Villa Arson, Niza, donde obtuvo su ADN en 2022 y su DNSEP en 2024. Desarrolla una práctica en torno a la pintura, que se deja seducir por otros medios como la cerámica o la instalación. La imaginación del artista se nutre de referencias personales, como su memoria, así como de las historias que adornaron su infancia. Sus composiciones están salpicadas de préstamos de la cultura pop, la literatura y la pintura. Ella posiciona sus imágenes como descendientes del realismo mágico, explorando la sensación agridulce de la memoria convertida en fantasía. A través de transparencias, máscaras y patrones, intenta crear un universo en la frontera entre la realidad y su propia fantasía. Busca dar un papel activo al espectador en el espacio expositivo, y cuestiona el papel que el colgar puede dar a los lienzos para crear una interacción entre ellos y así crear nuevas historias. Desde 2022, participa en proyectos de transmisión con público joven como el programa «Igualdad de oportunidades» en 2022, el FAPE (Festival de Arte para Escuelas) para las ediciones de 2023 en Niza y 2025 en Mouans-Sartoux, o la residencia Rouvrir le Monde, que tuvo lugar en Enchastrayes, en los Alpes, en el verano de 2024. Ha participado en exposiciones colectivas como “Fait Maison” en l’Entrepôt, Mónaco en 2022 y en 2025 su obra se puede encontrar hasta el 11 de mayo en “100% L’EXPO” en el Parc de la Villette, París; y durante la exposición de posgrado en septiembre en Villa Arson, Niza.

María Rosa Kemlin es la presidenta de la Asociación Raíces Argentinas que organiza este viernes un concierto en la Maison de l'Amérique latine de París de la Orquesta de Lutetia dirigida por Alejandro Sandler a beneficio de la medicina rural en el Chaco argentino. Pero antes han estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. María Rosa Kemlin nació en Buenos Aires, Argentina. Su infancia la vivió en una pequeña ciudad de la provincia de Santa Fe, Casilda, y guarda un gran recuerdo de ella, con un profundo sentimiento de libertad y pertenencia. Se siente muy afortunada de haber crecido allí. Después de un paso de dos años por Córdoba, volvió a Buenos Aires y comenzó sus estudios universitarios en Filosofía y Letras, en los años 73, un período gris de la Argentina. Hoy lleva más de 40 años viviendo en Francia, donde la trajo una historia de amor con un francés, quien sigue siendo su esposo. Durante estos años, ha realizado diversas actividades. Tras un intenso período de adaptación y de descubrimiento del idioma y la cultura francesa, fundó una familia con dos hijas (hoy tiene dos nietos). Finalizó sus estudios en Psicología en la Universidad de Nanterre y, por razones profesionales de su esposo, se expatrió a Venezuela. Allí trabajó como profesora de español en Caracas, enseñando a ingenieros expatriados de Schlumberger. De regreso a París, creó una agencia especializada en viajes a medida para permitir descubrir Argentina a través de una pasión: los grandes espacios y la naturaleza en todas sus formas (equitación, caza, pesca...). Dirigió la agencia durante 20 años. Siendo pionera en este campo, pudo explorar y compartir regiones rurales alejadas de la vida urbana, muy salvajes y poco pobladas, en su país. Esta experiencia fue extremadamente enriquecedora, ya que también le permitió conocer las numerosas carencias que sufren estas regiones olvidadas en todos los niveles. Impulsada por el descubrimiento de esta dura realidad, decidió hace algunos años cofundar la asociación Raíces Argentinas con un grupo de profesionales en Francia y Canadá, con el objetivo de ayudar a sus compatriotas más desfavorecidos. Con sede en París, la asociación organiza eventos culturales cuyos eventos beneficios permiten transmitir la cultura argentina en Francia y recaudar fondos para ayudar a las poblaciones más necesitadas.

La realizadora peruana María Barea acaba de presentar en el Festival de Cine Peruano de París su recién restaurada película ‘Antuca’ de 1992 en la sección de ‘Panorama-Patrimonio’. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnosla. María Barea Paniagua (Chancay, 8 de diciembre de 1943), también conocida como Marita Barea,​ es una directora de cine ítalo-peruana, productora y directora de largometrajes y documentales sobre la mujer peruana. Ha sido productora de las películas Gregorio, Los Perros Hambrientos y Yawar Fiesta. Es considerada pionera del cine feminista en el Perú. ​Su cine presenta matices políticos y feministas relacionando condiciones vulneradas de las mujeres en los años ochenta y noventa post-conflicto interno.​ Trayectoria Inició su carrera en el teatro hasta que en 1971 comienza a colaborar como asistente de dirección y productora del cineasta cusqueño Luis Figueroa. En 1972 trabajó como asistente de producción en el rodaje de la película peruano-boliviana, El enemigo principal de Jorge Sanjinés en Bolivia.​ En 1980 Barea y Figueroa se separan y ella realiza su primer proyecto personal, el documental Mujeres de El Planeta. En 1982 funda el Grupo Chaski junto a Alejandro Legaspi, Fernando Espinosa (su pareja en ese momento), Stefan Kaspar, y Fernando Barreto.​ Allí tiene la idea de hacer un documental que contraponga dos eventos que se realizarían en Perú en julio de 1982, el concurso de Miss Universo y el Congreso de la Confederación Campesina del Perú, entonces escribe el guion y consigue el financiamiento gracias a la reputación que obtuvo con el documental Mujeres del Planeta. Sin embargo, tras el rodaje de Miss Universo en el Perú, los otros miembros del grupo, todos hombres, deciden excluirla de la edición de su propio documental y la relegan a tareas secundarias, en una actitud considerada por Barea como una muestra de 'Machismo-Leninismo'. Para la película Gregorio, María Barea se encargó de la producción y de la búsqueda del protagonista. En esa película, hace un pequeño papel como la amiga de la madre de Gregorio.​ En 1989 María Barea funda el Grupo Warmi (mujer, en quechua), junto a Amelia Torres y Marilú Pérez Goicochea. Warmi fue el primer grupo colaborativo de mujeres cineastas en el Perú y realizaron documentales y películas mostrando la problemática de la mujer peruana y de las niñas. En 1998, en Hijas de la violencia, la cual es una mezcla de documental y ficción, expone el caso de dos jóvenes huérfanos víctimas de hostilidad en los años noventa en la localidad de Huamanga (Ayacucho).​ En 2018 recibió un homenaje en el Encuentro Latinoamericano de Cine de No Ficción realizado en Arequipa. Filmografía Como productora 1972 - El enemigo principal 1974 - El reino de los mochicas (cortometraje) 1974 - El cargador (cortometraje) 1975 - Si esas puertas no se abren[16]​ 1975 - Chieraq’e. Batalla Ritual (película documental) 1976 - Los perros hambrientos[17]​ 1979 - Yawar Fiesta 1984 - Gregorio[18]​ Como directora 1982 - Mujeres de El Planeta (documental de la serie As Women See It)​ 1982 - Miss Universo en el Perú (documental), productora y codirectora con el Grupo Chaski. 1987 - Andahuaylas... Suenan las campanas (documental) 1989 - Las cruces de Porcón (documental) 1990 - Porque quería estudiar (documental) 1992 - Antuca (film de docu-ficción) 1999 - Hijas de la violencia (docu-ficción)​ 2015 - Mamacha y las niñas invisibles (documental) (Fuente: Wikipedia)

El realizador peruano Marco Panatonic acaba de presentar su película ‘Kindra’ en el Festival de Cine Peruano de París que se está desarrollando en el cine Les 7 parnassiens. Naturalmente ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. Marco Panatonic (Chumbivilcas, Cuzco, Perú, 1988) es un cineasta peruano. Dirigió los cortometrajes Cuando ya no estemos aquí (2016) y Q'ellucha (2017). Estuvo involucrado en La final (2014), dirigida por César Venero y Heroínas (2022), dirigida por Marina Herrera. Formó parte de la coproducción Fiebre (2022), dirigida por Elisa Eliash. El primer largometraje de Panatonic, Kinra (2023), obtuvo el premio al mejor largometraje en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y el premio a la mejor pel᠑cula peruana en el Festival Internacional de Cine de Lima, Perú. Por otro lado, acaba de obtener el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine Peruano de París.

El realizador peruano Miguel Barreda presentaba el pasado viernes su película ‘Redención’ en el Festival de Cine Peruano de París que se está desarrollando en el cine Les 7 parnassiens. Pero antes estuvo con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Miguel Barreda (Lima, Perú, 1967) es realizador de cine y video. Trabaja como director, productor y editor para cine y TV. Estudió en la Academia de Cine y Televisión de Alemania en Berlín (dffb). Asistió a clases maestras de guion con Jesús Díaz y fue alumno del director húngaro Béla Tarr. Llevó cursos de dirección de fotografía con Michael Ballhaus y Walter Lassaly (ganador del premio Oscar por Zorba el griego), y de montaje con la ex colaboradora de R.W. Fassbinder, Juliane Lorenz. Vivió 20 años en Alemania, donde trabajó como editor y redactor para la cadena de TV alemana Deutsche Welle. En 2004 retornó a Perú, donde fundó la productora Vía Expresa Cine y Video en Arequipa. Su primer largometraje Y si te vi, no me acuerdo (2001) recibió el Premio del Público en el Festival Cero Latitud, Quito. En 2012 dirigió la ficción biográfica Ana de los Ángeles y en 2015 estrenó el largometraje Encadenados, Mejor Película Peruana en el Festival Internacional de Cine de Ayacucho.

El artista chileno Francisco Sepulveda presenta su trabajo en el salón Art París que abría sus puertas este jueves en la capital francesa de la mano de la galería suiza Le salón Vert. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Francisco José Sepúlveda Puig nació el 24 de septiembre de 1977 en Santiago, Chile. Desde 1994, Sepúlveda realizó cursos libres en diferentes universidades y con distintos artistas, instruyéndose en técnicas relativas a la pintura, el grabado, el dibujo y la escultura. En 1996 desarrolló estudios de arte en la Universidad Arcis en Santiago de Chile y, posteriormente, entre 1997 y 2000 asistió a talleres y cátedras en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde fue alumno de Gonzalo Cienfuegos, Klaudio Vidal, Ignacio Villegas (1955-) y Gaspar Galaz. Paralelamente, estudió técnicas experimentales de grabado en metal (colografía) con Carlos Ayress (1957-), en el Taller Lam en Santiago. En 2010 se introdujo en los procedimientos de la litografía, primero en el atelier de Raynald Métraux (1958-) en Suiza y luego, en 2017, con Mark Attwood (1966-) en Sudáfrica. Desde 2016 ha estudiado escultura tradicional Makonde en Mozambique. Sepúlveda ha expuesto en museos y salas de Chile, México, Francia, Alemania, Bélgica, Estados Unidos y Mozambique, entre otros. En su obra, principalmente pictórica, se dan cita personajes antropomorfos que parecen extraídos de relatos mitológicos de distintos territorios y continentes. La representación de figuras, objetos y fondos tendiente a lo bidimensional, el uso de una paleta de colores brillantes y una aplicación decorativa de la pincelada pueden ser mencionados como rasgos distintivos de su pintura.

Las realizadoras Mary Jiménez y Bénédicte Liénard presentaban este martes su película ‘Fuga’ en el Festival de Cine Peruano de París que acaba de abrir sus puertas en el cine Les 7 parnassiens. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Mary Jiménez, nacida en Perú, estudió arquitectura en Lima antes de realizar estudios de cine en la escuela de cine INSAS en Bélgica. Durante su carrera como cineasta, también ha enseñado cine en Bélgica, Cuba y Suiza. Escritora y directora desde hace más de 30 años, la obra de Mary incluye películas como “Du Verbe Aimer”, “La Position du Lion Couché”, “Le Dictionnaire selon Marcus” y “Héros sans Visage”, todas ellas seleccionadas en numerosos festivales de todo el mundo. Bénédicte Liénard estudió dirección de cine en el Institut des Arts de Diffusion (en Louvain-La-Neuve). Su primer largometraje, “Une Part du Ciel”, se proyectó en la sección Un Certain Regard de Cannes, así como en los festivales de Toronto, San Sebastian y Nueva York. Continuó dirigiendo numerosos documentales impactantes, ampliamente proyectados tanto en festivales como en televisión. Ella ha enseñado dirección de cine en la Escuela de Cine Belga IAD durante varios años y es artista residente en la Universidad UCL (Louvain-La-Neuve). Filmografía: MARY JIMÉNEZ: Con el nombre de Tania (2019) Le chant des hommes (2015) Sobre las brasas (2013) Héros sans Visage (2012) Le Dictionnaire selon Marcus (2009) La Position du Lion Couché (2006) L’air de rien (1989) Fiestas (1988) Du Verbe Aimer (1985) BÉNÉDICTE LIÉNARD: Con el nombre de Tania (2019) Le chant des hommes (2015) Sobre las brasas (2013) D’arbres et de charbon (2013) Une Part du Ciel (2002)

La artista colombiana Carlota Sandoval Lizarralde acaba de inaugurar su exposición ‘Laisse la main cueillir’ -deja la mano recolectar- en el marco del ‘Project Room’ del Plateau, Fondo Regional de Arte Contemporáneo (FRAC) de la región parisina. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo. Nacida en 1996, de nacionalidad colombiana, Carlota Sandoval Lizarralde vive y trabaja en París. En 2021 se graduó en la ENSA de Villa Arson (Niza) y ganó el premio Pierre Cardin de escultura de la Academia de Bellas Artes. Ha realizado residencias en la Cité Internationale des Arts (2024, París), los Ateliers Médicis (2024, Aude), el Consulado Voltaire (2023, París), la Maison Artagon (2023, Loiret) y la Villa Belleville (2022, París). Desde septiembre de 2024 es residente en Artagon Pantin. En 2025, participará al 100% en La Villette y expondrá nuevamente en Magasins Généraux y en el Centre Wallonie-Bruxelles como finalista del Prix Carré sur Seine. Presenta su segunda exposición personal “Laisse la main cuillir” en la Project Room du Plateau del Frac Ile-de-France invitada por Maëlle Dault.

Gabriela Pez, primera artista cubana en recibir el premio de pintura de la Fundación Bernard Grau - Academia de Bellas Artes de París, acaba de inaugurar su primera exposición personal en Francia en la Galería LAC, Loukoums & Art Contemporain. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Gabriela Pez (La Habana, 1994) lleva a cabo su primera exposición individual en París en LAC (Loukoums & Art Contemporain - Colección Jean-Michel Attal), del 15 de marzo al 12 de abril de 2025, bajo el título ‘Mémoires d’un retour à Paris’ -Recuerdos de una vuelta a París-, en referencia a la colección de poesía de Aimé Césaire de 1939 ‘Cahier d’un retour au pays natal’ -Cuaderno de una vuelta al país natal- , Gabriela celebra su primera exposición individual en Francia tras convertirse en la primera artista cubana en recibir el premio de pintura Fondation Bernard Grau - Académie des Beaux-Arts x Cité Internationale des Arts en 2023. @fundacionbernardgrau “Mémoires d’un retour à Paris” explora el concepto de retorno como punto de partida. Para la artista, este regreso no es solo geográfico, sino también formal, ya que fue en París donde su obra adquirió una nueva dimensión: el gran formato. Para su exposición en LAC, presentará una serie de retratos en acuarela creados durante el último año en su estudio de La Habana, centrados en la reafirmación de la identidad negra y la exploración de sus raíces afrodescendientes y mestizas. LAC (Loukoums & Art Contemporain) Colección Jean-Michel Attal Exposición del 15 de marzo al 12 de abril Abierto los sábados y con cita previa 80A rue Bobillot, 75013 París, Francia.

La guitarrista colombiana Irene Gómez presenta este viernes en la Maison de l’Amérique latine de París ‘Las canciones de mi vida’ su álbum más reciente. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Irene Gómez, nació en Bogotá y se convirtió en la primera persona en obtener el titulo como guitarrista (mención laureado) de la Universidad Nacional de Colombia con la guía del maestro Ramiro Isaza. Desde pequeña mostró interés por la guitarra recibiendo el apoyo de sus padres quienes buscaron como enfocar su talento en un incipiente ambiente musical de la ciudad pues aún no habían muchos programas de música con la guitarra como instrumento institucionalizado. Hacia 1986 cuando se instauró el programa de guitarra en el Conservatorio de Música creado en el siglo XIX surgieron programas con vocación profesional en diversas universidades siendo la Universidad Nacional donde Irene es ahora profesora asociada donde ha realizado además de su vocación concertística, su vocación docente uno de los primeros en ofrecer el programa de guitarra en Bogotá. Irene ha sido pionera también en la producción discográfica independiente. Para la época era necesario ser parte de un sello discográfico; sin embargo a raíz de un encargo navideño de un seguidor suyo en una compañía en New York para sus empleados Irene realizó su primer disco “Sunset Guitar” con un tiraje de mil ejemplares que se replicó y obtuvo las mejores críticas de medios como Classical Guitar Magazine del Reino Unido y Soundboard de Estados Unidos. A partir de ahí Irene Gómez ha realizado cinco producciones discográficas con variados repertorios que abarcan desde el clasicismo hasta obras influenciadas por el rock como el tema con el que abre su tercer disco “Imágenes”, Homenaje a Pink Floyd del compositor francés Jacques Castérede. Así, en su más reciente disco “Canciones de mi vida” Irene Gómez del que Irene Gómez presentará extractos, en su concierto de la Maison de l’Amérique Latine el próximo 28 de marzo a 21h se escuchará música desde Los Beatles, Schubert pasando por Gardel y una reminiscencia a la cantante francesa Barbara, y una versión del famoso tema colombiano en variaciones para guitarra de “La gota fría” (Rafael Campo Vives/Zuleta. Irene recibió la Medalla de Oro del Conservatorio Claude Debussy de Saint Germain en Laye donde estudio con el maestro Javier Quevedo. Años después realizó la maestría en interpretación musical en The Juilliard School en New York con la guitarrista norteamericana Sharon Isbin. Irene Gómez ha sido artista invitada a variados eventos y festivales en Francia, República Checa, Suiza, Estados Unidos, Canadá y varios países de América del Sur. También ha sido solista de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Irene Gómez continúa su labor como concertista, docente en la Universidad Nacional de Colombia, investigadora y gestora cultural y es artista patrocinada de Strings By Mail.

La cantante francesa Mandy Lerouge acaba de publicar ‘El Cerro’ su nuevo álbum en el que nos descubre la figura de Antoinette Pepin, la mujer de Atahualpa Yupanqui, quien firmo la musica de muchas de sus canciones con el seudónimo de ‘Pablo del Cerro’. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contarnos su fascinante historia. ¿Y si las más grandes obras musicales argentinas hubieran sido compuestas por una mujer, y además… francesa? Mandy Lerouge con su nuevo álbum 'Del Cerro' explora un acercamiento musical único al repertorio popular de este país esencialmente mestizo... y al mismo tiempo revela uno de sus más bellos secretos. Con Del Cerro, Mandy Lerouge conecta tanto culturas como épocas... Esta obra está íntimamente ligada al gran cantante Atahualpa Yupanqui (1908 – 1992) y a su enigmático compositor Pablo del Cerro, cuya verdadera identidad ofrece... Mandy comparte aquí con delicadeza y potencia su vertiginoso descubrimiento: esta artista argentina poco conocida es en realidad una francesa llamada Antoinette Pépin (1908 – 1990). Nacida en Marsella, Francia en 1989, Mandy Lerouge es cantante, bailarina y organizadora de eventos relacionados con las culturas argentinas. En 2009 y 2010 fue seleccionada por el Festival Marsatac (Marsella) para participar en el proyecto Aftershock, bajo la dirección artística del compositor y productor inglés Nitin Sawhney Gènes (festival Un Mare di Donne) y en Manchester (club de jazz Band on the Wall ). De 2009 a 2017, fue la pluma y la voz del artista de trip-hop Alif Tree. Lanzaron dos EP: Social Mask (2009) y Everybody Knows (2011) para los que firma la mayoría de los textos (principalmente en inglés) y todos los arreglos vocales. Fue en 2015 cuando la música tradicional argentina se cruzó con Mandy Lerouge, luego de un viaje a Argentina y cuando asistió a un concierto del acordeonista Chango Spasiuk en el Museo Quai Branly de París. Amor musical a primera vista. Su presencia escénica adquirida a partir de sus experiencias como solista en una orquesta, su amplio espectro vocal, bajos suaves y agudos ligeros, así como su fuerza rítmica, heredada de su experiencia en el jazz, le permiten apropiarse de esta música argentina con un toque muy personal, actual, basandose en un gran respeto por la tradición.

La cantante argentina Belén Mackinlay y el pianista Juan Esteban Cuacci presentan ‘Argentina en concierto’ este martes en la Maison de l’Argentine de la Cité Internacional Universitaria de París. Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Juan Esteban Cuacci (Buenos Aires, 1973) es pianista, compositor y arreglador, reconocido por su estilo contemporáneo dentro del tango. Autodidacta y multiinstrumentista, comenzó su carrera profesional a los 12 años y ha colaborado con figuras como Susana Rinaldi, Raphael —de quien fue pianista y director musical durante seis años— y Liza Minnelli. Fue nombrado “Personalidad Destacada de la Cultura” por la Legislatura Porteña en 2014, reflejando su compromiso con la innovación y difusión de la música argentina. A lo largo de su trayectoria ha grabado 16 discos, entre los que destacan Acá Lejos, Pianologías del Sur, Tango Vivo y Cuacci & Cuacci. Continúa expandiendo los límites de la música argentina y renovando permanentemente su repertorio, consolidándose como uno de los referentes actuales del tango en la escena internacional. Belén Mackinlay, cantante argentina, Elige el riesgo y la potencia de la fusión entre los ritmos tradicionales de raíz folklórica, el jazz y la música clásica. Cuenta con cuatro discos: Trébol Blanco (nominado a los Premios Gardel), Huella, Encuentro Sur y Canción de Amor, todos ampliamente elogiados por la crítica y el público. Ha llevado su música a escenarios tan destacados como el Festival de Cosquín, Teatro Nacional Cervantes, y espacios internacionales en Nueva York, Washington, Chicago, Paris, Londres, Barcelona, Malmo, Copenhague, Bruselas y Luxemburgo. Por su labor en la difusión del folklore local, en 2015 fue nombrada Embajadora Cultural Itinerante por la Municipalidad de Ayacucho, su ciudad de origen. Actualmente lidera el ciclo “Las Cuatro Estaciones de Buenos Aires”, apoyado por Mecenazgo, y Patrimonio histórico compartiendo escenario con destacadas mujeres de la música.

La artista y diseñadora española Teresa Fernández Pello participa en la exposición 'Berserk y Pyrrhia' que se inauguraba este viernes en el ‘Plateau’ de Paris y en las ‘Réserves’ de Romainville, muestra que explora las relaciones entre arte medieval y arte contemporáneo. Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. Teresa Fernández Pello es una diseñadora española residente en los Países Bajos que trabaja en la intersección del Arte Funcional y la Tecnología Creativa. Combinando la fabricación digital, las tecnologías electrónicas y la programación creativa con la estética escultórica y la instalación, investiga la relación entre el progreso tecnológico y la evolución de las narrativas espirituales en la sociedad contemporánea. Su trabajo más reciente investiga las conexiones entre las tecnologías informáticas avanzadas y las antiguas tradiciones místicas, reimaginando cómo las sociedades digitales interactúan con el misterio y lo desconocido.

El artista catalán Antoni Taulé inaugura este viernes su exposición ‘Entropía’ en la Galería S/Beaubourg de París en la que muestra un trabajo que se puede clasificar en el realismo metafísico. Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. Antoni Taulé nació en 1945 en Sabadell (Barcelona). Expuso por primera vez en la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell en 1966. Tras obtener el título de arquitecto en Barcelona, se dedicó definitivamente a la pintura en 1973. Posteriormente realizó escenografías para teatro. Vive y trabaja entre París y Formentera (Islas Baleares). Aunque nunca lo reclamó, la obra de Antoni Taulé debe compararse con el movimiento de la Nueva Figuración. La obra de Antoni Taulé, que incluye sus pinturas y fotografías, tiene como hilo conductor el trabajo sobre la sombra y la luz. Este juego de contrastes permite ocultar parte de la escena, hacerla casi abstracta, intensificando así las nociones de presencia y ausencia. Interiores oscuros, vacíos, casi abandonados del hombre son atravesados por una luz deslumbrante e incontrolable, que saca a la luz lo que parecía olvidado o abandonado. Antoni Taulé también trabaja en el mundo del teatro y la dirección, donde vuelve a centrarse en la luz y la sombra, sus verdaderas obsesiones. Entre todas sus colaboraciones en el mundo del escenario, destacó la producción de los sets de ballet para Rudolf Nureyev en el Palais Garnier de París y en el Metropolitan Opera de Nueva York. Nathalie Sarraute lo visitó para sus escenarios teatrales en París, Londres, Venecia, Madrid, Barcelona y Nueva York. Antoni Taulé expuso sus primeras obras en su pueblo natal en 1966. Llegado a París en 1965, realizó una exposición diez años más tarde en la Galerie Mathias Fels, luego en la Galerie Beaubourg. A su obra se han dedicado varias exposiciones retrospectivas, destacando en 1979 en el Salo del Tinell de Barcelona, en 1983 en la Fundación Hastings de Nueva York, en 1986 en Japón, en 1987 en el Museo Goya de Castres, en 2006 en la Villa Tamaris en La Seyne-sur-mer y en 2010 en Barcelona en el Museo Can Framis. Artista reconocido internacionalmente, sus obras están presentes permanentemente en Estados Unidos, en Francia en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, en España en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y en Japón.

El actor y director de teatro boliviano Marcos Malavia acaba de estrenar en Théâtre de l'Epée de Bois - Cartoucherie de Vincennes su espectáculo ‘Rapsodia para calvo, fantasía para seis clowns quánticos’. Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo Marcos Malavia nació el 20 de marzo de 1972 en Huanuni, centro minero situado en la provincia de Cercado (departamento de Oruro), en el altiplano boliviano. Montó sus primeros espectáculos teatrales mientras estudiaba Abogacía en la Facultad de Derecho de la ciudad de Oruro. En París trabajo en la compañía del director francés Jean-Louis Barrault (1910-1994), paralelamente estudia en la Escuela Internacional de Mimodrama de París Marcel Marceau (1923-2007). Después de obtener su título, trabajó como asistente del director argentino Alfredo Arias (1944-). Es magíster de estudios teatrales egresado de la Universidad París 8. Desde 1990, Trabaja con la compañía la SourouS que se interesan principalmente al teatro contemporáneo, creando o escenificando obras de teatro ―por ejemplo El rey se muere (de Ionesco) o Antígona (de Brecht)― y participó en muchos festivales de teatro, como Santiago a Mil (Chile) FIAZ de La Paz (Bolivia) o el Festival de Aviñón. En 1996, Marcos Malavia, fundó el festival Auteurs en Acte, que se dedica a la creación de obras de teatro, con la participación de autores importantes como el dramaturgo argentino Rodrigo García (1964-), el escritor chino Gao Xingjian (1940-), Serge Valletti, Didier-Georges Gabily Jean-Yves Picq, Michael Gluck, Régis Hébette y muchos otros. ​Cada edición de este festival se concentra en un tema particular, una idea del teatro, como la rebelión, el mundo del trabajo, etc. Así el festival Auteurs en Acte, que tiene lugar en la comunidad de Bagneux, es bastante famoso en el mundo del teatro. En 2002 desarrolla "Le Théâtre du Vécu" con el profesor de medicina Jean-Philippe Assal, un dispositivo que permite de acompañar a través de un taller de teatro (escritura-puesto en escena) el proceso de aceptación y expresión de la vivencia de enfermos crónicos, esta experiencia es practicada regularmente en los hospitales de París y Ginebra. En 2004, Marcos Malavia creó ―con el apoyo de la Universidad Católica Boliviana y la Fundación Hombres Nuevos― la Escuela Nacional de Teatro, que se sitúa en el Plan 3000, uno de los barrios más pobres de Santa Cruz más de 200 000 habitantes que viven sin disponer de agua potable. El objetivo de esta escuela es primero de restablecer la imagen de este barrio y luego de profesionalizar el teatro boliviano para crear futuros actores. En efecto, en Bolivia no hay una escuela profesional de teatro. Según Marcos Malavia, en la Escuela Nacional de Teatro «no se trata solo de formar actores, se trata de construir actores y artistas de nuestra sociedad, capaces de acompañar la lucha por la construcción de un nuevo ser de una nueva sociedad, más justa, tolerante y solidaria». ​ Para Marcos Malavia, el teatro es «una manera de oponerse», «un espacio de transformación, donde se establece el contacto con los otros». Se inspiró en autores como William Shakespeare, Samuel Beckett, Ernesto Sabato, y por supuesto el mimo Marcel Marceau. Marcos Malavia crea obras cuyo objetivo es de provocar una reflexión sobre el mundo y sobre el mismo arte teatral. Así, su trabajo valora el cuerpo (particularmente en su obra CORpsTEXte) que, según el dramaturgo, «memoriza las cosas». A través de sus obras, denuncia las injusticias en las sociedades, como las diferencias de clases sociales (ver su entrevista en TV.Duende).​ El teatro es igualmente una manera de curarse, gracias a la escritura y a la escenificación. Así, escribió libros sobre la arterapía y la utilización del teatro en la medicina con el profesor Jean-Philippe Assal y Muriel Roland. Marcos Malavia es igualmente un escritor, que escribió sobre todo en francés porque esa lengua tiene una dimensión poética y una gran libertad de...